Dr Frame - ou como aprendi a amar o cinema

Thor

2011-05-04T10:21:00.000-03:00

Se em estrutura narrativa “Thor” se assemelha em muito aos outros filmes que a Marvel tem preparado para compor seu “multiverso” nas telas – e também para o lançamento de “Os Vingadores” em 2012 – há algo mais na história do herói, surgido para as HQs no início dos anos 60, que o diferencia dos demais. Há uma estrutura shakespeariana, presente na tragédia familiar baseada em um conflito de irmãos e a busca por agradar ao pai. Há algo de Rei Lear na história do herói baseado na mitologia nórdica. “Thor” nunca fui um herói dos mais populares da Marvel e, ao contrário de heróis mais “reais” como Homem de ferro, Capitão América e até o homem-aranha e seus conflitos com a grana para pagar o aluguel, também sempre esteve mais vinculado a um mundo fantástico, pouco ligado com a nossa realidade. O que deixa a equação balanceada é justamente o drama presente na relação entre seus três personagens principais, que fazem com que a escolha de Kenneth Brannagh para dirigir sua adaptação aos cinemas seja um acerto. Conhecido por sua predileção por Shakespeare no teatro e nas telas, Brannagh conduz “Thor” como uma versão fantástica dos contos do bardo – até onde a Marvel permite, é claro, porque, no todo, “Thor” faz parte de um projeto muito maior e tem um objetivo claro.

O conflito de dois irmãos – Thor e Loki – para agradar ao pai, Odin, e se mostrarem dignos de assumirem o trono do reino fantástico de Asgard é o que diferencia o longa de outras adaptações levadas pela Marvel aos cinemas. Aqui, o foco das atenções não é apenas em um personagem, mas na relação entre três deles – e Loki, com seus conflitos e sua gradual transformação frente ao público, com motivos claramente perceptíveis, se configura no melhor vilão dos filmes da Marvel até agora. Claro que Thor, banido de Asgard por um gesto inconseqüente e perdido na Terra, sem poderes, é o vértice principal desse triângulo, mas ele não existiria sem as outras pontas. E a força desse triângulo acaba eclipsando a outra metade da história, justamente o núcleo ambientado na Terra. A recriação fantástica de Asgard prova que, anos atrás, seria impossível fazer um filme minimamente crível sobre o personagem. Brannagh se apóia na monumentalidade para tornar seu filme um passatempo agradável e constante – e tudo é imenso, grande, imponente, maior, mais forte, mais, mais, mais… Na tela pequena da TV o filme perderá muito. Foi feito para ser visto no cinema.

O choque entre essas realidades – da imponência em Asgard para o ínfimo planeta Terra – traz bons frutos ao longa, que se apóia em um humor bem equilibrado e em atores, no geral, bem posicionados, apesar de ter arestas soltas: na ânsia da monumentalidade e pela quantidade de personagens envolvidos – além do trio principal, outros personagens em Asgard, os gigantes de gelo, o núcleo da Terra e os amigos de Thor em Asgard – o filme de Brannagh começa a ser prejudicado em sua meia hora final, principalmente, quando os conflitos se resolvem de forma abrupta, onde parece que algo foi limado do roteiro para que o filme não ficasse longo demais. Onde as relações se estabelecem com muita facilidade, e onde os conflitos ficam mal resolvidos – e onde uma atriz como Rene Russo, pelo excesso de elementos e pouco tempo para desenvolvê-los acaba ficando sub-aproveitada. As sequências finais em Asgard parecem ter sido montadas às pressas, com cortes abruptos demais. É então que se mede a influência da Marvel sobre a palavra do diretor. Brannagh até usa o “ângulo holandês” que ele já usara anteriormente (basta lembrar “Frankenstein de Mary Shelley”), com um certo exagero, mas fica patente a influência da fórmula pré-estabelecida do estúdio para seus personagens – suas propriedades – em busca de um tom uniforme nas adaptações. Essa influência deixa a marca do diretor em segundo plano e partir de determinado momento. Não é, ainda, o melhor filme do estúdio para seus heróis – essa honra ainda cabe a “X-men 2” em uma humilde opinião – mas deixa claro que a construção do tal multiverso Marvel é um ato planejado e a longo prazo. Um festival de referências – a Hulk, Gavião Arqueiro (com uma festejada ponta de Jeremy Renner indicando o que vem a seguir) e Nick Fury – jogadas ao longo do filme fazem a delícia dos fãs e consolidam o longa de Brannagh naquilo que ele foi destinado a ser: mais uma peça de um produto sendo montado aos poucos com precisão cirúrgica. Se poderia ser melhor como cinema, como narrativa e como exercício de estilo, pouco importa: “Thor” comprova que a fórmula consolidada não vai dar errado em termos de indústria. Melhor para o público que também funcione, e muito bem, como produto de entretenimento, mesmo com seus deslizes de congruência.

Pânico 4

2011-05-04T10:20:00.000-03:00

O grande mérito de “Pânico”, franquia criada em 1996 pelo mesmo Wes Craven que deu garras e queimaduras a Freddy Krueger em 1984 – e que criou “Quadrilha de Sádicos”, pouco conhecido do público, nos anos 70 – era o fato de Craven fazer, na série, uma mescla de metalinguagem, sátira, releitura, homenagem e crítica, tudo dentro do mesmo pacote. Revitalizou o “slasher” popularizado nos anos 70 e principalmente nos anos 80 fazendo troça do próprio gênero, mas sem esquecer de falar diretamente à uma geração que estava mais antenada com novos sustos, efeitos e estava atolada em um caminho sem saída. Craven apontou uma saída temporária com um revival saudosista que parecia um sopro de novidade, mas não era nada além de uma esperta sacada: ria de si próprio, porque em breve outros farão isso. Quem não entendeu deu origem a uma série de imitações explorando o slasher – “Eu sei o que vocês fizeram no Verão Passado” e suas continuações, “Lenda Urbana” e outros. Só que a fórmula funciona, realmente, nas mãos de quem sabe fazer esse leitura de forma irônica-crítica-satírica. Craven experimentou do próprio veneno quando o peso dos milhões nas bilheterias se misturou à necessidade de explorar a fórmula. As partes 2 e 3 de “Pânico” pareceram esquecer que seu próprio criador fazia piada do gênero e tentaram ser mais sérios do que deveriam. A série afundou, e com ela o breve sopro de vida do estilo.

Corta para 2011, 15 anos após a estreia do primeiro filme, e o que se vê é um Wes Craven chegando ao cinema trazendo nas costas uma imensa vontade de criticar o que foi feito com o que ele havia criticado e satirizado, com o apoio de Kevin Williamson, roteirista do filme de 1996 (e que andou por terreno pantanoso dirigindo “Eu sei o que vocês fizeram…”). Nesse meio tempo, o que antes era terror e suspense se tornou comédia – a infame série “Todo Mundo em Pânico” – comprovando o que o xerife Dewey diz em determinado momento: “O que é tragédia para uma geração é a piada da geração seguinte”.

Se “Pânico 4” é tão melhor do que seus dois antecessores é porque ele goza de si próprio com ainda mais propriedade do que o primeiro filme brincava com os clichês do gênero. Tanto que agora, quando Sidney Prescott volta a Woodsboro e os crimes protagonizados por Ghostface recomeçam, a metalinguagem é ampliada. Não apenas pelo início que mostra o “filme dentro do filme dentro do filme”, mas pela própria situação de inserir um acontecimento como combustível midiático e fenômeno pop dentro de uma diegese fictícia que se alimenta, também, de uma série fictícia – “Stab”, a série de filmes baseada no acontecimento de Woodsboro que só existe no mundo da ficção. Mais confuso ler do que ver e entender. Em “Pânico 4”, também aflora a modernização do discurso de ironia: agora não são apenas as regras e clichês do gênero que são evocadas antes das mortes, mas as regras das continuações e, principalmente, dos remakes. E, então, Craven insere na boca de uma personagem toda a sua mensagem de “não mexa com o original” quando se cita mais de uma dezena de refilmagens de filmes de horror do passado, apontando para a pobreza de ideias e novos rumos no cinema de horror norte-americano (Craven ainda poupou a moda das refilmagens orientais, que poderiam ter aparecido em um ou outro momento). Completando esse discurso, de forma explícita, a série gore “Jogos Mortais” e sua “pornografia sanguinolenta” recebe um tapa na cara logo na cena inicial, que também usa desses clichês para brincar com seus personagens – todos sabem que esses personagens irão morrer, o que mais importa, nessa sequência, é ver como Craven irá brincar com tudo o que foi sendo formulado para o gênero nos últimos anos.

“Pânico 4” não poderia deixar de seguir a cartilha dos outros filmes, sob pena de perder parte do público que esperava pelo reinício da série. É nesse momento que ele se enfraquece, quando o discurso e a metalinguagem dão lugar ao filme de horror e é preciso definir quem são os assassinos. Não dá para negar que a brincadeira consome o filme e o público tenta descobrir quem são os assassinos, e Craven se diverte com isso, jogando suspeitas sobre todos os personagens. É quando a revelação acontece que o filme cai por terra, principalmente em seu final. Craven poderia percorrer outro caminho e continuar usando um bom humor negro para encerrar de vez a franquia com inteligência, mas ele honra o que ele próprio defende (“Não mexa com o original”). Até esse final, “Pânico 4” já cumpriu seu objetivo. Entre o desfile de conhecidos personagens e a retomada de usuais clichês, recupera a ironia que se perdeu depois de 1996 – e dessa vez com a certeza de que não será seguido por filmes aproveitadores de sua ideia, afinal, ele ri de si próprio.

Novo blog, atualizem please...

2011-05-02T10:15:00.000-03:00

Como o Marcão tem conseguido fazer de tudo, menos ver filmes, o DrFrame está estacionado como blog "coletivo".
E com alguns "projetos" de livros que incluem a necessidade de ver coisas menos atuais, criei o Festim Cinéfilo.
Atualizem seus bookmarks pessoal, para o
http://festimcinefilo.blogspot.com/

À Prova de Morte (Quentin Tarantino, 2007)

2010-07-22T11:27:00.000-03:00

Crítica aqui
Migrando gradualmente - e o site também está gradualmente sendo finalizado.

Fúria de Titãs (Louis Leterrier, 2010)

2010-06-01T19:23:00.000-03:00

Perseu invade o covil da Medusa para cortar sua cabeça e, com ela, matar o Kraken, que está prestes a devorar a bela Andrômeda. Há mudanças em relação à mitologia, mas a história de "Fúria de Titãs", de 1981, é esta. Essencialmente, a história permanece a mesma na refilmagem mas as motivações presentes nela estão todas diferentes. Pode parecer pouco, mas é tudo. Então, abandone a velha mitologia, troque pela nova. Transforme os heróis antigos em seres mais "humanos", ou se renda à novas mitologias, a Harry Potter, a Percy Jackson. Os antigos mitos comem poeira, precisam se adequar ao tempo dos novos mitos. Pergunta: que bem há nisso quando todas as nossas histórias derivaram das deles? O herói clássico lutava por virtudes, pelo bem, lutava por amor, por valores maiores, por sobrevivência até. O herói moderno não tem amor, luta por si, por ser maior do que os mitos que o regeriam. O herói faz o que faz por si, por sua vingança, para ser ele, como homem, e não como filho de deuses. É um egoísta orgulhoso.

O roteiro é um amontoado de desculpas ligando uma cena de ação a outra, tentando atar pontas de um roteiro que não define seus antagonismos e não dá tempo ao público para pensar ou, sequer, simpatizar com qualquer personagem. Hades, que na mitologia ajuda Perseu lhe dando um elmo, aqui precisa ser transformado no vilão, afinal, ele governa os infernos. Há uma certa pobreza de ideias mesclada com a riqueza do CGI de última geração para dar vida a monstros e criaturas mitológicas.

Até mesmo o filme de 1981 trazia inverdades mitológicas em prol da diversão. A diferença é que a ingenuidade do filme original nos puxava para dentro da história e nos fazia torcer. Aqui, somos espectadores privilegiados, levados pela corrente. “Fúria de Titãs” pode divertir, sim. Tão rápido como começou, ele termina. O problema passa a ser a memória afetiva: é impossível não olhar para trás e se irritar com incongruências do roteiro e com personagens rasos e diálogos completamente fora do espírito para uma aventura mitológica – até Perseu chamando medusa de “bitch” surge, de repente.

As mudanças na história servem para apresentar também uma mudança da forma de ver o herói mitológico e sua jornada. Ao invés de aceitar sua condição de semi-deus e incorporar a figura do HERÓI, tão necessária na mitologia para servir de exemplo, mesmo com atos às vezes questionáveis, o herói Perseu do filme quer se firmar como homem, como base da época em que os deuses começaram a morrer. A razão passa a querer governar, o tempo das antigas religiões está acabando. O mito é "reconstruído" para se adequar à jornada do herói moderno, e não à simples Jornada do Herói pregada por Campbell ou à própria essência da história que sobreviveu séculos passada de boca a boca, mas que no mundo da reprodutibilidade, não resiste ao apelo dos dólares.

E aqui, o herói moderno não tem espaço para casar com princesas resgatadas. Ele não quer nem Andrômeda, que a mitologia fundamentou como sendo sua esposa. Na reinvenção do século XXI, para alguns roteiristas, a mitologia come poeira. É como se reescrevessem a Bíblia e Jesus não morresse na cruz, mas atropelado. A diferença é que não há instituições zelando pela mitologia clássica.

Assisti “Fúria...” duas vezes, nenhuma, felizmente, em 3D. Me diverti mais na primeira, apesar de ficar furioso com o descaso mostrado à uma história milhares de anos mais antiga do que quem escreveu esse roteiro chinfrim. Me irritei profundamente na segunda, já sem muito o que me divertir, o que prova que o filme de Leterrier pode entreter, mas não tem força para resistir além da mais simples das motivações de ir a uma sala de cinema sem pretensões. Para um produto da indústria, isso é fabuloso, porque ele cumpre o que se buscava dele desde o início. Para um FILME, que é o que nos interesse, é um desastre. O filme original ainda é muito superior, mesmo com efeitos mais simples e sem a profusão de câmaras tremidas, efeitos de slow-motion e acrobacias - era honesto e cativante em sua ingenuidade. O Perseu de Sam Wortinghton pode ser "o cara", mas é o Perseu de Harry Hamlin com seus efeitos de stop motion, que conseguiram seu lugar na memória afetiva.

Clint

2010-05-31T18:15:00.000-03:00

Um dos maiores nomes do cinema faz 80 anos de vida hoje.

Cinéfilos agradecem pela existência, pelos personagens e pelos filmes eternos desse verdadeiro monstro, seja como ator ou diretor.

E quem não gosta de Clint Eastwood, não gosta de bucet*.

Hollywoodiano na Preview

2010-05-24T11:34:00.002-03:00

Bacana a matéria assinada pelo Otávio Almeida, do Hollywoodiano na revista Preview deste mês. A revista, que surgiu logo após o primeiro desaparecimento da SET ( e tem bastante gente que "migrou" de lá), já está nas bancas.

Curte aí

Robin Hood (Ridley Scott, 2010)

2010-05-20T19:56:00.001-03:00

Tem razão o renomado crítico Roger Ebert quando diz que o cinema perdeu a ingenuidade – e faz isso em tom de lamento. Por influência da “indústria cultural” e necessidades de consumo de um mundo realista e apressado demais, transformamos em poeira mitos de milhares de anos e histórias criadas há séculos. Mudamos a Ilíada em "Tróia", renomeamos o País das Maravilhas, esnobamos a mitologia em “Fúria de Titãs" e tentamos encontrar bases reais para um conto popular de 700 anos. No caso de “Robin Hood”, a reprimenda poderia ser menor, já que até hoje há quem defenda que, por trás das cantigas populares, pudesse haver uma réstia de verdade para justificar a invenção de um personagem que roubava dos ricos para dar aos pobres em uma época sofrida para os aldeões britânicos.

Não espere, aqui, por "aquele" Robin Hood. Não espere por salteadores nas árvores de Sherwood, por um tirânico Xerife de Nottingham e, principalmente, pela inocência que conduzia o conto popular. Para a Hollywood contemporânea, não há lugar para inocência. Não há lugar para mitos, eles precisam ser justificados, precisam ter um pé na realidade. O novo “Robin Hood” imagina como a lenda poderia ter nascido se fosse real, e busca bases sólidas na história para contar isso – inclusive, imagina como o herói teria se tornado Robert Loxley, nome como ficou conhecido nos contos populares. A ideia de Scott é boa, se fosse realizada com plena consciência do seu objetivo. Aqui, ele fica indeciso entre justificar historicamente a lenda e entregar um filme que empolgue seu público. Ele acaba entregando ao público um filme com um ritmo extremamente irregular, cansativo em alguns momentos.

Robin, no caso, é um arqueiro de baixo escalão das tropas do Rei Ricardo – visto aqui como um presunçoso de mau caráter, bem diferente da visão “santa” do personagem na cultura britânica. Com a morte do rei, ele se desgarra do exército, volta à Inglaterra, mas acaba sendo levado pelo destino até Nottingham, onde assume o lugar de um lorde assassinado na guerra. A trama se desenvolve em torno da invasão francesa à Inglaterra, e não da tirania do rei John e do Xerife de Nottingham. Scott mostra as raízes das mazelas do povo, o nascimento do déspota, o surgimento da lenda. É uma visão interessante, mas há muito pouco de Robin Hood nessa visão – e essa ausência é sentida. “Robin Hood” é um épico medieval, no mais das vezes arrastado na busca por explicações e origens. Robin, aqui, luta contra os franceses e pelo surgimento da primeira Magna Carta, que foi realmente assinada pelo rei John em 1215 após os barões se reunirem, invadirem Londres e o forçarem a assinar o documento.

As árvores dão lugar à lama. O couro é substituído pela cota de malha. O arco dá lugar à espada, a floresta é trocada pela praia. Se os filmes anteriores ignoravam o período histórico em que se situa a lenda – e usava ele apenas como um fundo ou uma justificativa – o filme de Scott usa esse fundo como essência, talvez até demais. Falta alma ao Robin Hood de Scott, assim como falta uma personalidade ao personagem na pele de Russel Crowe.

Há bons momentos nessa reconstituição histórica, principalmente o veterano Max Von Sydow, o melhor em cena como Walter Loxley. Uma pena que os personagens do Frei Tuck, Will Scarlett, Xerife de Nottingham (representado de forma patética) e Little John tenham sido tão sub-utilizados, servindo apenas como suporte aos dramas de Robin e à relação apática entre ele e Marion, menos por culpa de Cate Blanchett e mais por imposição de um roteiro indeciso entre privilegiar o andamento dos fatos históricos e o desenvolvimento dos personagens. Não é um filme ruim da forma como muitos críticos têm bradado. Apenas decepcionante em seu próprio universo, e não na comparação com outros filmes do estilo - é possível que o filme cresça em uma revisão feita com mais calma.

O mais curioso é que o Robin Hood de Ridley Scott nos devolve à realidade, ao sair do cinema, com uma sensação de frustração, porque ele acaba terminando justamente no momento em que mais gostaríamos de ver ele continuar. Isso, sim, é o chamado tiro no pé – a vontade de começar a ver o filme justamente no momento em que ele acaba.

PS: Interessante a lembrança de Otávio Almeida. A música que toca ao fundo quando Robin e Marion dançam à noite, "Sea-Maiden", do The Chieftains, também aparece na trilha sonora de "Barry Lyndon".

Homem de Ferro 2 (Jon Favreau, 2010)

2010-05-05T10:58:00.000-03:00

Ironia é a palavra que define a essência do Homem de Ferro, e felizmente, a essência da transposição do herói para as telas, em 2008, foi mantida na sua continuação, graças a um protagonista – e falo dos dois, personagem e ator – fabuloso para desenvolver esse item tão próprio do herói. O Homem de Ferro é, ao mesmo tempo, cria e algoz. Nasceu do cordão umbilical da indústria bélica, e é o maior trunfo para combatê-la. A ironia aumenta quando se insere o outro elemento dessa equação: combate a indústria bélica com armas mais poderosas, modernas e destrutivas que as dela. Combater fogo com fogo é a receita do herói que busca a paz – aí, sim, sem ironia, para desespero dos magnatas que lucram milhões com a indústria armamentista.

É curioso como tudo em “Homem de Ferro 2" se desenvolve em torno desse setor da economia que é o mais lucrativo do mundo. No universo de Tony Stark, não existem super-poderes, mas super tecnologias. Quem tem acesso a elas disputa o poder de fazer as escolhas dos rumos a serem seguidos. Na rabeira desses conflitos, sobram críticas ao discurso americano cheio de hipocrisia e patriotismo disfarçado. De certa forma, o Homem de Ferro é um dos mais anti-americanos de todos os heróis.

Em “Homem de Ferro 2”, há duas linhas narrativas claras. Uma delas envolve os “vilões” da história: um concorrente de Stark – mais do que nunca um astro depois de revelar sua identidade ao mundo no final do primeiro filme – vivido por Sam Rockwell e um cientista russo igualmente brilhante, mas renegado (Mickey Rourke) que pouco se importa com dinheiro: busca apenas a vingança contra Stark, uma busca ligada diretamente ao passado de seu pai.

A segunda linha narrativa gira em torno do grupo de personagens que, por sua vez, gravita em torno de Stark (e essa simbiose entre os personagens é o grande trunfo da série, já que o público aceita de forma natural essa trama, não exige pelas cenas de ação e as aceita quando elas acontecem, naturalmente). A secretária, Peper Potts (Gwyneth Paltrow, sem muito o que fazer em cena), o melhor amigo, James Rhodes (agora vivido por Don Cheadle, dando maior seriedade e credibilidade ao papel), a nova funcionária de Stark, Natalie Rushman (Scarlett Johanson, ofuscando completamente Paltrow ) e os agentes da misteriosa S.H.I.E.L.D. Acima de todos, está o próprio Stark, um personagem dúbio que concentra as diversas sub-tramas, inseridas na medida certa.

Stark é uma personagem que equilibra de forma perigosa o medo de alcançar seus limites e a curiosidade de saber até onde eles vão. É mais forte do que ele, assim como sua arrogância anda lado a lado com uma recém adquirida benevolência, ausente na maior parte da sua vida. É um herói de duas caras e uma identidade, e por isso mesmo, tão humano, real e palpável. E, para balançar ainda mais essa corda suspensa em um abismo, é um homem à beira da morte. Uma mistura perigosa quando tem à disposição uma arma de combate poderosa.

Essa pequena “tragédia patética” do herói – entre a morte iminente e a forma infantil que ele reage à essa possibilidade – apenas ajuda a ligá-lo mais ao público, a torná-lo mais humano, a suspender a descrença habitual em um filme que lida com super-heróis. Isso normalmente é mais fácil quando o público abraça uma trama com heróis de poderes inumanos. Em uma trama como a de Homem de Ferro, com um pé na realidade, baseada em conquistas tecnológicas, tudo precisa ser muito bem balanceado para não se tornar ridículo. O diretor Jon Favreu ( que atua no filme como o motorista de Stark ) alcançou esse equilíbrio: “Homem de Ferro” é, de forma consolidada, uma franquia que deu certo. Pipoca sim, das boas, sabor manteiga com um bom refrigerante...

MULTIVERSO
Já havia acontecido antes no final do “HULK” com Edward Norton: a Marvel está, pouco a pouco, unindo seu universo de personagens e criando uma espécie de “multiverso”. Espere para breve o encontro de diferentes personagens e heróis em um mesmo filme.
No final de HULK, o próprio Downey Jr. faz uma ponta como Tony Stark, aparecendo ao General Ross e dizendo a ele que estão “montando uma equipe”. Em “Homem de Ferro 2”, o escudo do Capitão América – um protótipo em desenvolvimento – faz uma aparição de luxo. Nick Fury – vivido em “Homem de Ferro 2” por Samuel Jackson – também dá as caras no novo filme e, mais tarde, oficialmente convoca Stark para a “Iniciativa Vingadores”. Some a isso que a Marvel já anunciou o intérprete de “THOR” – filme que está em pré-produção – e está trabalhando em “Capitão América” e ligue as pontas: em alguns anos, o filme dos “VINGADORES” deve ganhar vida, juntando diversos heróis Marvel.

Alice no País das Maravilhas (Tim Burton, 2010)

2010-04-24T11:15:00.002-03:00

Tim Burton é um artesão visualmente talentoso, mas com escassas habilidades narrativas. Essa dificuldade de contar uma história é visível em "Alice no País das Maravilhas", que simplifica múltiplas referências para agradar ao maior público possível e obter um retorno a um investimento multimilionário. Mas que não se culpe a indústria: é provável que Burton não fizesse muito diferente com total liberdade criativa, porque é típico do cara transformar obras terceiras em produtos totalmente seus, autorais. Ele já havia feito isso com o Batman, fez isso com o cavaleiro sem cabeça, não faria diferente aqui – no caso do Cavaleiro, ficou ótimo, é seu melhor filme. “Alice...”, aliás, poderia ter tido um outro nome, já que, no fundo, é uma espécie de terceiro capítulo das histórias de Alice. Mas, ao mesmo tempo, Burton mistura tudo e insere referências na história da mesma forma que elas aparecem na história original – uma espécie de reconstrução compensativa de cenas que já teriam ocorrido, mas cuja ausência tornaria o filme por demais oco em sua própria vontade de remeter à obra original. Seu filme, então, é ao mesmo tempo uma continuação e uma reinvenção de diferentes aspectos da história, que pode desagradar alguns puristas. Acima de tudo, é um filme de Tim Burton, o que pode significar que uma parcela do público não afeita ao cinema espalhafatoso do cineasta pode, igualmente, dar de costas, independente do material. Eu mesmo ainda tenho dúvidas do quanto gostei ou me decepcionei com "Alice...". Se os lampejos de bons momentos e de certa genialidade criativa superam a decepção.

A polêmica troca do nome (de País das Maravilhas para Mundo Subterrâneo) é duvidosa, mas parece ter sido feita sob medida para Burton adequar o filme ao seu estilo: as cores do País das Maravilhas clássico não combinam com seu estilo dark e gótico. A história de Linda Woolverton altera isso transformando o Mundo Subterrâneo em um lugar tomado pelo cinza, e pela tristeza, perfeito para os maneirismos visuais de Burton, ainda que alguns aspectos do ambiente original surjam aqui e acolá. Porém o visual, apesar de deslumbrante, não consegue se sobrepor a alguns problemas que prejudicam o filme: o principal deles é que Mia Wasikowska, a Alice, acaba eclipsada pelos coadjuvantes. Sua Alice é apática demais, ainda que o roteiro justifique a apatia trabalhando um dos muitos discursos da obra – a idéia de transformação e passagem para a adolescência. Aqui, ele se transforma na busca por afirmação de uma Alice já adolescente, acarretando nas inevitáveis lições morais e de aprendizado que culminam em um final “redondo” até demais para a trama em que é espelhado – um dos males de ser um filme destinado às massas.

A Alice de Burton cresceu, tem demônios a enfrentar, uma sociedade conservadora demais para seu espírito avançado. Não há príncipes em cavalos brancos, só ela pode salvar a si mesma e a um mundo inteiro. Mais do que enfrentar ao Jabberwocky, ela é obrigada a deixar a infância e ingressar na vida adulta. Debaixo desses conflitos, que Alice é essa que surge perdida no Mundo Subterrâneo?

Aquele jardim inglês de personagens surreais se tornou um mundo gótico onde esses mesmos personagens pegam em espadas e duelam em campo aberto. Onde está nossa Alice, onde estão as referências brilhantemente escudadas por Carroll, onde está o nonsense adulto em embalagem (aparentemente) juvenil que conquistou gerações justamente por dar à história mais a questionar do que a responder? Mais a discutir do que a convencionalizar? Mais a sonhar do que a vivenciar?

No geral, "Alice..." é um mundo de idéias abandonadas pela metade. Não basta jogar personagens e repaginar cenas clássicas na cultura popular para se justificar a realização de uma obra que se baseie ou homenageie um clássico icônico como o de Carroll. Burton joga seus personagens perfeitamente recriados na tela, mas falta a ele o essencial: a mesma alma nonsense que tornava a história de Carroll tão fascinante. Não é um filme ruim, mas a expectativa foi tão alta que os méritos – principalmente visuais e estilísticos - acabam sendo eclipsados pela sensação de vazio. Seu filme deixa a sensação de que faltou algo, de que o vazio não foi preenchido, de que o sonho é falso demais. Para alcançar o grande público, Burton e Woolverton cometeram o maior dos pecados. Jogando citações incompletas - e também por isso injustificadas - e sub-utilizando personagens, construíram um roteiro tão reto e convencional que soa como a maior das ofensas à grande obra de onde se origina: seu filme faz sentido... mas até demais.

O Enigma de Outro Mundo (John Carpenter, 1982)

2010-04-13T09:27:00.005-03:00

Eu sei que sou um ser humano. E se vocês todos forem essas coisas, me atacariam agora, portanto alguns de vocês ainda são humanos. Esta coisa não quer aparecer, quer esconder-se numa imitação. Lutará se for preciso, mas aqui fora é vulnerável. Se nos assimilar não terá mais inimigos, não haverá ninguém para matá-la. Então terá vencido. Vem aí uma tempestade, dentro de seis horas. Veremos quem é quem.

Uma base americana na Antártida fica ilhada do mundo ao descobrir um vírus alienígena que assume formas humanas. Hoje pode parecer uma trama batida, simples, mas não é. Trata-se de o maior clássico de terror alienígena já criado: O Enigma de Outro Mundo. É a versão de O Monstro do Ártico, filme da década de 50. John Carpenter adora trazer o apocalipse à humanidade, e aqui dirige um de seus melhores filmes. O terror/suspense tira o estigma de filmes B do gênero, que continuou crescendo após o término dos anos 80 com Alien: O Oitavo Passageiro.

Primeiramente, John Carpenter é um dos maiores nomes do terror que já pisou neste planeta. Ok, do cinema em geral mesmo. Sua temática favorita é o final dos tempos, pode-se dizer que Carpenter é especialista no gênero apocalíptico. Prova disso é O Príncipe da Escuridão, Eles Vivem, A Bruma Assassina, Fuga de Nova York e Fuga de Los Angeles, sendo que alguns nem foram lançados no país. O terror, a loucura, a ditadura, o misterioso e o fantástico são elevados a outra dimensão com o velho carpinteiro.

A linha do argumento pode até parecer simples, mas é mais complexa do que aparenta: esse vírus consegue mimetizar um ser humano e manipular as células, ou seja, vai se deformando até parecer uma pessoa normal. Caso ele se alastre pelo mundo, levariam apenas dias para infectar toda a humanidade. Para frear essa coisa maligna e malvada, a equipe decide se isolar até descobrir uma maneira de destruí-lo. Como não podem sair e o bicho imita humanos, todos começam a desconfiar de si próprios, numa pressão e tensão psicológica que beira o extremo.

Já o elenco não compromete em nenhuma das atuações. Alguns atores são conhecidos até hoje, mas apenas um sobressaiu e vingou para o estrelado de fato, que foi Kurt Russel. O Enigma também foi a consolidação da parceria dele com o diretor, que começou com Elvis em 1979, depois com Fuga de Nova York. Depois, retornariam a trabalhar em Os Aventureiros do Bairro Proibído e anos depois na década de 90, com a sequência da mitologia de Snake Plissken, Fuga de LA. Outro nome forte no elenco, mas este na parte técnica, é Ennio Morricone. Composta pelo eterno maestro da sétima arte, a trilha acentua ainda mais a tensão nos momentos chaves.

Mas o que mais chama atenção são os efeitos especiais, especificamente os efeitos de maquiagem, revolucionários para época, mas que fora acusado por alguns de ser “escatologicamente exagerado”. Os responsáveis pela maquiagem, Bob Bottin e Stan Winston, criaram as formas do vírus visualmente muito fortes: bizarras, deformadas, sangrentas, gosmentas, extremamente orgânicas e pegajosas. Para os fãs do cinema fantástico, um espetáculo. Para os de estômago mais fraco, bastante repugnantes. E ele não faz questão de esconder isso, muito pelo contrário: faz vários closes e takes demorados nos monstros.

John Carpenter estaca a bandeira de um dos maiores diretores e dá um fôlego maior ainda em um gênero que ofereceu grandes obras. Cria um filme lendário, que continua atual e serve de chão e inspiração até os dias de hoje. Porém, ao contrário de ET, lançado praticamente junto nos cinemas, a idéia de Carpenter é de que alienígenas são feios e maus, mas muito maus. Em O Enigma do Outro Mundo, o buraco é mais embaixo.

RUSH, Uma Viagem ao Inferno (Lili F. Zanuck, 1992)

2010-04-11T21:55:00.002-03:00

Lili Fini Zanuck é mais conhecida por seu trabalho como produtora: ganhou o Oscar por “Conduzindo Miss Daisy” e foi responsável também por filmes como “Cocoon” e “Reino de Fogo”. É uma pena que a carreira como diretora não tenha sido mais produtiva: dirigiu apenas episódios de TV para “Da Terra à Lua” e “Revelations”. Sua única incursão no mundo do cinema foi este drama policial barra pesada de 1991 que fez um certo sucesso nas locadoras à sua época, mas foi esquecido pelo tempo. É uma injustiça enorme: RUSH tem atributos demais para ficar relegado ao esquecimento, tem méritos para ser reconhecido como um dos pioneiros na destruição de uma máscara hipócrita que cerceava o cinema norte-americano lá pelos idos do fim de 19eoitantaetantos e começo dos noventa. “Colors”, de 4 anos antes, também está perdido na valeta dos esquecidos. Uma pena.

Os primeiros três minutos do filme atestam a desenvoltura com que a diretora se relaciona com a câmera – uma característica que se repete ao longo de todo filme pela forma sutil como ela se movimenta em torno de seus personagens e os cerca por todos os lados, ora aproximando-se lentamente, ora apenas colocando-se como um observador impotente do inferno em que eles se metem. Aproximar e se afastar tem tudo a ver com o próprio mundo e as pessoas, afinal, com as quais eles se relacionam. E durante esses primeiros três minutos, sua câmera sai de dentro do cofre de um bar de estrada, atravessa o escritório, desce as escadas, circula pelo ambiente apresentando alguns personagens e sai para fora do lugar, tendo como figura secundária o personagem calmo, controlador e assustador em alguns momentos interpretado por Gregg Allman, do The Allman Brothers Band, que já flertou com o mundo do cinema em diversas ocasiões compondo trilhas sonoras. Allman é o centro das atenções de uma trama que cai de cabeça no submundo das drogas. Ele é o alvo de Jim (Jason Patric), policial do departamento de narcóticos, que recruta a jovem e idealista Kristen (Jennifer Jason Leigh) para ajudá-lo na tarefa de se infiltrar no submundo de viciados, traficantes, bares de estrada e armas escondidas. Desde o início, Kristen é avisada por Jim e seu superior, Dodd (Sam Elliot):

“É um mundo podre e sujo, e muitos caem sem chance de voltar”.

“RUSH” é menos um filme policial e mais um drama sobre essa queda da dupla, a profissão como desculpa para desnudar um submundo barra pesada – e a hipocrisia era que esse mundo fazia parte, já então, da burguesia, da classe média, como fez antes e como faz hoje, com a diferença de que, naquela época, viciado, traficante e bandido eram uma camada distante da população do cinema. “Colors” escancarou o vírus das gangues nas grandes cidades norte-americanas. RUSH trouxe a metódica engenharia do mundo das drogas e suas conseqüências a um nível que, até então, era mantido no anonimato, era escondido – a câmera buscava outras direções, trocava o olhar, fazia de conta que não via. A dupla de Patrick e Leigh, no dia a dia de seu trabalho, confunde tudo: amizade, trabalho, romance, disfarce, vida real. Zanuck mostra sem pudores o convívio com as drogas, sua preparação, a forma como são usadas, e mantém o mesmo cuidado com suas conseqüências: os surtos, a dependência, a busca desesperada por um resto no meio de um carpete. Entrega esse pacote embalado pela trilha totalmente composta por Eric Clapton, e não faz concessões aos seus protagonistas: mostra que o sangue na seringa pode ser mais do que uma simples dose, mas um destino sem escapatória.

RUSH também veio a público em um momento crucial, quando a discussão acerca da AIDS cercava os debates sobre o aumento da criminalidade resultante do tráfico de drogas. RUSH individualizou o drama e nos colocou no meio da banheira suja de sangue e restos de cocaína e heroína.

Movido pela força de uma dupla de protagonistas fantástica – nunca Jason Patric conseguiu repetir uma parte do que ele faz aqui, e Leigh era uma força insuperável em sua geração na época – o filme de Zanuck merece ser revisto e reconhecido pelo que representou – e também pelo que é, em si próprio, como cinema.

O segredo dos seus olhos (Juan José Campanella, 2009)

2010-04-09T05:00:00.001-03:00

Antes de tudo, o que define um bom filme? Seriam os efeitos, ou então o roteiro, a discussão proposta por tal, o modo como o diretor controla a câmera, a fotografia, a trilha sonora, a atuação dos atores, a iluminação ou seja lá o diabo que for... Na verdade pode ser um e podem ser todos. Cinema é uma arte muito subjetiva para se prender a definições ou regras pré-estabelecidas. Um elemento pode transformar um trabalho mais ou menos numa agradável experiência, assim como o conjunto pode ferrar geral. Ok, nenhum mistério até aqui, mas no caso de uma análise mais crítica, um ponto de partida se faz necessário.

Na América do Sul, os maiores especialistas em contar uma história são os argentinos. Não adianta, em comparação com o cinema brasileiro os hermanos estão anos luz a frente. Enquanto aqui o foco é sempre extremista – ora muito violento, mostrando muita pobreza, ou então uma estética novelística exagerada, caricata até, ou demasiadamente bagaceiro e cheio de palavrões – no vizinho a preocupação maior é com a narrativa. Claro que também existem filmes muito ruins por lá, mas em sua grande maioria o mais importante mesmo é o desenrolar da história.

E é exatamente assim que começa O Segredo dos Seus Olhos, filme vencedor do último Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Tudo gira ao redor de um antigo acontecimento. Benjamin Espósito – interpretado por Ricardo Darín, ator onipresente em filmes argentinos – trabalhou num tribunal penal como oficial de justiça até o dia de se aposentar. Entediado, ele resolve escrever um livro. O mote é um crime ocorrido há mais de 20 anos, que não fora solucionado até então: uma mulher estuprada e assassinada em casa. Ele nunca esquecera do olhar daquela linda e jovem vítima. O impacto, o contraste entre a beleza de seu rosto com a brutalidade com que foi morta ficaria para sempre na cabeça dele.

Mas ele não está apenas criando uma obra baseada numa ocorrência policial, mas sim uma biografia. Na verdade, Benjamin está escrevendo o livro de suas memórias. Das páginas de sua vida, um nome consta seguidamente: Irene, sua chefe durante o tempo de tribunal. Além de sua paixão secreta, o amigo e colega – e ‘borracho’ profissional – Sandoval também está sempre por perto. Outra pessoa importante é Ricardo Morales, o viúvo da moça falecida, com quem estabeleceu uma relação de amizade e culpa. Sim, Espósito se culpa em parte por nunca ter conseguido achar o assassino, ainda mais por ser o responsável pela investigação.

Assim como o protagonista, admirável também é a capacidade de Campanella orquestrar e conduzir um roteiro. Diretor que já fez obras espetaculares como O Filho da Noiva e Clube da Lua, além de atuar a tempos em seriados americanos como House MD e Law & Order SVU, alcança uma maturidade narrativa e um respeito mais do que justo. Em nenhum momento Segredo fica chato ou devagar, as várias histórias seguem seu rumo sem se perderem, seja na parte do suspense, dos assassinatos ou do romance.

E seria injusto não destacar o longo travelling sobre o estádio Tomás Adolfo Ducó, pertencente ao Club Atlético Huracán. Numa noite perfeita para a prática do futebol – de acordo com o próprio narrador da cena – o jogo é entre o time da casa e o Racing de Avellaneda. A sequência mostra o estádio lotado de longe e vai se aproximando lentamente, até ficar em cima do gramado, acompanhando a jogada. Ao som de uma música que soa épica (pois futebol é coisa séria, ainda mais para os hermanos) e sem cortes, a câmera passa por cima da pulsante torcida até focar em Espósito e Sandoval. Se toda a filmografia brasileira sobre futebol fosse essa cena, já seria infinitamente melhor do que temos até hoje.

Porém, o mais interessante em Segredo é sua multiplicidade de gêneros. Pode ser classificado como um filme policial, um drama e um suspense até. Fala sobre morte, amizade, conflitos existenciais, mas principalmente sobre amor. Você pode classificar como quiser, mas o foco é o romance, tudo vai parar lá. As melhores sequências do filme são entre Espósito e Irene, interpretada por Soledad Villamil. Ambos já atuaram como par romântico em O mesmo amor, a mesma chuva, também dirigido por Campanella. A química entre eles fica evidente em seqüências como a da estação do trem: a tensão da despedida, do não dizer, mas ao mesmo tempo expressar todo o sentimento, as mãos fixadas na janela enquanto o outro corre inutilmente atrás do trem. Em alguns momentos não são necessárias palavras para que a história seja contada. Aliás, seus olhos falam muito mais que várias linhas de diálogo, seus segredos não são tão secretos assim.

Ao assistir O Segredo de Seus Olhos, você irá, rir, chorar, ficar tenso e se emocionar. Não é qualquer um que consegue por essa gama de sentimentos em apenas uma única obra, de forma que fique interessante e sem pontos desamarrados. Voltando à questão do começo, podem ser muitos os fatores que fazem um filme ser bom, até porque a sétima arte pode ser tudo. Mas em seu âmago, o cinema nada mais é do que uma maneira de se contar uma boa história.

TOP - AÇÃO PRA MACHO

2010-04-06T10:40:00.003-03:00

O mundo anda muito fresco. Desde a época do “paz e amor”, passando pelo fair play no futebol, está tudo afrescalhado. No cinema, são poucos os ícones que ainda mantém os culhões, o bigode, a cara de poucos amigos e o revólver engatilhado, pronto para sair empilhando corpos e derramando litros de sangue. Em tempos de Crepúsculo, Brokeback Mountain e outros filmes moderninhos (para não dizer boiolas), são raros aqueles que podem se considerar legitimamente filmes de macho.

A esperança é o bom e velho Sylvester Stallone, um dos caras mais machos que o cinema já viu. Convenhamos, quem nesse planeta pode dizer que “eu já fui Rambo e Rocky”? Pois é, somente o Sly. Previsto para agosto de 2010, ‘Os Mercenários’ pode trazer a velha e boa ação dos anos 80 de volta para as telonas. Para tal empreitada foi escolhido um elenco monstro: Bruce Willis, Jason Statham, Arnold Schwarzenegger, Jet Li, Mickey Rourke, Dolph Lundgren e o próprio Stallone. Tá bom ou quer mais?

Então, para diminuir a espera – porque ansiedade é coisa de bichinha – por Os Mercenários, o Dr. Frame fará seu top de ação. Acontece que esse blog é muito macho, então não é apenas um top de ação, mas sim um top de ação PRA MACHO! São filmes que James Bond assiste e diz “nossa, que violento”, que Jason Bourne teria medo de fazer, obras que fariam William Wallace se mijar nas calças. Não basta ser o herói, pegar a mocinha e prender o vilão. Falaremos daqueles que explodem meio mundo, que matam exércitos, gastam tonelada de balas, que usam os punhos para destruir tudo que vêem pela frente, que coça as bolas e cospe do lado, sempre com um cigarro/charuto/palito na boca.

Uma dica: para conferir toda essa ode à brutalidade e violência, coloque duas caixas de cerveja na geladeira, abra aquele pacote gorduroso de torresmo e mande a patroa passear na casa da mãe.

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Fábio Rockenbach

Tem gente que ficou de fora aqui, tipo o Segal, o Chuck Norris (é, não deu, ele quase entrou na lista), o Lundgren, o Statham, a Sigourney Weaver... Braddock, Comando Delta, Operação Dragão, O Destemido Senhor da Guerra, Django, Inferno Vermelho, Terminator, Clube da Luta, Cães de Aluguel, Tropa de Elite...

Que seja. Em níveis de testosterona, esse é meu TOP 10 de filmes de AÇÃO PARA MACHO!

10º) 300
Porque tem que ser muito macho pra encarar uma briga de frente com um exército de centenas de milhares, derrubar elefantes penhasco abaixo, fazer montanhas de cadáveres como muro e desfilar por aí usando uma sunga no meio de um monte de macho – tem que ser muito macho pra não achar que isso é coisa de boiola. Eu não usaria aquilo, então acho que preciso ser mais macho!!!

9º) Mad Max 2
Primeiro tem que ser muito macho pra andar dentro de uma roupa de couro no meio do deserto. E tem que ser muito macho pra viver com um cusco sarnento, comer e beber só quando der na louca de conseguir alguma coisa e encarar um exército de malucos sanguinários te perseguindo com carros, motos, espingardas e motoserras dirigindo um caminhão cheio de areia

8º) Duro de Matar
Qual o metido a valente que anda de pés descalços em um chão cheio de caco de vidro, se atira do alto de um arranha céus de 80 andares pendurado por um pano e troca tiros com um bando de terroristas usando só uma porcaria de uma pistola?

7º) Predador
Bueno.... o filme praticamente abre com o aperto de mão mais macho da história do cinema (palavras do Marcão), em CLOSE. Aí um bando de malucos bombados destroem rebeldes em uma floresta, antes de destruírem a própria floresta com uma metralhadora, antes de serem praticamente virados do avesso por um alienígena fodão e do último sobrevivente encarar o alien sem roupa, sujo de barro, com pedaços de pau afiados. Caralho!

6º) Dirty Harry
Harry é fodão: o cara calmamente pára de tomar o café da manhã, saca uma magnum 44, sai caminhando no meio da rua distribuindo tiro pra todo lado, não tá nem aí pras balas que zunem em cima dele, pára na frente do meliante e larga um "Make my day, PUNK".

5º) Rambo IV
O primeiro é o melhor filme, o segundo é filme de MACHO, o terceiro é engraçado, mas o quarto é O FILME DE MACHO do Rambo. O cara já tá velho, com a cara toda torta, mas destrói um exército de mercenários e... pqp, faz sangue espirrar por todo o lado e parte o corpo dos caras em dois. E, pqp, o cara segura uma BAZUCA no pôster do segundo filme como se fosse um rifle.

4º) Conan, o Bárbaro / O Destruidor
Porque não é qualquer um que passa 15 anos empurrando uma roda de escravos no calor do deserto, que enfia espadas atravessando o crânio, que quebra pescoços com os dedos e faz um camelo desmaiar com um soco. E “Conan” é “Conan”, porra... E também tem que ser muito macho pra contracenar com a Grace Jones de biquini...

3º) Comando Para Matar
Pular de um avião em movimento, levantar um elevador com as mãos e derrotar a porcaria de um exército inteiro devastando uma ilha isolada, além de fazer um canos de gás atravessar o vilão. O cara ainda arranca o banco de um carro pra poder entrar nele. Precisa explicar mais?

2º) Stallone Cobra
Diz a lenda que os produtores pingaram essência de testosterona nos rolos de filme. O resultado: os exibidores rugiam enquanto colocavam o filme nos rolos pra ser exibido e saiam gritando pra qualquer moleque de rua que pedia dinheiro que “eram a CURA”. Roupa de couro, óculos rayban, palito de dente no canto da boca e, pra matar o vilão, pendurar ele em um gancho a 2 metros do chão.

1º) Fuga de Nova Iorque / Fuga de Los Angeles
Snake Plissken é O CARA MAIS MACHO DO CINEMA. Que Cobra, Rambo ou o que? O Rambo até pode explodir a cara dele, mas quero ver ele coçar o saco, cagar e andar para o mundo e cuspir mais macho do que o Snake. E o Rambo não tem tapa-olho, não acerta uma cesta do outro lado de uma quadra de basquete nem surfa no esgoto. Não basta ser macho, tem que ser bom em outras coisas também.

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Marcus Vinícius Freitas

Difícil escolher apenas dez filmes, poderiam ser vinte, trinta até. Mas o fator decisivo foi quantidade de porrada, sangue, tiro e frases de efeito como “Call me Snake”. Claro que a preferência por Stallone e Schwarzenegger são evidentes, apesar de muita gente boa (ou má) ter ficado de fora da lista.

10º) Soldado Universal
Eu até hoje não sei direito a história central de Soldado Universal. Sei que tem a ver com genética, melhoramento de soldados, algo assim. Aliás, eu nem quero saber qual é. A única coisa que sei é que o filme tem Van Damme e Dolph Lundgren trocando porrada até o final.

9º) Comando Para Matar
Matrix te lembra uns carinhas entrando em computadores e um mundo de máquinas? Que nada! Pra mim, isso lembra o veterano John Matrix, vulgo Arnold Schwarzenegger. Só que uns rebeldes resolvem sequestrar a filha dele (porra, o que esses caras tinham na cabeça?). E o que acontece? Morre muita gente, explodem muitas coisas, voam muitos tiros. E poxa, ver Arnoldão disparando frases como "Você é engraçado Sully, eu gosto de você, por isso vou te matar por último" não tem preço.

8º) Django
Após um rápido desentendimento no saloon, o líder de um grupo fala para alguém sozinho em uma mesa:
- Vamos prepará-lo para seu próprio enterro.
Tiros. O homem solitário está sentado. Do bando que lhe abordou, apenas um ainda está de pé. O solitário então diz:
- Bem, Major, eu só tenho uma bala. Não vou tirar vantagem disso. Não seria certo. Quantos homens ainda tem? Perdeu a língua ou não quer dizer?
- Quarenta e oito.
- Quero todos eles aqui na próxima vez. Então você estará em vantagem. Vá reuni-los. Estarei esperando.
Que Leone, Ford e cia. me perdoem, mas Django é o cara mais macho de todo o velho oeste.

7º) Desejo de Matar
Charles Bronson quis colocar metralhadoras nos filmes do Bergman, ou seja, praticamente disse ao diretor sueco "seu viadinho, faça algo de homem". É obrigatória a presença de Bronson em listas de filmes machos. O título de seu trabalho mais famoso já diz tudo, ele era um cara que já nasceu com desejo de matar.

6º) Extermidador do Futuro / O Exterminador do Futuro 2
De novo o bom e velho Arnoldão no papel de um ciborque indestrutível que extermina tudo que está a um palmo de sua visão. Na primeira parte, ele destrói metade de uma cidade para achar uma tal de Sarah Connor. No segundo, ele dizima metade de outra cidade para proteger o filho da tal Sarah, John Connor. A moral é que, mesmo do lado do bem ou do mal, ele traz a destruição de qualquer maneira. A próxima vez que você ouvir alguém falando mal de James Cameron por Titanic, enfie Exterminador do Futuro guela abaixo no vivente.

5º) Duro de Matar
Não importa se é em um prédio, um avião, aeroporto, numa cidade cheia de bombas ou paralizada por um bug eletrônico, John McClane sempre salva o dia. E não poupa porrada para isso. Por mais espertinhos que seus inimigos pareçam, todos sucubem a McClane no final. É o papel da vida de Bruce Willis. É óbvio que ele jamais teria pego a Demi Moore interpretando detetives lerdos que cuidam de crianças que enxergam fantasmas.

4º) Cobra
Se você é homem, assistiu Cobra e não gostou... você não é homem e sim uma mona enlouquecida. O filme tem todos os elementos de um genuíno filme de macho: balas e socos a vontade, perseguições automobilísticas, um vilão paranóico pé-no-saco e uma gostosa para ficar desfilando pra lá e pra cá. Cobra foi o grande responsável pelo aumento de vendas de Mercurys (o carro dele, macho que é macho gosta de velocidade) e Raybans na década de 80. E ele ainda corta pizza com tesoura. Gênio.

3º) Fuga de Nova York / Fuga de Los Angeles
"Call me Snake". Legítimo anti-herói, cool, que não segue regras e não tem limites, mas que completa a missão custe o que custar, Snake Plissken foi um dos grandes nomes da macheza no cinema. Também pudera, fora idealizado por um dos diretores mais machos, o sempre excelente John Carpenter. Snake serviu de inspiração para vários filmes, mas seu principal "filho" é a saga de Solid Snake em Metal Gear Solid, para Playstation. Diga-se de passagem, esse é o game mais macho de todos os tempos.

2º) Rambo
John Rambo é sinônimo de cara macho. Tal alcunha é extremamente incompatível com bichinhos de estimação - como puddles e tartarugas - e crianças criadas pelas avós. Toda a saga de Rambo faz os olhos dos machos se encherem... de sangue. E não é só a mortandade e brutalidade, os infinitos corpos se amontoando no canto e as explosões, Rambo possui todo um fundo político, social e um discurso pró-belicista. Não que isso seja mais importante que a pancadaria, mas tudo bem.

1º) Predador
O filme mais fodão que existe. Um bando de militares vai pro meio da selva numa missão de resgate, mas encontram um alienígena que fica invísvel, atira lasers e ferra com todo mundo. Acontece que ele não esperava dar de frente com Arnoldão, o casca-grossa mais ferrado ainda. Uma das peleias mais sensacionais que o cinema macho conseguiu produzir. Detalhe para a cena que o grupo bota abaixo metade da floresta, sem terem enxergado nada e sem fazerem perguntas. Aliás, precisa perguntar algo pra meter bala?

HORS CONCOURS DR FRAME

O maior filme de MACHO do mundo é...

TOP GANG 2 - Topper Harley é o cara que matou mais gente em um só filme, como a contagem do próprio filme prova. E quem é que consegue disparar uma galinha num arco e flechas e fazer ela atravessar o corpo do inimigo? Topper é O CARA.

A Estrada (John Hillcoat, 2010)

2010-04-05T09:11:00.001-03:00

O livro de Cormac McCarthy, que é a origem, a base e as razões do filme de Hillcoat, não se atém a explicações. Prefere buscar sugestões, apontar direções, sugerir deliberações. McCarthy sabe que mais importantes do que as razões são as reações. Hillcot, sabiamente, bebe dessa fonte sem alterar a base da história, sem buscar digerir para a platéia aquilo que o autor sabia ser o menos importante. No fundo, “A Estrada” é quase um road-movie existencialista, sem automóveis, porque a gasolina é escassa, e com eventuais fugas da estrada porque nela também rodam assassinos e canibais. E o protagonista, que não tem nome, como todos no filme - porque nomes não interessam mais, não há identidades, não há posições sociais, apenas as de caça e caçador – vaga errante por um mundo destruído (pelo próprio homem, só pode ser, mas não temos maiores informações senão o fato de que a humanidade, como conhecemos, evaporou-se) ao lado de uma criança que não conheceu nada de bom deste mundo. Talvez, um dia, experimente uma coca-cola.

A desolação do ambiente árido, mistura de cinza e marrom, é apenas um complemento para a desolação dos próprios personagens. Que mãe diria algo como “Meu coração foi arrancado na noite que ele nasceu.”, falando sobre o filho? É uma construção de sentidos que fala mais do que mil palavras, diálogos e imagens, em apenas uma frase. A mãe e esposa não quer sobreviver. Ela quer desistir do mundo assim como o mundo desistiu dela – assim como tudo o mais desistiu deles. Centro da narrativa, movido pelo filho, o pai não quer desistir. Recusa-se a aceitar que não haja um caminho, um lugar, uma maneira de prosseguir, nem que para isso precise se agarrar à devoção pela criança como desculpa para seguir em frente. A questão é: até onde vale a pena, quando homens devoram homens e o sol não beija a terra?

A superação máxima dos limites do pai é apresentado em mais de uma ocasião, a arma na cabeça do filho, o choro silencioso, o desespero. Faz o espectador se perguntar: ele vai ter coragem, quando chegar a hora? Vai chegar a hora?

Nesse ambiente “asociológico” (e existe esse termo ou ele apenas serve para ilustrar um ponto de vista?), até que ponto nossos hábitos mais comuns na regalia são banais – como beber uma coca-cola, acender uma luz, ligar uma TV, dar partida em um carro, beber água gelada ou tomar um banho quente e colocar uma meia seca – e até que ponto eles são elementos estranhos à nossa condição natural de animais que, por algum motivo, desenvolveram o raciocínio?

O pai é o elemento que contrapõe a idéia de selvageria absoluta espalhada pelo mundo – não sem que, em determinado momento, seja a criança a agir como o “despertador” frente ao pai que começa, também, a reagir à selvageria com desprezo e falta de emoção. Mas ele é a devoção pela vida, o respeito, a proteção extrema, enquanto tudo ao redor é destruição, morte e degradação.

O ser humano é bárbaro por natureza. Sem tecnologia, sem sociedade, sem civilização, não somos mais do que animais, com o agravante de que, pior do que não ter raciocínio, é negar o raciocínio em prol do instinto de destruição, e não de sobrevivência.

Até onde, enfim, somos “seres superiores”?

Mais sobre a Ilha...

2010-04-02T18:44:00.001-03:00

Antes de qualquer coisa, o texto é puro SPOILER em torno de Ilha do Medo. Então, se não viu, passe reto.

Já li e debati sobre muita coisa relacionada à crítica de cinema, principalmente quando se entra em discussão a respeito do quão profunda e realmente salutar é a crítica de jornal. De certa forma, vale a mesma coisa para a receita de bolo que se tornou a crítica de cinema na internet, em blogs e sites de cinema - isso é assunto para outro post, sobre a pretensão do crítico de avaliar o filme como objeto esquemático e racional, quando, como qualquer forma de arte, ele deveria ser avaliado também (principalmente?) em termos sensoriais. O velho "discutir a arte", e não "julgar a arte", porque arte não se julga, se sente, assimila e se reage.
Enfim, quando escrevi sobre Ilha do Medo já fiz o texto preparado, também, para publicá-lo no caderno. É uma imensa perda de potencial discussão deixar de debater um filme tão rico por medo de entregar algo, porque a crítica em veículos impressos - em veículos em geral - parte do pressuposto de ser um "guia de cinema", e não um espaço para discutir cinema.
Apenas devaneios, já que minha ideia não é discutir o filme aqui, apenas apontar a quantidade de detalhes que escapam em uma primeira vista.
Revi "Ilha do Medo" nesta páscoa. E já havia comentado sobre como deveria ser obrigatório a todos essa revisão. Ela só serviu para ampliar minha certeza quanto à perfeição do roteiro e o brilhantismo de Scorsese. Porque, se o cerne das ideias do roteiro pertence a Lehanne, é Scorsese quem transforma todo aquele delírio em algo palpável, visual e visceral. Ele é o tradutor que, de certa forma, transforma o ditado original em algo ainda mais sublima após a tradução.
Essa imersão gradual promovida ao universo particular de Teddy Daniels é ainda mais fabulosa vista agora. Não se resume aos detalhes práticos - ele dizer que odeia água, não encontrar seus cigarros, a dificuldade de Chuck tirar a arma do bolso para entregá-la na entrada (afinal, ele é psiquiatra, não tem prática). Mesmo a forma como os pacientes olham para Teddy quando ele entra no prédio pela (suposta) primeira vez ou a reação tensa dos guardas em torno dele, quando ele sobe no jipe ("Seus homens estão tensos, chefe!"). As reações de TODOS em Shutter Island tem outra conotação agora, em seus mínimos detalhes.
Chuck, ou Leehan, por exemplo: o sutil sorriso que ele dá quando uma paciente fala a Teddy sobre como o doutor Leehan é maravilhoso é algo que escapa completamente ao público na primeira vez. O desinteresse dos guardas na busca às rochas tem sentido completamente diferente - sabe-se, agora, que eles estão todos fingindo. A forma súbita como Chuck deixa de chamar Teddy de "chefe" e exclama um "O que vai fazer agora, Teddy?" em um momento chave, planejado, calculado. Mesmo o fato de Teddy estar sempre com a mesma aparência e de cavanhaque em suas lembranças é um passo sutil de Scorsese apontando a fusão entre realidade e fantasia, a mescla entre fogo e água embalando seus devaneios, sobras de sua tragédia particular.
E a simples presença da vitrola tocando Mahler em três momentos - no escritório da chefia do sanatório, no escritório do chefe da Gestapo que se suicida e na casa onde Teddy sonha com sua esposa se tornando cinza e água ao mesmo tempo - é um toque ainda mais sutil nessa mistura de devaneios que lentamente nos insere no mundo de Teddy Daniels.
Genial, mas genial mesmo, é a forma lenta e gradual como o resgate do paciente Teddy é engendrado no mundo real e a forma como ele começa a aparecer nos seus devaneios. Os esforços por esse resgate, que é um esforço coletivo de todos na Ilha, começam a partir do momento em que a história da falsa paciente é contada inserindo, pela primeira vez, a figura dos 3 filhos afogados, e o misterioso paciente 67 surge na história para ficar vagando como um fantasma sobre Teddy. E a falsa paciente, ao mudar subitamente de comportamento em frente à ele, começa a inseri-lo como SEU MARIDO em todo o contexto. Ele, marido imaginário da paciente que teria fugido, a mesma que afogou seus três filhos. Esse processo lento no mundo real do filme, planejado meticulosamente e que alcança nessa cena seu momento chave é também apresentado com maestria por Scorsese em termos visuais.
Teddy sempre sonha com Rachel Solondo ensanguentada, ou mesmo abraçada à pequena Rachel no campo de concentração, mas repentinamente, na cena em que o carro explode, quem aparece para dar a mão a ela em seus devaneios é sua ex-esposa, a verdadeira mãe da menina. É a mente de Teddy lentamente voltando á realidade, movida pelos impulsos coordenados pelo seu psiquiatra, cuidadosamente aplicados. Diante de uma tragédia tão grande, diante do horror de confrontar o real ("A questão é: sua violência é maior do que a minha?" pergunta o chefe da guarda ao lhe dar carona, direcionando tudo ao cerne da questão), de se perder novamente nessa fuga, a melhor decisão é morrer como homem, ainda que isso signifique viver como um vegetal. Anular a violência no seu âmago.
A cena final, em que tudo é fingimento consentido, de lado a lado, e a dor com que Leehan consente, de longe, para a lobotomia, é a coroação perfeita.
De que me importa a surpresa final e outros achismos baseados em um comodismo preocupante na apreciação de filmes, como se todos tivessem que seguir fórmulas prontas e redutoras, quando essa jornada é tão rica em significados, interpretações e possibilidades?
E tenho certeza que a cada vez que rever Ilha do Medo, seu status de obra superior só vai crescer.

Para conhecer um gênio

2010-03-29T18:01:00.000-03:00

O homem acima, conferindo uma das maquetes de "A Queda do Império Romano", é um dos grandes artífices do cinema norte-americano da metade do século, ainda que pouco valorizado pelo público em geral.
Há alguns anos, havia um guia de Cinema e DVD editado pela Nova Cultural, pequeno em largura e comprimento, mas muito grosso, quase mil páginas, em papel jornal. Entre os verbetes para os filmes, com cotações, havia pequenos boxes sobre filmes, movimentos e diretores que era providencial. Foi uma de minhas educações no cinema, com meus 14 anos. Logo após o verbete de EL CID, havia um box com o título.

MANN, QUE FEZ EL CID

Durante muito tempo, foi assim que reconheci Anthony Mann: o homem que havia filmado El Cid, aquele épico com Charlton Heston e Sophia Loren, sobre o herói espanhol que venceu os mouros - segundo a lenda, cavalgou depois da morte comandando suas tropas e apavorando os mouros. Até isso o filme mostra, sem apelar para o fantástico, em uma das cenas que mais me marcaram na infância: a cavalgada do herói morto, a batalha terminada e o cavalo rumando pela praia, sozinho, desaparecendo, deixando tudo para trás, os mouros vencidos...

Pois Mann fez mais do que esse épico inesquecível. Talvez o público o conheça mais por EL CID, A QUEDA DO IMPÉRIO ROMANO e a participação não-creditada em SPARTACUS, antes que Kubrick assumisse o filme.
Mann filmou noir, policiais, aventuras, épicos, westerns, filmes de guerra ( como Heróis de Telemark, que curiosamente olhei no começo deste mês preparando um longo especial sobre a segunda guerra mundial que deve ver a luz do dia no mês que vem por aqui ). A crítica reconhece sua contribuição inestimável ao western, o público não tanto: Um Certo Capitão Lockhart, Winchester 73, O preço de um Homem, Região do Ódio, E O Sangue Semeou a Terra ( todos com James Stewart ) e O Homem do Oeste ( com Gary Cooper ) são obras-primas do gênero.
Para mim, Mann sempre esteve situado entre esses dois mundos, o épico e o western.
A hora é de aprender mais sobre o cara.
O Multiplot preparou para abril um especial com 33 ( até o momento ) textos sobre a filmografia de Mann, o maior especial em língua portuguesa já feito sobre o grande diretor.
A dica é acompanhar por lá, porque a festa já começou:

A Caixa (Richard Kelly, 2009)

2010-03-27T21:41:00.001-03:00

Antes de falar do novo filme de Richard Kelly, que vai dividir MUITO as opiniões, um pequeno fato real e assustador: em 1963, o psicólogo Stanley Milgram conduziu uma experiência para saber de que forma indivíduos comuns são levados a obedecer ordens, mesmo quando elas venham contra seus princípios ou o que seria o bom-senso pessoal. No experimento, uma pessoa – a única a não saber do que se trata – é colocada em uma sala em frente a uma máquina de choques. Na sala ao lado, um senhor está sentado respondendo a perguntas de um inquisidor. Nossa cobaia enxerga esse senhor, mas ele, teoricamente, não o veria. A idéia é que a cada resposta errada, esse senhor leva um choque – aplicado por nossa cobaia, na sala ao lado, manipulando a máquina de choques. A cada choque, a voltagem aumenta em 15V.

A experiência de Milgram mostrava que as pessoas não paravam de aplicar os choques nem quando a “vítima” começava a reclamar que tudo aquilo estava incomodando. Pior: 65% das pessoas apertaram o botão para aplicar um hipotético choque final que em tese mataria a pessoa do outro lado, porque foram ordenadas a apertar o botão, mesmo sabendo o que aconteceria.

Apertar o botão tem tudo a ver com “A Caixa”. A citação à experiência de Milgram vem em boa hora porque ela inspirou o episódio de 1968 de “Além da Imaginação” que, por sua vez, inspirou Richard Matheson a escrever “Button, Button”, publicado na Playboy em 1970. O conto de Matheson, um dos mais celebrados escritores de ficção científica do século 20, é a base do novo filme de Richard Kelly. Não estranhe, portanto, se ao assistir “A Caixa” você reconhecer ecos dos temas, preocupações e discussões típicas das ficções dos anos 70. Na época, mais do que discutir novas tecnologias, filmes e livros discutiam as implicações éticas e filosóficas envolvidas no uso dessas tecnologias e do nosso futuro.

Cameron Diaz e James Marsden são um casal, na metade dos anos 70, feliz em sua relação, mas com problemas financeiros. A chegada de um estranho homem deformado muda suas vidas. Ele deixa em suas casas uma caixa, com uma instrução simples: se apertarem o botão presente na caixa, ganharão 1 milhão de dólares, mas em algum lugar do mundo, alguém que eles não conhecem irá morrer.

Muito se fala no tal dilema que dá título ao filme, mas ele mascara que o novo filme de Kelly é algo muito maior do que isso, apesar de a questão voltar com força no seu final. O problema é que o filme se torna uma mistureba mal resolvida em muitos pontos, com pulos no roteiro, situações não resolvidas e sem conseguir definir seu próprio rumo. Kelly afirmou ter tentado fazer um filme mais fácil para as massas digerirem, e em certo ponto ele tem razão: o filme atiça a curiosidade e prende a atenção em muitos momentos, mas à medida que avança parece se perder em um emaranhado de tantas citações e acontecimentos que perde o foco, só para de repente esquecer todas as suas implicações e voltar ao dilema inicial: apertar ou não o botão. Até lá, ecos de “Invasores de Corpos”, expedições científicas a Marte, narizes sangrando ( uma das poucas coisas realmente explicadas do filme ), agências governamentais, poderes superiores, um observador onipresente, portais dimensionais. A falta de explicações é um claro exemplo dos textos dos anos 70, que pretendiam chamar o leitor a tirar suas conclusões, mas no filme de Kelly, tecnicamente impecável diga-se de passagem, soa mais como pretensão mal resolvida. Os dilemas apresentados no filme são perturbadores, principalmente no final, mas as condições em que eles acontecem são tão surreais que tornam o filme uma experiência estranha. Deverá encontrar seu público, mas Kelly não é, certamente, o cineasta ideal para um estúdio apostar buscando atingir as massas, porque há bem mais do que simples elucidações em um filme como A Caixa: de fato, é um filme que, terminada a projeção, continua gerando perguntas e suposições. Não seria, afinal, méritos de qualquer filme dialogar desse jeito com o espectador?

O Tesouro do Barba Ruiva (Fritz Lang, 1955)

2010-03-25T08:47:00.000-03:00

A crítica portuguesa se desmancha, e boa parte da crítica brasileira também. Li recentemente um post do Mergen comentando da alegria de rever "Moonfleet" quando estava na Europa. Não é totalmente sem razão: á primeira vista poderia ser uma aventura juvenil de Sessão da Tarde, mas há cenas medonhamente tétricas de beleza e significado - aquela estátua de anjo com olhos brancos ficou na memória - que começam a jogar o filme em outro patamar - e Lang aponta seu cinema no intuito de formar um arco protetor de significados em torno de uma história simples, talvez simplificada até demais em seus personagens e suas motivações, mas que acaba resistindo muito bem: é uma iconografia clássica a lá Robert Stevenson e boa parte dos elementos nas histórias de caça ao tesouro, com um ritmo que condensa muito bem tanta informação em tão pouca duração, no que diz respeito a esse ritmo. Mesmo que esses ícones apareçam mais subjetivos do que diretos: não há o tesouro enterrado, no termo próprio, não há os piratas, no termo exato, mas há substitutos à altura que mantém a mesma aura. E há um personagem contraditório que escapa do rol de obviedades nessas referências, que são deliciosas. E junto dele, com o personagem principal, um menino, um leve conflito nunca esclarecido em demasia, para que seu significado possa ultrapassar o óbvio. É esse leve "conflito" que direciona todas as escolhas na história do órfão enviado à casa de um homem de reputação duvidosa, envolvido com contrabando, e a história do diamante perdido de um pirata morto há muito tempo.

Mas justamente aí, há falhas em "Moonfleet", e eu particularmente aponto o centro da narrativa e ao que Lang procurava alcançar induzindo uma relação conflituosa mas deixando completamente de lado qualquer construção de sentido na relação ambígua de pai/filho/aprendiz/lições/e/etc... Isso no sentido de que aquela cena final de despedida, por mais linda que seja, acaba não tendo impacto nenhum em quem assiste. O próprio Lang repudiou o filme quando foi obrigado a gravar um final "esperançoso" quando queria ter terminado com uma cena em uma balsa que seria, essa sim, rica em significados... até em termos de signos e histórias populares. Lembrei até de Arthur morto sendo conduzido por uma balsa, por mais louco que seja essa relação a princípio - mas há um algo mais no filme que fica flutuando depois dele terminar. Ainda estou processando algumas coisas.

Akira, Samurai no ocidente... Ronin no Japão

2010-03-24T08:02:00.001-03:00

Akira Kurosawa, que faria 100 anos ontem, precisou de muitos menos do que os 100 anos que comemoraria hoje para marcar a história do cinema mundial. Foi a própria essência do artista, cresceu nas salas de cinema do começo do século acompanhando o irmão, que era dublador. Recusado em uma escola de arte, transportou as pinturas que inundavam sua mente para as telas. O cinema oriental nunca mais foi o mesmo, e o cinema do ociente até hoje transpira ecos de suas inspirações puramente ocidentais, a ponto de inspirarem movimentos e obras-primas feitas no ocidente.

Seu cinema mescla hábitos tipicamente orientais com temas puramente ocidentais, vistos sob a ótica de uma cultura milenar. Por isso, talvez, tenha sido um dos mais brilhantes intérpretes de Shakespeare para o cinema. Por isso, o western spaghetti não seria o mesmo, se "Yojimbo" não tivesse surgido, inspirado por sua vez nos faroestes americanos. "Ganhei mais dinheiro com Por Um Punhado de Dólares do que com Yojimbo" dizia, em tom de ironia, o próprio Kurosawa, que processou Sergio Leone por se apropriar de sua idéia (e, de fato, Por Um Punhado... É, todo ele, Yojimbo ). Akira ganhou 15% dos lucros do filme de Leone. Renegado em seu próprio país por ser "ocidental" demais, superou a tentativa de suicídio, foi resgatado pela nova geração e voltou a filmar, mostrando que sua visão, antes preto e branca, era inundada de cores resgando a tela como poucos artistas conseguiriam fazer. Foi um gênio.

Diz-se, no Japão, que o samurai cujo mestre é assassinado deve vagar sem rumo, sem ter a quem servir, em desonra. É um Ronin. Samurai para o Ocidente, Kurosawa foi um Ronin em sua terra natal durante muito tempo.

A imagem abaixo sintetiza os filmes, diretores e estilos que o cinema japonês - do qual ele é a ponta ligando dois mundos - influenciou.

E, se não for demais, este pequeno documentário enfatiza as influências de seu cinema sintetizadas na imagem acima.

No Japão, comemorações modestas, mas na cidade de Kioto, a Universidade de Ryokoku homenageou o mestre digitalizando e organizando o mais vasto material sobre vida e obra de Akira: é o maior arquivo aberto do mundo sobre o diretor, no site www.afc.ryukoku.ac.jp/Komon/kurosawa/index.html. São 20 mil páginas com scripts, galerias, anotações e desenhos do mestre.

Ilha do Medo (Martin Scorsese, 2010)

2010-03-23T08:57:00.000-03:00

Me assusta o o número de comentários que tenho lido em blogs e sites sobre os problemas de roteiro de “Ilha do Medo” quando, a priori, é o seu roteiro uma das maiores forças do filme – mas é compreensível, já que a mesma parcela que critica o roteiro direciona a outra metade de suas críticas ao fato de Scorsese “não ter conseguido segurar sua surpresa”. Compreensível porque, antes de mais nada, “Ilha do Medo” se alonga para além de sua projeção e depende de entender que Scorsese não quer dar uma de Shyamalan. Ele diz a que veio desde os primeiros segundos de projeção. Não existem olhares, expressões ou frases soltas sem motivos. “Ilha do Medo” é um primor na condução e no desenvolvimento de uma idéia que suga o espectador e o direciona a entrar de cabeça na diegese particular da trama mesmo quando ele, antes da metade, já entendeu o que está acontecendo. Não interessa a reviravolta, porque ela é prenunciada nas primeiras cenas de projeção. Interessam as razões e a viagem ao mundo particular de quem habita Shutter Island.

É absurdamente o melhor Scorsese desde muito tempo, talvez desde Cabo do Medo ou Cassino, uma mescla de referências ao filme noir, a Siodmak, a Hitchcock, a Kubrick – esses dois últimos referências relativamente novas na obra de Scorsese, mas compreensíveis por serem cineastas que o inspiraram na técnica. Como já me foi dito, ele traça um paralelo entre violência e insanidade como contagiosos, algo que faz parte de Scorsese desde a fase do cinema sujo novaiorquino dos anos 70 – lá, então, no sentido de que não são apenas contagiosos como inseparáveis em determinados ambientes. E Nietzsche iria se esbaldar aqui, acompanhando a investigação do delegado federal Teddy Daniels, veterano da Segunda Guerra Mundial, acerca do misterioso desaparecimento de uma paciente em um sanatório para criminosos perturbados e sua investigação particular sobre os experimentos desenvolvidos no lugar.

As referências alimentadas por Scorsese em cima da história escrita por Dennis Lehane, aliás, são mais geniais do que as diversas cenas maravilhosas - que no fundo são apenas a síntese de uma carreira inteira de um cara que sabe como e quando encaixar um travelling sem parecer meramente oportunista. Desde os primeiros minutos vamos sendo sendo empurrado aos poucos para o ambiente diegético da história de Lehane, ou do próprio Teddy Daniels... desde os primeiros diálogos na balsa, desde que segredos vão surgindo, memórias vão se materializando e a trama vai se afunilando. É um processo de imersão lenta e calculada, brilhante como cinema, de um diretor discorrendo sobre temas bem pessoais com uma calma na condução que poucos podem fazer – e nesse mosaico de referências próprias do seu próprio cinema ele no fundo recupera temas que não são novos, mas que são tratados de forma reverente por um dos melhores realizadores da história do cinema.

Antes mesmo do fim da projeção eu imaginei que leria reações falando em como ele não conseguiu surpreender ou em como ele freou o ritmo do seu filme – próprio de quem está acostumado a um cinema bem mais digerível em fórmulas desgastadas e prosaicas. É talvez o maior problema de “Ilha do Medo”: ser vendido por um estúdio ávido por dinheiro como se fosse um filme de ação e suspense, e ser reduzido a vícios desgraçados do nosso cinema atual, como achar que o diretor está fazendo um jogo com o espectador para uma surpresa no final. Tanto “Ilha do Medo” não precisa se render aos vícios de filmes de gênero reduzidos a clichês modernos como não quer, não busca e não gostaria de “esconder” finais surpresas ou discutir ambigüidades que, no fundo, não existem (e o que tem de gente discutindo o final é uma coisa absurda, o que só prova como precisamos, cada vez mais, educar o olhar para além dos vícios visuais e narrativos do cinema contemporâneo, acostumado a mastigar tudo).

Scorsese não quer isso. Tanto não quer que, desde as primeiras falas do filme, desde os primeiros gestos, desde o primeiro cigarro que não está no bolso e da primeira arma que sai com dificuldade da cintura, vai conversando com o espectador em um diálogo que lentamente nos insere dentro de sua realidade. Basta acostumar o olhar ao discurso de Scorsese ao longo de duas horas para entender tudo nas suas cenas finais: a escolha do protagonista e as razões dessa escolha.

“Ilha do Medo”, aliás, é um filme cuja revisão deveria ser obrigatória para que seus méritos estilísticos, narrativos, de roteiro e de referências fossem devidamente reconhecidos sem a expectativa errada mantida por quem não está acostumado a ver um gênio como Scorsese em ação. E aqui ele justifica plenamente a alcunha de mestre. Em um ano até agora absurdamente fraco e cheio de decepções, o novo Scorsese é um oásis perdido em meio a um deserto escaldante.

A última obra-prima da nova Hollywood

2010-03-22T10:05:00.003-03:00

Fábio Rockenbach / Otavio Almeida

Especial

Pouco depois do dia do trabalho de 1978, Martin Scorsese sangrou pelo nariz, pela boca, pelos olhos...

Estava semimorto.

Havia ido ao Festival de Cinema de Telluride com a namorada Isabella Rosselini, o amigo e ator Robert De Niro e o roteirista Mardik Martin. Na falta de cocaína pura, compraram um produto que não sabiam a procedência. O organismo já debilitado e decadente do diretor acusou o golpe de madrugada. Foi um show de horrores.

Rosselini viajou para a Itália no dia seguinte deixando Scorsese no hospital e achando, sinceramente, que nunca mais o veria. Mais tarde, no New York Hospital, um médico chegou no Pronto Socorro com uma amostra de sangue e perguntou se o sangue era dele.

- Você sabe que não tem mais plaquetas?

- Não sei o que isso significa. - respondeu o cineasta.

- Significa que você está sangrando por dentro. - explicou o médico.

Mas Scorsese teimou: "Preciso voltar ao trabalho."

- Não precisa ir a lugar algum. Você pode ter uma hemorragia cerebral a qualquer momento. - insistiu o médico.

Scorsese pesava 50 quilos e misturava o remédio para asma com cocaína. Trocou tudo pela cortisona receitada pelo médico. Era o primeiro que havia chegado a ele e dito diretamente que, seguindo naquele caminho, iria morrer.

De Niro também teve importância fundamental para tirar o diretor do inferno onde havia se metido ao longo dos últimos anos. Quando entrou no quarto dias depois, o ator ignorou o estado horrível do amigo e o colocou contra a parede.

- Qual é o seu problema. Não quer ver sua filha crescer e casar? Vai ser mais um desses diretores que fazem um ou dois filmes bons e pronto, acabou?

Naquela conversa, De Niro conseguiu que Scorsese se comprometesse totalmente com Touro Indomável - que eles já haviam começado a filmar -, o diretor deu o primeiro passo para exorcizar seus demônios e finalmente achou a perspectiva que buscava para seu filme: “O Impulso autodestrutivo, o sofrimento gratuito imposto de maneira tão banal e injustificada a todos à sua volta”. Como seu anti-herói, Scorsese se olhava no espelho, perdido em seu rumo, sem ninguém ao seu redor e pensava: eu sou Jake LaMota.

O fim de uma época

Para entender o que Touro Indomável significou, é preciso entender tudo o que havia ocorrido nos 12 anos anteriores. O cinema havia mudado no final da década de 60, junto com a própria sociedade. A América não aceitava mais o cinema ingênuo clássico produzido até os anos 50. Com a revolução social e cultural, foi na base do choque que o cinema também mudou. Uma nova geração trouxe realidade, pessimismo e temas pesados para as telas, inspirados no cinema autoral da Nouvelle Vague francesa. Francis Ford Coppola, Dennis Hopper, Peter Bogdanovich, Robert Altman, Martin Scorsese, Hal Ashby, entre outros, renovaram o cinema e colocaram em cheque o sistema de estúdios. De repente, todo o poder estava na mão dos diretores, e não dos estúdios.

Howard Hawks, que ainda travava contato com aquela turma, sentenciou de forma sábia: “o sistema de estúdios ainda funcionava porque tínhamos limites, não podíamos sair fazendo tudo o que queríamos”. O novo sistema durou uma década e decaiu justamente porque os diretores receberam mais poder e atenção do que estavam preparados para suportar.

Recebido como gênio pela lendária crítica de cinema Pauline Kael, em Caminhos Perigosos, reverenciado por Alice Não Mora Mais Aqui e Taxi Driver, Scorsese queria forçar a barra, ver como era chegar próximo ao limite, mesmo de forma insconsciente. Ele não achava que chegaria aos 40 anos com vida, e por isso queria atravessar o tempo, trocar a ordem das coisas, fazer tudo ao mesmo tempo agora. A fase brava do vício coincidiu justamente com a decadência da “Nova Hollywood” e o fracasso de New York, New York.

Aos poucos, Scorsese foi consumido pela cocaína. Em Paris, durante as entrevistas de divulgação de The Last Waltz - O Último Concerto de Rock, com o pó chegando ao fim, teria dito, brincando em tom sério: “Sem pó, sem entrevistas.” Foi em Paris que ele, em um momento solitário de reflexão, enquanto os créditos subiam, percebeu estar sem motivações. “Percebi que não achava mais graça em nada. Não tinha sobrado mais nada. Naquele dia, pensei: perdi minha voz”

Sem interesse

De Niro literalmente importunava Scorsese com Touro Indomável desde a metade da década de 70. Chegava com o livro de Jake LaMotta embaixo do braço e puxava assunto sobre a história. Scorsese se desvencilhava. Não tinha o mínimo interesse, e naquela época estava mais interessado em material inédito. A história de um boxeador fracassado não interessava a ele, mais voltado para hábitos noturnos, mulheres e drogas. Após New York, New York então, a coisa piorou: já havia feito três filmes com De Niro, e não queria fazer outro – o último havia sido um fracasso onde todos esperavam um grande sucesso.

A América estava cansada de ser negativa, podre, de protestar e bater contra o muro. Queria voltar a sentir nostalgia e ser feliz, nem que por duas horas. Steven Spielberg e George Lucas perceberam isso. John G. Avildsen e Sylvester Stallone perceberam isso. Bogdanovich, Friedkin, Altman, Coppola... Scorsese... eles não perceberam.

Mardik Martin havia escrito uma primeira versão para o roteiro de Touro Indomável e, justamente na época em que Scorsese “não achava mais graça em nada”, conseguiu fazer com que ele, em um raro momento de sobriedade sem o pó, o ouvisse. “OK, o que você tem para me mostrar?”

Martin narrou a cena em que os dois lutadores se enfrentam no ringue como gladiadores, batendo um no outro até quase se matarem, enquanto a plateia com seus casacos de pele sorri. Então, De Niro leva um soco, e o sangue respinga em cima de toda essa gente bem vestida, sujando seus casacos de pele, maquiagem e ternos caros com sangue.

Scorsese adorou. O roteiro, o projeto, Jake LaMotta pareciam ter, enfim, algo a ver com ele.

Marcas pessoais

O roteiro de Touro Indomável acabou parando nas mãos de Paul Schrader, que viu ali também reflexos pessoais de sua sempre conturbada relação o irmão, Leonard Schrader. Paul havia escrito o roteiro de Taxi Driver, e para Touro Indomável manteve o mesmo nível de comprometimento que só ele conseguiu alcançar naquela época: cru, seco, destrutivo. Teve discussões ásperas com Scorsese e De Niro, que por sua vez, no contato direto com LaMotta, começava a ver o filme de forma clara: durante um encontro no Sherry com o ex-boxeador e Scorsese, LaMotta colocou a cabeça contra a parede e começou a batê-la, golpeando-a com a testa. Foi um momento iluminado para De Niro.

O problema era do outro lado: enquanto o roteiro era trabalhado, nenhum estúdio estava interessado no filme. O que salvou Touro Indomável, ironicamente, foi o filme usado como desculpa para ele nunca ver a luz do dia. “Já temos 'Rocky', é um sucesso, não queremos outro filme sobre boxe”, bradava a United Artists. Porém, quem detinha os direitos de Rocky - Um Lutador era o produtor Irwin Winkler, que também trabalhava para levar Touro Indomável às telas. Winkler foi taxativo.

- Querem "Rocky 2"? Ótimo. Mas terão de aceitar "Touro Indomável".

Claro que a United queria Rocky 2. O preço, no entanto, foi alto: logo após Touro Indomável, que foi um fracasso de público, seguiu-se O Portal do Paraíso, de Michael Cimino, e o estúdio acabou caindo para sempre. Mas isso é uma outra história.

Queda e renascimento - o clássico

Por que Touro Indomável é o melhor filme da década de 80? Bom, para começo de conversa, não é um filme sobre boxe ou um esportista do gênero. Touro Indomável é um filme sobre um homem atormentado por seus pecados, entrando no ringue para apanhar. Ele bate, claro. E muito. Mas apenas para ter de volta a sensação de dor na carne, a punição com sangue, fraturas e hematomas. É como entrar no confessionário e sair de lá absolvido pelos Céus. Para Jake LaMotta (Robert De Niro), vencer era menos importante que o perdão divino. Ele jamais foi à lona, por mais que apanhasse de forma bestial. Há uma explicação para isso: Se fosse nocauteado, LaMotta teria sua punição interrompida. Só ele sabia a hora de parar.

O próprio Scorsese recorda: “O pôster mostrava um close em um rosto cheio de sangue e uma cara semi-deformada. Não é um filme atraente”. Para alguns críticos, LaMotta era o mais repugnante personagem do cinema. Era um "filme de ator", mais do que um filme com uma grande história. A alma era o personagem – o que acontecia ao redor dele era irrelevante, apenas embasava a tragédia de sua trajetória pessoal. LaMotta era a essência do filme, De Niro era só o que o fazia existir. Scorsese era o mestre dos fantoches, manuseando ambos para, no fundo, falarem dele próprio: Scorsese era LaMotta se olhando no espelho, em plena decadência.

“É essencialmente um filme dos anos 70, uma baleia encalhada na praia da nova década” sentencia Peter Biskind, autor de “Easy Riders, Raging Bulls”.

No ringue, LaMotta não era guiado pelo que aprendia em em seus treinamentos. Seu guia foi o medo, causado pelo ciúme doentio que sentia da mulher, Vickie (Cathy Moriarty). Sua insegurança sexual e a estima em queda livre, LaMotta atormentava a própria esposa não por encontrar evidências de sua possível traição, mas simplesmente por imaginar tal situação desagradável. Era o bastante para liberar sua ira e afetar todos ao seu redor com sua violência física e mental, incluindo seu irmão Joey (Joe Pesci).

A produção consumiu a primavera, verão e outono de 1980. Só a mixagem durou seis meses. Nenhum estúdio queria o filme. Em julho de 80, Scorsese mostrou o filme a produtores e outras pessoas da MGM, na rua 55 com a 6. Quando a projeção terminou, somente o silêncio. Scorsese se encolheu. Andy Albeck se levantou da carreira, caminhou até ele e disse:

- Mr. Scorsese, o senhor é um artista.

O alívio momentâneo não foi o bastante para o diretor. A crítica massacrou o filme depois da boa recepção inicial.

Na verdade, para compreender Touro Indomável é preciso tentar enxergar o filme com os olhos de LaMotta. O inferno se passa dentro de sua própria mente, sendo tomado pelo ciúme e, consequentemente, pela loucura. A postura destrutiva de LaMotta, dentro e fora dos ringues, remete a um dos temas favoritos do diretor Martin Scorsese: a perda da identidade. Outro assunto predileto do cineasta que é escancarado em Touro Indomável é o pecador, sendo sondado pelo inferno, mas se cobrando eternamente para andar na linha, observado constantemente por símbolos religiosos, como quadros e imagens de figuras católicas e objetos como cruzes.

Esse filme que se passa dentro da cabeça de LaMotta fica evidente nas caprichadas cenas em câmera lenta, que ilustram o olhar obsessivo do boxeador em relação a sua esposa. É como se o tempo parasse, enquanto ele observa Vickie batendo as belas pernas na água da piscina. Além da câmera lenta, a montagem de Thelma Schoonmaker, uma das cinco melhores profissionais em seu ofício, de vez em quando engata a quinta marcha para aumentar o impacto dos socos nos rigues - isso bem antes de Matrix e da era dos efeitos digitais. Simples trabalho de montagem. Simples em termos, afinal Thelma diminui o número de frames por segundo para aumentar a sensação de tensão nas cenas de luta, já que Scorsese radicalizou ao colocar sua câmera dentro do ringue, posicionada na altura de seus atores/lutadores, elevando o nível de claustrofobia das cenas. Esqueça Rocky - Um Lutador, feito cinco anos antes. O cinema jamais havia mostrado lutas de boxe tão violentas e intimistas. E, talvez, até hoje, nenhum filme moderno tenha sido tão perfeito na tentativa de homenagear a clássica fotografia em preto e branco da era de ouro do cinema.

A situação decadente de Martin Scorsese na época se confundia com a postura de seu protagonista. Mas nada disso funcionaria sem um ator que entendesse o inferno astral do diretor - e do próprio LaMotta. Como o boxeador, Robert De Niro entrega uma das 10 atuações mais reverenciadas da história do cinema. A ascensão e a queda (física e emocional) de LaMotta é uma das cinebiografias mais melancólicas e viscerais já feitas. Sem De Niro, que ganha peso de forma assustadora durante o filme, recitando Shakespeare e evocando Marlon Brando em Sindicato de Ladrões, o LaMotta do cinema não seria um Otelo moderno. Sem De Niro, Scorsese também não precisaria abrir e fechar seu filme com a Cavalleria Rusticana, demonstrando, desde o início, que o filme é a tragédia de um homem condenado à solidão eterna por seus próprios atos, em busca de uma redenção que nunca vem. É o auge do casamento perfeito de uma das parcerias mais famosas entre diretor e ator, ainda que quase tenha sido fatal para o primeiro, porque Scorsese quase caiu.

Um produtor obscuro tirou onda da cara dele ao serem apresentados em um jantar, virando-lhe as costas e rindo de seus planos de filmar “A Última Tentação de Cristo”.

- Ah é? Sei... liga pra mim qualquer hora – disse, virando as costas e rindo.

Scorsese sabia que precisava recomeçar: decidiu ser um diretor novamente, seguir na arte que moldou sua vida.

“Eu realmente queria continuar fazendo filmes. Disse para mim mesmo: sou um diretor, vou fazer um filme de baixo orçamento, “Depois de Horas”, e vou continuar em frente.”

Scorsese sobreviveu aos anos 80, enquadrou-se no sistema - mas deixou suas marcas (A Cor do Dinheiro, A Última Tentação de Cristo, Os Bons Companheiros) e tornou-se o mentor de toda uma geração.

O tal produtor, ninguém lembra quem é. E Touro Indomável completa 30 anos, hoje, como o grande filme americano dos anos 80...

*com informações complementares de Peter Biskind em seu livro Easy Riders, Raging Bulls

Quando Charles Bronson encontrou Ingmar Bergman

2010-03-17T15:41:00.006-03:00

*Baseado em fatos verídicos. Ou pelo menos a maioria deles.

Poucos caras deram tanta porrada e tiros no cinema quanto Charles Bronson. Poucos caras elevaram o cinema ao status de arte quanto Ingmar Bergman. Enquanto um representa a brutalidade, a força, a cara de mau no close, o outro é a arte em frames, a poesia na tela em forma de cinema, respectivamente. Tanto Bronson quanto Bergman foram forte influência e referência nos seus ofícios. Basta lembrar de personagens marcantes como o harmonica man em ‘Era Uma Vez no Oeste’, de Sergio Leone, ou de viagens intimistas e filosóficas como em ‘O Sétimo Selo’ e ‘Persona’.

Alguém já parou para pensar como seria um encontro entre estes dois extremos da sétima arte? Pois é, seria um pouco estranho mesmo, mas esse ocorrido aconteceu de verdade.

Na época, Bergman veio meio corrido para os Estados Unidos. A mídia sueca fazia questão de cutucar diariamente o diretor por causa de um desentendimento com o imposto de renda. De saco cheio com isso, o diretor resolveu dar uma passeada em Los Angeles pela primeira vez em sua vida.

Mas o diretor e o ator de ‘Desejo de Matar’ já tinham algo em comum: o mesmo agente e o mesmo publicitário, Paul Kohner e Ernie Anderson, respectivamente. Os dois já haviam comentado sobre arranjar um encontro entre seus clientes, mas Kohner estava meio hesitante em realizar-lo, pois Charles Bronson às vezes brincava com seu agente: “tudo bem que este não é um filme do Bergman, mas talvez a gente fature alguns trocados”.

Brincadeiras a parte, tudo organizado para a inusitada reunião. Foi em um estúdio de Los Angeles. Bergman chegou no meio de uma gravação, que foi prontamente pausada. Todos pararam suas atividades para ir receber o diretor sueco. Bronson acendeu um cigarro e também foi ver o que estava acontecendo. Os dois se cumprimentaram sorridentes. O ator estava meio tímido, com uma cara meio ressabiada, enquanto que Bergman observava todos os detalhes do set. O gelo só foi quebrado quando Bergman perguntou o que Bronson estava fazendo.

- “Bem, essa é uma cena onde eu levo um tiro”, respondeu. “Eles colocam esses pequenos rojões no meu peito para simular o impacto das balas”.

- “Fascinante”, disse Bergman. “Eu não sabia que faziam isso”, complementou.

Nesse momento, Bronson fez uma cara de espanto. Franziu a sobrancelha e logo perguntou:

- “Peraí, quer dizer que você não usa metralhadora nos seus filmes?”

Como analisar o Oscar...

2010-03-08T08:56:00.000-03:00

Bigelow e seu prêmio: ontem, a indústria disse, claramente, estar receosa não de seu futuro como indústria, mas de sua posição individual no processo. Na dúvida entre ter lugar nesse processo ou ser sugado pelos novos donos da tecnologia revolucionária, ainda é melhor apostar no bom e velho processo manual, que eles dominam há anos.

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E o Oscar, de certa forma, foi o mais equilibrado dos últimos anos. Injustiças, de verdade, foram poucas. A maior delas foi Sandra Bullock ter ganho o prêmio de melhor atriz por um feijão com arroz que ela faz em "Um Sonho Possível", um filme que também é um tanto medíocre, feito para emocionar o público americano, uma espécie de festa fechada em que todo mundo fica se olhando e dizendo: como é? Ela ganhou o Oscar por isso?

O Zé Wilker, na tardia transmissão da Globo, apontou um fato que pode começar a dar uma explicação às razões da vitória de "Guerra ao Terror", um filmaço, mas que eu sinceramente não colocaria na lista dos vencedores do prêmio (os últimos anos têm sido marcantes nesse tipo de referência, com os prêmios a CRASH e Quem quer ser um milionário?): "Guerra ao Terror" ganhou todos os prêmios que competiu, de frente, com "Avatar".

Há uma forma de interpretar isso sob o ponto de vista da indústria:

- O Globo de Ouro premia Avatar. São os jornalistas da imprensa estrangeira dizendo que o filme de Cameron pode ser a salvação de uma indústria que a cada ano diz sofrer mais com a pirataria e a falta de uma nova direção. Cameron passou 12 anos trabalhando em uma nova tecnologia que tornasse o 3D crível, e conseguiu. Apontou um caminho para a própria indústria se proteger. A imprensa reconheceu isso.

- O Oscar é um prêmio de classe, dado pelos próprios profissionais. Qual a postura desses profissionais frente a um fenômeno de 500 milhões e novas tecnologias? Um pé atrás, e uma certa apreensão. Bem menos positivo do que a crítica, que não trabalha com essa tecnologia, apenas a recebe pronta.

Os profissionais, amedrontados com tudo o que Avatar gastou, reconhecem o talento da Bigelow em um filme barato, até porque de cada 100, talvez 5 deles venham a conseguir os dividendos de uma produção multi milionária. É normal ver funcionários do reino do faz de conta com receio de uma revolução milionária chegando. Me fiz essa pergunta ontem: eu, técnico da indústria, estaria pronto para trabalhar nela eu seria sugado para o ostracismo? A atitude de muitos, mais prudente, seria se proteger e proteger o seu meio. Mostrar que filmes de 11 milhões ainda podem ganhar prêmios e reconhecimento dos filmes de 500 milhões, por mais que a discussão de quanto custou um filme é irrelevante para avaliar o seu sucesso. Ele poder ser bom ou ruim gastando 1 ou 100 milhões.

O oscar, ontem, afirmou claramente que a indústria do cinema ainda tem receio da tecnologia e diz que, independente dos gostos da crítica - que não participa do processo, apenas o avalia no final - ela ainda confia mais em fazer cinema do velho e bom jeito artesanal, onde seus talentos, afinal, ainda podem ser controlados por eles próprios.

Legal ver alguém como Bigelow levando o prêmio, porque ela é ótima diretora. Já havia mostrado isso lá no começo dos anos 90, e merecia um prêmio desses para não ter que mendigar recursos como fez para conseguir filmar "Guerra ao Terror". E a justiça poética é ela ter ganho justamente no dia da Mulher.

E deu "Guerra ao Terror" no Oscar

2010-03-08T02:17:00.003-03:00

Com a festa terminando exatamente no dia internacional da mulher, Kathryn Bigelow fez história na premiação mais famosa do cinema. Guerra ao Terror foi o nome no 82º Oscar, levando os prêmios de melhor filme, diretor, roteiro original, melhor edição, mixagem e edição de som. Avatar ficou com 3 estatuetas, seguido por Preciosa, Coração Louco e Up - Altas Aventuras – cada um com dois Oscars. Bastardos Inglórios levou apenas melhor ator coadjuvante, mas não era nenhum mistério a premiação do Christopher Waltz.

As surpresas ficaram com melhor filme estrangeiro para o sempre sensacional Juan José Campanella com O Segredo de seus Olhos, melhor roteiro adaptado para Preciosa, desbancando assim o favorito Amor sem Escalas, e a tocante trilha sonora de Michael Giacchino para Up - Altas Aventuras.

Pois é, dizem que ex-mulher sempre leva tudo. No caso do James Cameron levou até o Oscar. Depois dessa oportuna e infame piadinha, confira a lista dos vencedores.

Melhor Filme
Guerra ao Terror

Melhor diretor
Kathryn Bigelow - Guerra ao Terror

Melhor atriz
Sandra Bullock - Um Sonho Possível

Melhor ator
Jeff Bridges - Coração Louco

Melhor ator coadjuvante
Christoph Waltz - Bastardos Inglórios

Melhor atriz coadjuvante
Mo'Nique - Preciosa

Melhor roteiro
Mark Boal - Guerra ao Terror

Melhor Roteiro Adaptado
Geoffrey Fletcher - Preciosa

Melhor Filme Estrangeiro
Segredo dos Seus Olhos

Melhor Animação
Up - Altas Aventuras

Melhor Curta de Animação
Logorama

Melhor Documentário
The Cove

Melhor Documentário Curta Metragem
Music by Prudence

Melhor Trilha Sonora
Michael Giacchino – Up - Altas Aventuras

Melhor canção
The Weary Kind - Louco Amor

Melhor Direção de Arte
Avatar

Melhor Fotografia
Avatar

Melhor Edição
Guerra ao Terror

Melhor Mixagem de Som
Guerra ao Terror

Melhor Edição de Som
Guerra ao Terror

Melhor Efeitos Visuais
Avatar

Melhor Maquiagem
Star Trek

Melhor Figurino
The Young Victoria

Melhor Curta Metragem
The New Tenants

Multiplot voltou

2010-03-06T18:56:00.001-03:00

As portas do hospício foram abertas de novo. Os malucos voltaram.
Passa lá que tem novidades - e o fórum é boa pedida.

Tempestades D'Alma (Frank Borzage, 1940)

2010-03-01T15:42:00.000-03:00

Um dos primeiros filmes a condenar abertamente o nazismo quando a guerra recém começava na Europa e antes do ataque a Pearl Harbor, “Tempestades D’Alma” tem um discurso mais incisivo e de melhores resultados do que “O Grande Ditador”, de Chaplin, obviamente usando de menos sarcasmo e indiretas. O filme de Frank Borzage é direto até demais. Através de uma família que mora nos Alpes germânicos, próximo à fronteira com a Áustria, mostra a ascensão do regime e a queda das liberdades individuais de maneira magnífica se analisada em seus pormenores. Usa para isso a divisão da própria família e a inimizade que nasce entre os jovens daquele núcleo, entusiastas de “uma nova e forte Alemanha” com a chegada de Hitler ao poder, como Chanceler, em 1933, e o ex-amigo da família, Martin, que não vê com bons olhos a cega mudança de rumo da sociedade em que vivia em paz. Sem conseguir se integrar a essa nova ordem, ele decide fugir para a Áustria, através de um caminho nos Alpes.

É curioso como Frank Borzage desenvolve seu estudo sem aprofundamento sobre as raízes do mal social na Alemanha da década de 30 independente de seu herói maior, justamente James Stewart. O clássico de Borzage, injustamente pouco conhecido – é um dos grandes de sua filmografia – serve à uma América mais atenta a saber conhecer do que ocorria na Europa, menos interessada em entender suas origens, apesar de que “Tempestades D’alma” esboça, em alguns momentos, algumas breves tentativas de explicar porquê uma sociedade inteira seguiu idéias racistas, reacionárias e extremas de um homem como Adolf Hitler. Peca, porém, ao ver o fenômeno de forma simplista e rasa em alguns momentos, um clichê que dominaria boa parte da produção americana nos anos subseqüentes, facilmente compreensível para colocar o inimigo como um monstro, um robô regido a idéias rasas. Não tenta explicar como isso aconteceu, apenas mostra o fato consumado. Não tira, no entanto, o seu mérito.

É, em sua estrutura, um típico filme do diretor, acostumado a colocar o amor contra circunstâncias exteriores, cercando-o, tentando neutralizá-lo. De certa forma, para a ocasião, o nazismo no filme é apenas uma oposição a uma história de amor trágica que pouco deve a grandes romances na história do cinema, mas que permaneceu relegada, provavelmente por duas razões: a) a ascensão do nazismo como um terror social e mundial, um temor acima de uma curiosidade. A forma como o regime circunda cada fotograma do filme de Borzage explica, talvez, a razão dele ter sido relegado em detrimento de outras obras onde o regime era um mero pano de fundo. Aqui, o terror do regime ao longo dos seis anos de guerra – quando o filme foi rodado, a guerra recém começara – depôs contra o filme. É de se pensar que os envolvidos não imaginassem que ele se tornasse o que se tornou, e b) Borzage faz com que o romance seja superior aos personagens, principalmente ao seu astro.

James Stewart surge repentinamente na tela quando a platéia já foi conquistada por um prólogo simples e de desenvolvimento fácil. Quando isso aconteceu, ninguém lembrava mais que ele era o astro da história. E em determinado momento ele desaparece e, curiosamente, pouco se faz falta. O que poderia ser um erro imperdoável comprova que a força da trama de Borzage está em si própria e não em um ponto de apoio. Toda essa trama é o motivo principal da atenção do diretor, e James Stewart é um mero ponto de referência à platéia, um americano interpretando um alemão discordante da nova ordem. É o ponto de vista a partir do qual se manifesta a raiva e a sensação de impotência do público.

Borzage ainda manifesta um profundo medo mesclado à nostalgia em uma cena final arrebatadora: os passos das pesadas botas do filho mais velho na mansão vazia, onde a visão dos cômodos inabitados se mescla às falas de outros tempos, presentes em sua memória. É um grande filme, que merece ser analisado em seu tempo e nas conseqüências a que se submeteu involuntariamente.

Em Imagens - Fulci e a lenta inevitabilidade

2010-02-26T22:25:00.004-03:00

E tem gente hoje em dia que acha que sabe fazer filmes de terror...
Lucio Fulci é o cara...
(Zombie - aka Zombie 2 - 1979)

Shakma (Tom Logan, 1990)

2010-02-25T13:55:00.001-03:00

Existe uma lenda imbecil propagada mundo afora entre quem escreve ou debate cinema dizendo que a década de 80 foi um desperdício. Também há uma espécie de idéia enraizada de que todos aqueles filmes “B” que passavam em sessões como o “Cinema em Casa” do SBT ou o Cine Trash da Bandeirantes eram produções baratas e ruins. Baratas, provavelmente muitas delas eram. Ruins? Aí já é uma questão de rever conceitos e saber ver onde dói a ferida. O que é um trash, um gore, um filme classe “B” afinal? Os filmes classe -Z dos malucos fantásticos italianos da década de 70 têm mais ousadia e lucidez perdida em suas tramas malucas do que toda a tecnologia e os milhões de dólares dos pseudo diretores de hoje podem comprar. Se duvidam, experimentem assistir alguns filmes de Fulcci. E para pegar um exemplo dessa "geração trash perdida", pegue "Shakma"...
Bastou ver o pôster na net para lembrar de uma cena que me marcou muito na época do Cine Trash: a morte da garota no banheiro feminino, a mão surgindo por sobre o box, tentando alcançar a saída de ventilação, e ela sendo subitamente puxada para baixo. “Shakma - A Fúria Assassina” tem cara e espírito de filme “B” realmente, um trash dos bons, escondido em um argumento ridículo e sem sentido, mas cuja realização supera as idéias. Cuja coragem de não se prender a clichês e estereótipos só poderia vir de onde não tem muito dinheiro envolvido. Em uma comparação, a trama de “Shakma” é filmada de forma tão simples e engenhosa, mesmo presa em uma idéia meio senil, que revela como estamos presos em um tempo de poucas idéias. Hoje, o filme se reduziria a uma iluminação especial, a frases de efeito, a morte coreografadas pelo grafismo e pelo sensacional, e closes patéticos no rosto de algum protagonista semi-famoso.

Nada disso. O babuíno raivoso que mata estudantes de medicina durante uma noite em um prédio da faculdade era o protagonista de uma trama que tinha tudo a ver com os anos 80, que tinham recém terminado, mas tem uma inventividade e uma criatividade que supera toda a ruindade que se associa a um trash. Merece um outro patamar, talvez uma nova denominação. É o ruim pelo ruim, feito com devoção. Não tem como não sair coisa boa disso.

Bom Dia Babilônia (Paolo e Vittorio Taviani, 1987)

2010-02-25T13:52:00.000-03:00

"Bom Dia Babilônia” já foi melhor, em uma época onde cinema era apenas emoção. Faz muito tempo que ele me acertou em cheio. Hoje, revisto, soa enfraquecido. Os irmãos Taviani são poetas da imagem, mas parecem ter se rendido de forma exagerada a uma idéia que, em determinado ponto, acabou ficando distante deles. Mas é arrebatamento puro em uma espécie de metacinema: o cinema falando do cinema.

É a história de dois irmãos, artesãos italianos, que pegam um navio para longe da Toscana, onde os negócios do pai acabam falindo. Deixam para trás catedrais e igrejas que reconstruíam para tentar a sorte na América. Acabam presenciando o nascimento da gramática do cinema ao se tornarem parte importante na produção de um dos grandes épicos do cinema mudo, “Intolerância”, de Griffith, 1916. São os artesãos que dão vida às imensas estátuas de elefantes da sequência da Babilônia.

Mas toda a trama se dilui na relação dos dois irmãos, com um destino previsível. O conselho do pai antes deles viajarem já dizia o que aconteceria no futuro. Na tentativa de emocionar, os flashbacks dos irmãos Taviani - o filme seria um metacinema também voltado a eles próprios, refletidos nos personagens? - são perdidos, surgem deslocados, o final tem pouco alcance. Tudo tem mais vida quando a personagem de Greta Scacchi, Mabel, está em cena, e quando a trama circunda Griffith e a produção do filme. É uma espécie de fábula sobre a busca de um sonho em uma terra de sonhos. Quando o sonho desmorona, o filme desmorona junto.

Mas é ainda composto de cenas para emoldurar na memória. A cena do trem é uma delas. Os Taviani sempre vão ser grandes poetas das imagens - mas, hoje, definitivamente, “A Noite de São Lourenço” é o melhor filme deles.

Pandorum (Christian Alvart, 2009)

2010-02-25T10:34:00.000-03:00

Talvez haja apenas dois méritos em “Pandorum”: a presença de Ben Forster, ator que ainda vai alcançar as glórias de ser reconhecido – que brilhou também roubando a cena no faroeste “Os Indomáveis” - e o fato de o filme não ser tão explicativo e deixar que a platéia chegue às suas conclusões. Mas de pouco adianta um ótimo Forster perdido em uma trama rasa que se rebaixa à idéias comuns quando poderia galgar rumos realmente inéditos e um roteiro que respeita a inteligência do espectador no seu final quanto, no todo, ele é tão simplório, clichê e notadamente uma colcha de retalhos de idéias melhor desenvolvidas em outras produções que acaba insultando nossa inteligência ao longo de boa parte da projeção.

Pandorum é o nome de uma síndrome que leva viajantes à loucura em longas expedições movidas à hibernação. Uma gigantesca nave com a missão de encontrar novos mundos e colonizá-lo – com milhares de famílias hibernando – é o palco da trama, que se resume a dois oficiais que acordam com lapsos de memória, sem lembrar de sua missão ou de porquê a nave está sem energia e aparentemente sem ninguém no comando. O que a princípio poderia ser um bom plot para uma trama inteligente logo cai no valo do lugar comum: seres estranhos e canibais rondando a nave, sobreviventes escondendo-se como selvagens, um “terror psicológico” barato movido à lutas, cenários escuros, tubos de ventilação e uma surpresa que é bem convincente, mas que sozinha não salva o filme.

Quer realmente ver algo bom nessa linha? Reveja seus conceitos com “O Enigma do Horizonte” ou volte no tempo, aproveite o aniversário de 30 anos comemorado em 2009 e relembre porque “Alien, o Oitavo Passageiro” se tornou um clássico essencial. Vale mais do que mil “Pandoruns” somados em seu suposto discurso “ficção claustrofóbica misteriosa”.

Aconteceu em Woodstock (Ang Lee, 2009)

2010-02-22T05:17:00.000-03:00

No final da tarde do último dia do festival de Woodstock, em 1969, Elliot Tiber subiu a colina para poder, finalmente, ver um pouco do festival, já que durante as semanas anteriores ele esteve envolvido com toda a engenharia para abrigar meio milhão de pessoas na pequena White Lake, onde ele administra um pequeno motel caindo aos pedaços com a mãe neurótica e o pai semi-mudo. Ao lado de uma Kombi multi-colorida, ele conhece um casal de hippies, com quem engata um papo, perguntando de onde eles são.

- Nós somos de todo lugar. Você é de todo lugar, sacou?

Tiber olha para o hippie, olha de leve para a imensa colina da cidade que ele, até então, considerava um retrocesso na vida. E finalmente diz:

- Eu sou daqui!

“Aconteceu em Woodstock” se baseia em Taking Woodstock: A True Story of a Riot, A Concert, and A Life, escrito pelo próprio Tiber, para, a princípio, contar a história de como o Festival organizado por Michael Lang foi parar na pequena White Lake após ter sido cancelado no local em que originariamente iria acontecer. Mostra como Tiber convenceu a organização mostrando o imenso campo verde de seu vizinho, como a cidade reagiu à chegada de meio milhão de hippies ( eram esperados a princípio 5 mil, depois não mais do que 20 mil ) e, enfim, como um momento único aconteceu meio que por milagre. “Talvez isso seja a coisa mais importante que esteja acontecendo no universo nesse momento” diz para Tiber a namorada de Lang, em determinado momento. É mais ou menos por aí.
O diretor Ang Lee não tinha intenção de falar do Festival e suas estrelas, tanto que praticamente não mostra os shows no palco, mas traz uma visão ainda mais nostálgica ao mostrar, pouco a pouco, Woodstock tomando forma, multidões invadindo as estradas, dormindo na grama em frente ao motel e fazendo uma crônica ora engraçada ora emocionante de um tempo de transformação. Em determinados momentos, a história real de Tiber é tão surreal quanto o próprio festival. Fica a sensação de que tudo é um sonho maluco, mas a diferença é que tudo aconteceu mesmo. Lee, como sempre costuma fazer, usa todos os acontecimentos para falar do próprio Tiber, um homosexual ainda dentro do armário que acaba amadurecendo também ao ver o próprio pai renascer com a presença de hippies, malucos e jovens cheios de vida. Lee não está interessado no teor político do festival, ou em explicar o que ele foi, e perderia tempo fazendo isso. Ele está interessado em retratar uma época e as transformações que ela provocou em pessoas como o tímido e retraído Tiber. Por isso, a narrativa também é circundada por menções à mais marcante década do século XX: a chegada do homem à Lua, os noticiários do Vietnam, o veterano amalucado que retorna à cidade, a ansiedade pela vinda de Bob Dylan, o êxtase pelas presenças do The Who, Grateful Dead, Janis. A pergunta que vem de imediato em meio à tudo aquilo – também em meio à cena em que Tiber pega uma carona com um policial e anda em meio ao longo engarrafamento de quilômetros de extensão que é um retrato resumido de todos os tipos, pensamentos e idéias da época: eles sequer imaginariam que estavam vivendo um momento histórico?
“Aconteceu em Woodstock” aproxima o espectador da época com uma reconstituição de época brilhante e o uso de uma imagem marcada por cores com saturação excessiva, mesclada com outras gravadas em 16mm. Equilibra um certo exagero na caracterização de alguns personagens – como a mãe de Tiber, vivida por uma excelente Imelda Staunton – com a dose certa de contenção no transformista vivido por Liv Schreiber e no pai de Tiber, o melhor personagem do filme. Divide a tela em diversos momentos para mostrar tudo o que acontece pelo ponto de vista de Tiber, mas sem nunca deixar de mostrar o próprio. Ele é o centro da história, e é uma pena que o humorista Demetri Martin seja de tão rasa empatia, o que acaba esvaziando um pouco o personagem. Mas são meros detalhes para uma crônica saborosa.

A melhor definição de como tudo aquilo parece um sonho vem quando Tiber pergunta a Lang:

-Três dias de paz e música. E o que acontece agora?

Lang sorri de leve antes de responder.

- Quem sabe? Agora todos vão atrás de dinheiro, certo?

Um momento único que ganhou mais um pequeno capítulo para quem não viveu aquela época.

Uma Batalha no Inferno (Ken Annakin, 1965)

2010-02-21T12:51:00.000-03:00

“Uma Batalha no Inferno” ou “A Batalha de Bulges” é emblemático para exemplificar uma era que estava chegando ao fim. Representa as maiores virtudes embaralhadas com os maiores vícios de uma era do cinema que, em 1965, respirava com a ajuda de aparelhos. Ainda era capaz de criar grandes épicos, mas a receita minguava, as bilheterias despencavam e o filme é uma amostra do que aquele círculo vicioso podia criar. É muito dinheiro mal aproveitado aplicado em uma repetitiva forma de espetáculo visual. Um elenco de astros – inclua Henry Fonda, Charles Bronson, Robert Ryan, Robert Shaw, Telly Savalas e Dana Andrews – para recriar um momento histórico, no caso a batalha das Ardenas, no frio congelante da Bélgica, crucial para o destino da 2ª Guerra Mundial, já em 1944. Na época, derrotado no leste, Hitler investiu tudo que tinha em uma inesperada ofensiva maciça no norte europeu.
É uma fórmula já surrada, mas que garantia um espetáculo agradável – o é ainda hoje, perdoadas as falhas. Só que em 1965, a teatralidade excessiva, a encenação exagerada e a falta de uma aproximação com a realidade em tempo e espaço já era reclamada pelo público. Dois anos depois Arthur Penn lançaria “Bonnie & Clyde”, mais 4 anos para surgir “Sem Destino” e uma nova geração substituiria os antigos esqueletos da era de ouro, iria trazer a realidade para as telas e mudaria a história do cinema. As velhas fórmulas de espetáculo estavam acabadas, bem como os roteiros simplistas. Aqui, o texto dirigido por Ken Annakin foge de uma abordagem mais aproximada para escalar um caminho reto, apesar da sutileza em torno do oficial alemão interpretado por Robert Shaw, o mais humano e crível dos personagens que surgem na tela. Há, em todo o filme, um conflito central mail resolvido envolvendo os personagens de Fonda e Shaw – e ele é mal resolvido porque pende apenas para um lado na maior parte do tempo, um dos personagens sequer sabe que o outro existe, não há uma relação de troca entre ambos. Há, também, uma série de histórias paralelas descartáveis para a trama, o que representava bem uma idéia fixa daquele tempo que ainda perduraria pelos filmes catástrofe dos anos 70, a de que a quantidade de personagens movimentando-se em torno do eixo central sempre poderia enriquecer a história com nuances, mas que acaba tornando-a sub-aproveitada no seu centro quando essas histórias paralelas são fracas. É o caso aqui também, onde a única trama paralela que tem alguma relevância é a história do tenente covarde perdido atrás das linhas inimigas, para não citar as mortes exageradamente encenadas que irritam hoje, e já irritavam naquela época pelos motivos que eu já elenquei acima. Os braços para o ar, rolamentos e contorcionismos dos soldados beira o risível. Isso estraga a imersão na história, que já é prejudicada por uma guerra de brinquedo recriada com elementos em escala diminuta. Para piorar, alguns personagens simplesmente desaparecem de uma hora para outra, sem dizer a que vieram na trama.
“Uma Batalha no Inferno” serve, e bastante, para testemunhar exatamente a típica receita que começava a morrer naquela metade dos anos 60 em prol de uma revitalização de temas e abordagens do cinema, que em breve alcançaria os estúdios e suas fórmulas ultrapassadas. Não é ruim, é até agradável de assistir, como a maioria dos grandes épicos de décadas antes. Apenas não faz a mínima diferença, porque não tem a qualidade dos “vizinhos” nos quais se inspirou.

El Dorado (Howard Hawks, 1966)

2010-02-18T14:43:00.000-02:00

Hawks circunda temas parecidos, mas desconstrói suas próprias convicções sem abalar suas idéias em “El Dorado”. Tenho que concordar com o Daniel Dalpizzolo, do Multiplot, quando ele afirma que o filme tem o mais longo prólogo da história do cinema, cerca de uma hora desfilando temas caros ao gênero e ao próprio cinema do Hawks, mas o cara faz isso mesclando auto-referência, homenagem e paródia sutil. Só depois disso é que a trama remete a “Rio Bravo”, um dos grandes do gênero – eu ainda considero “Rio Vermelho” o grande western do diretor. E aí Hawks volta a bater naquela tecla do “cinema de macho” que para ele tanto batia com as raízes do próprio gênero, e que ele criticou em “Rio Bravo”, fazendo menção a outro clássico, “Matar ou Morrer”, de Zinneman. Hawks ficou p... da vida em ver um xerife, no filme de Zinnemann, implorar pela ajuda de civis em uma cidade acovardada ( e eu continuo batendo na tecla que, por mais que Hawks considerasse que o personagem de Gary Cooper era um covarde, ele acaba sendo um dos maiores exemplos de coragem do gênero e um dos mais humanos personagens. Podendo ir embora, ele permanece, mas demonstra medo, natural a qualquer ser humano, coisa que nenhum personagem dos filmes de Hawks demonstra ).
A resposta foi o xerife de Rio Bravo que não pede ajuda a ninguém, mas acaba contando com um garoto, um velho e um bêbado para enfrentar um bando. Em “El Dorado”, na mescla de temas do gênero, no meio de uma guerra de famílias, gravita o personagem de John Wayne. Talvez até para demonstrar como o gênero estava decadente, mas firme em seus valores, desta vez é o próprio xerife – um sempre ótimo Robert Mitchum - que mergulha garrafa adentro. É a única inversão de papéis – até a comum inabilidade de Hawks lidar com o sexo feminino em seus filmes permanece a mesma em um ambiente regido por valores masculinos – a mais bem desenvolvida personagem feminina do filme usa calças, é durona e age como um cowboy. Existe muito de “Rio Bravo” em “El Dorado”, mas desde os motivos pintados em aquarela no início nostálgico, Hawks parecia saber que estava dando adeus ao gênero que ajudou a construir. É nostálgico, contestador, confirmador e conciliador, tudo ao mesmo tempo. Não é um “Rio Vermelho” nem um “Rio Bravo”, mas é um grande filme.

Sherlock Holmes (Guy Ritchie - 2009)

2010-02-15T08:00:00.000-02:00

Falando sério: somente um alienígena não deve conhecer a sentença “Elementar, meu caro Watson”. Sherlock Holmes é um dos grandes personagens da literatura, mas que há tempos ultrapassou a barreira dos livros e marca presença no cinema, passando pelo teatro e chegando até os quadrinhos. Aliás, quando se pensa num detetive famoso, o primeiro nome que vem a cabeça é o de Holmes. Ele já habita o imaginário popular, mesmo de quem nunca passou perto dos livros.

Dirigida por Guy Ritchie, a nova versão cinematográfica de Sherlock Holmes se baseia num gibi criado por Lionel Wigram (que o autor deste texto confessa não ter lido). Tendo isso em conta, o filme não empolga tanto quanto os quebra-cabeças resolvidos nas páginas escritas por Doyle, porém está bem longe de ser um caso perdido.

E se há uma pista importante neste caso, ela se chama Robert Downey Jr. Um ator excepcional que passou por períodos problemáticos, mas que vem ressurgindo em papeis interessantes e personagens importantes. Ultimamente, fez a gente rir bastante com Kirk Lazarus em “Trovão Tropical” – ‘Never go full retard’ eterno – e interpretou ninguém menos que Tony Stark, também conhecido como “Homem de Ferro”. Sherlock é um cara observador, inteligentíssimo, que está se lixando para o resto do mundo, além de ser muito debochado, preguiçoso e que não larga do seu cachimbo e violino. Como é um ‘Ritchie-movie’, adicione aos seus passatempos favoritos o boxe e um espírito de autodestruição. Apenas o doutor Watson (Jude Law) consegue aguentar e lidar com tal gênio difícil.

A visão de Guy Ritchie está lá, mesmo que mais ‘limpa’. Ele é um diretor sujo, um marginal de rua, um cara underground. O mais marcante nos seus filmes são a pancadaria e a violência, daquelas bem boas que podem ser vistas em “Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes” e “Snatch”, por exemplo. Ok, a Londres do século XIX foi bem retratada, as cenas em slow-motion das lutas tiveram um resultado bem interessante e com uma estética estilosa, mas ficou a impressão de que falta alguma coisa. Ritchie é das bocadas, assim como David Fincher e Danny Boyle no começo de suas carreiras. Poxa, quando falo destes dois, esqueçam a imagem recente de velinhos que ficam novos e melodramas indianos digno de novelas e lembrem da loucuragem de “Trainspotting” e “Clube da Luta”.

Mesmo sendo divertido, no fim das contas, os problemas existem. Primeiro, a solução para o caso todo. Pode ter sido intencional, para fazer comédia mesmo, mas usar um raciocínio lógico copiado de “Scooby-Doo” não pegou bem, soou forçado demais até para o pressuposto propósito. A dedução lógica e racional, que é tão frisada nas histórias, vai por água abaixo. Você fica procurando dicas e pistas, mas chega ao fim e uma sensação “puta merda, pra que fazer isso, diretor?” toma conta do espectador. Outra coisa que ficou meio sem sal é a relação entre Holmes e Watson. Ela poderia ter sido muito mais explorada, já que ambos se complementam muito mais do que fora mostrado na obra, mas isto foi posto de lado.

Reinventar grandes ídolos é algo sempre complicado. É um terreno perigoso, ainda mais um personagem com nome e a história como Sherlock Holmes. Mas Ritchie não é um cara afrescalhado, teve culhões e meteu a cara na empreitada, nos entregando um filme divertido até, mas que fica bem aquém do legado literário. Ele vai para outro caminho, foca mais na correria do que no raciocínio e na lógica. Apesar dos pesares, vale a pena pela diversão e principalmente para ver Robert Downey Jr., mas por via das dúvidas fique com os livros.

Saindo do filme, uma curiosidade: atualmente, o mais próximo do personagem de Doyle talvez seja um médico marrento viciado em sarcasmo e Vicodin. Exato, se você quiser ver uma espécie de Holmes moderno, ligue a televisão no premiado e renomado House MD. A mecânica (ou seria fisiologia?) da série foi baseada nas histórias do detetive: um cara cínico, extremamente inteligente e que é fascinado pelo enigma que envolve seus casos. O criador, David Shore, já comentou em várias entrevistas que Holmes foi o ponto de partida para o seriado. E caso não tenha percebido: Holmes – House, Watson – Wilson. Elementar, meu caro, elementar.

Premonição 4 (David Ellis, 2009)

2010-02-09T23:21:00.000-02:00

Toda apelação tem um limite, e “Premonição 4” é a prova cabal. O que começou como uma ideia original acabou se tornando uma desculpa esfarrapada em poucos anos. A tal ideia original mostrava um grupo de jovens salvos de um acidente de avião porque um deles teve uma premonição do que aconteceria. Depois do acidente, um a um eles começam a morrer perseguidos pela “morte”, entidade invisível que, pelo acaso, acabava matando-os na ordem em que eles deveriam ter morrido. Afinal, eles subverteram as regras ao escaparem do acidente.
Essa fórmula funcionou bem no primeiro filme e razoavelmente bem no segundo, apelando para um grafismo violento visual de cada morte mesclado com uma certa criatividade na forma como os “sobreviventes” morriam, um a um. A partir do terceiro filme, se transformou em uma desculpa esfarrapada para mostrar pessoas morrendo, afirmando de vez o que parece ser uma curiosidade mórbida do ser humano: ver outras pessoas baterem as botas de forma violenta.
O que já havia acontecido em “Premonição 3”, e se confirma em “Premonição 4”: acabou o suspense. O público sabe o que vai acontecer, resta saber como e em que momento, e de que forma. Qual será a morte mais criativa?
Não bastasse um time de atores horríveis e os clichês máximos – sempre haverá aquele cara metido a bom no auge da adolescência, julgando-se superior a tudo - as condições dos acidentes já se tornaram insuportavelmente complexas, a ponto de chegar às raias do ridículo. É aquela coisa de um prego que cai em cima de uma folha que deixa de voar e atrapalha a circulação de um ventilador que dá curto circuito e estoura a chave que cai sobre uma pá que rola pelo chão até cair sobre um alambrado que desprende um espelho que cai sobre uma pessoa. Exemplo fictício, mas ilustra bem quase toda a trama de “Premonição 4”, que desta vez trata dos sobreviventes de um acidente acontecido em uma corrida automobilística. Ponto final, acabou a história. Diferença? Aqui, são várias premonições repetindo-se ao longo do filme, como se a originalidade fosse intrigar o público entre o que é real e o que é ilusão. Isso tudo, temperado por um “novo” elemento: o 3D. E, acredite, o 3D surge gratuito na maioria das cenas, o que é perceptível até em 2 dimensões. Poderia haver 4 dimensões e “Premonição 4” não se salvaria.

Zumbilândia (Ruben Fleischer, 2009)

2010-02-07T18:00:00.000-02:00

Se é crucial para um filme capturar a atenção do espectador nos minutos iniciais, então “Zumbilândia” deveria ganhar todos os prêmios da última década, porque nesse sentido o filme de Ruben Fleischer é impagável. A sátira que mistura terror e humor negro inicia em alta velocidade, ao som de For whom the bell tolls do Metallica, e nos apresenta seu protagonista, Columbus, mostrando como sobrevive em um mundo transformado em terra de ninguém desde que uma inexplicada epidemia transformou todos em Zumbis. Aliás, quase todos: Columbus seria um nada, um zero à esquerda, se o mundo não de tornasse uma zumbilândia, e ele conseguisse, até agora, sobreviver nele – até quando a garota mais quente do pedaço vai parar no seu apartamento, toda a coisa se revela um inferno que logo migra para o patético.
Para conseguir sobreviver, ele estipula para si próprio algumas regras básicas, que ele apresenta ao público em uma hilária introdução – e um plot que continuará sendo explorado ao longo do filme de forma também impagável. Desde esse início, Zumbilândia estabelece um contato com o espectador como se dissesse: “fique aí e assista. Vai valer a pena.” E vale. E como.
“Zumbilândia” não fala nada além da história de 4 sobreviventes em um mundo tomado por zumbis. A diferença é que faz isso com um humor tão ácido que quase pode se comparar à melhor comédia já feita usando o tema, o britânico “Todo Mundo Quase Morto”. E quase, aqui, é elogio: Fleischer joga os quatro protagonistas em uma série de situações que lhe permite explorar o ponto forte da história – não o roteiro em si, mas as brechas que ele abre para dialogar com o público e arrancar gargalhadas e risos sutis.
Columbus conhece o estranho Tallahassee (Woody Harrelson, perfeito no papel em que sempre é perfeito, o de malucão) e, mais tarde, Wichita e Little Rock. Sim, todos os personagens se chamam pelos nomes dos locais onde moravam antes do “apocalypse”. E a relação é tumultuada: Wichita e Little Rock fazem gato e sapato dos dois “homens” da história, até que finalmente eles estabelecem uma trégua pelo bom senso. Todos estão, afinal, rumando em direção à Flórida, onde haveria um lugar seguro, e onde as garotas esperam encontrar um parque de diversões que é uma obsessão para elas.
Fleischer entrega, então, uma série de momentos isolados que divertem o público através das manias e grafismos: além das já citadas regras de sobrevivência, a competição pela “morte de zumbi da semana” (uma delas envolvendo um piano é hilária), a obsessão de Talahassee por encontrar um carregamento de Twinkies e a participação de Bill Murray como... Bill Murray, maquiado de zumbi para que eles pensem que ele é um deles e não o matem. O desfecho dessa sequência é sensacional, um supra-sumo do humor negro.
São os personagens de Fleischer que sustentam uma trama que fala da busca desses sobreviventes por um lugar seguro e uma companhia decente para substituir a família que todos perderam. Não é difícil imaginar o que terminará acontecendo.
“Zumbilândia”, entre os filmes sobre o tema, é a segunda maior bilheteria da história, perdendo apenas para o remake de Madrugada dos Mortos. Como toda sátira, pretende ser também um pouco de crítica social, apesar de nunca conseguir chegar aos pés do que mestres como Romero faziam e ainda fazem com um tema ainda rebaixado por muita gente como mero filme para sangue e maquiagens putrefatas. Longe disso: “Zumbilândia” é, desde já, uma das melhores comédias do ano – e não é à toa que entrou na lista de melhores do ano de muita gente mundo afora. Ele é cool sem querer ser importante, o que é, evidentemente, um elogio dos grandes ( e a continuação vai, sim, sair em breve ).

Preciosa (Lee Daniels , 2009)

2010-01-29T23:20:00.000-02:00

Você precisaria assistir “Preciosa”, nem quem fosse para ter uma base de argumentação para aquelas horas em que diz para si mesmo que a sua vida é uma droga e que certas coisas só acontecem com você. Acredite, seus problemas são brincadeira de criança. “Preciosa” atraiu a atenção de Lenny Kravitz e Mariah Carey - que atuam, e bem, em pontas no filme - e da produtora Oprah Winfrey porque é um reflexo de situações que eles provavelmente experimentaram durante a infância, bem antes da fama. E percebe-se que a participação dos dois artistas, no filme, é extremamente voluntária, e não uma jogada de marketing para um lado ou outro. Winfrey, por sua vez, já participou de forma monstruosa em um filme com raízes de tema semelhante, mas superior como cinema, "A Cor Púrpura", de Spielberg.
“Preciosa” é, no fundo, um pequeno diário de uma tragédia pessoal, e em filmes como esse todos os envolvidos sabem que o que fará o público ficar sentado em uma sala escura por duas horas não são momentos grandiosos, cenas espetaculares ou efeitos visuais de última geração. Só o que pode manter o público em uma poltrona assistindo uma sucessão de pequenas e grandes tragédias de uma vida miserável são grandes atuações, que te hipnotizem frente àquele drama familiar. "Preciosa" está repleta deles, e as mais poderosas, felizmente, nos dois papéis principais. Sem eles, o filme derraparia feio, mesmo que o diretor Lee Daniels tenha momentos de criatividade exemplar ao inserir um mundo imaginário para dialogar com o espectador sobre os anseios e ideias na mente de Precious, a adolescente de 16 anos que sofre de obesidade mórbida, tem dois filhos do seu próprio pai e come o pão que o diabo amassou com sua mãe ( uma espetacular Mo'nique, Globo de Ouro e SAG Awards de atriz coadjuvante e favas contadas no Oscar.)
Daniels investe em um manjado estilo “câmera na mão tremida” em momentos chave, para passar a idéia de que o público é uma testemunha presente no dia a dia sofrido de Precious – um dia a dia que Daniels usa como exemplo para centenas de tragédias pessoais que acontecem diariamente em guetos e bairros pobres dos estados Unidos, Brasil ou qualquer outro país. A história de Precious não é exclusividade americana, tampouco é novidade. A força do filme está na entrega de Gabourey Sidibe e Mo’nique aos seus papéis. Essa entrega, sim, é quase simbiótica. A narração de Sidibe, automática, muitas vezes perdida e sem continuidade, fala com o público como se falasse à uma confidente, um diário falado de sinceridade rasgante. Nesses momentos, deixa escapar toda a depressão interna. “O que será agora?” ela pergunta, logo no início do filme. O “agora” da frase já mostra o que vem por aí. Quando ele se revela, Clarisse Precious Jones se esconde em um mundo de fantasia onde ela é uma superstar, assediada por um homem que é o seu conceito de beleza, brilhando nos holofotes, amada pelo público. É sua válvula de escape – e a forma brusca como essa fantasia surge em determinado momento do filme, quando ela recebe uma revelação bombástica, é exemplar nesse sentido. Em determinados momentos, não são necessários flashes, luzes e público: basta um reflexo no espelho. Clarisse se enxerga loira, branca, magra. É seu conceito de beleza em um mundo onde sua cor e sua obesidade nunca lhe trouxeram nada de bom. “Não me ame. O amor nunca fez nada por mim. O amor me espancou como um animal.”
“Preciosa” não é um filme fácil porque ele não faz concessões, não busca portas laterais, não espera contar histórias bonitas, apesar de levar o público a torcer para que, em algum momento, as coisas mudem. Uma frase de Clarisse dita a si mesma e ao público pode ser esse alento: “É por isso que Deus, ou qualquer coisa, faz novos dias depois dos que vivemos". Para seguir em frente. A história contada por Daniels não é nova, nem o filme, como exercício cinematográfico, é algo espetacular. Só que essa peça trágica ganha nova força nas atuações extraordinárias das duas protagonistas. Só elas sozinhas valem duas horas de atenção, porque elas, literalmente, destroem...

Invictus (Clint Eastwood, 2009)

2010-01-29T23:18:00.003-02:00

A maturidade artística de Clint Eastwood como diretor, e que o tem colocado à frente de muitos diretores contemporâneos, está na forma como ele conduz o seu discurso acima do que supõe as aparências de suas tramas. E o cara, com uma calma surpreendente, leva seus filmes a subirem pequenas escadas em direção aos seus objetivos, parando de andar em andar para discorrer sobre temas circundantes à trama sem nunca deixar de lado seu alvo principal. Suas tramas, enfim, são um suporte para que o Clintão discorra sobre algum assunto que as décadas de vida acabaram dizendo a ele que, por um motivo ou outro, são relevantes. “Invictus” se vende, na aparência, como um filme sobre esporte, mas é no fundo um dos melhores filmes sobre política nos últimos anos. E uma das mais pessoais “debruçadas” de um diretor sobre a personalidade de uma pessoa. No caso, do velho Clint sobre uma das personalidades do século, Nelson Mandela.
Mais do que o namoro entre Clint e Mandela, está o namoro entre Freeman e Mandela, e ele vem de quase 20 anos, quando o próprio Mandela afirmou que Morgan Freeman seria o ator ideal para vivê-lo nas telas. O projeto de levar a história do líder sul-africano para as telas também passou por várias mãos, e acabou ganhando sua melhor personificação justamente em um filme que não quer, à primeira vista, ser descaradamente uma biografia, e por isso mesmo é tão agradável. “Invictus” é um filme sobre Mandela, mas escolhe falar sobre o homem usando estradas adjacentes. E é assim que acaba se tornando mais revelador do que qualquer história que se empenhasse em acompanhar seus anos de prisão e seus passos na liberdade. Nas adjacências e curvas da estrada, se revela um tratado político muito bem feito, sobre como conquistar pessoas, sobre como unir uma nação, sobre como falar de coisas aparentemente banais mas cuja importância ultrapassa opiniões conservadoras. E toda a ideia por trás do pensamento do líder se espelha quando ele corrige sua assessora e troca a expressão “cálculo político” para “cálculo humano” em uma conversa dentro do carro: é a base de seu governo, seu trato com o povo e da estratégia por trás de transformar um símbolo do apartheid – o time nacional de rúgbi, um esporte da elite branca – na cola que pode proporcionar a “liga” entre negros e brancos na África durante a copa do mundo de Rúgbi. A luta, no filme, não é para vencer uma competição esportiva, mas sim vencer a resistência racial e social alimentada por décadas. Mandela enxerga no esporte a receita para conquistar o povo. “Pão e circo”, sim, mas com objetivos bem mais elevados. A intenção não é desviar a atenção dos problemas, mas unir os olhares na mesma direção para tentar resolvê-los.
“Os tempos mudaram. Precisamos mudar também” diz o capitão do time nacional, vivido por Matt Damon, aos seus jogadores. É ele que experimenta o confinamento da cela onde Mandela permaneceu preso durante 3 décadas para entender o que se passa na cabeça daquele homem e transformar suas idéias em combustível. A raiz da motivação do capitão está no exemplo de humanidade do homem que lhe pede ajuda. Mandela é, aqui, combustível, inspiração e exemplo. Clint visivelmente se rende a ele como inspiração humana e política. “Invictus” não tem a mesma capacidade de nos arrebatar e nos deixar estupefatos do que outras obras-primas do diretor, como “Sobre Meninos e Lobos” e “Gran Torino”, mas é mais um passo do diretor em direção ao seu legado particular dentro do cinema, com extrema maturidade e capacidade de falar de um assunto contornando a estrada principal, mas sempre chegando ao objetivo final. Clint é um motorista como poucos, mesmo quando aparentemente faz o banal.

Longa vida ao Filme "B"

2010-01-28T03:47:00.000-02:00

Foi paixão imediata. O gaúcho César Augusto Oliveira de Almeida viu o cinema de Sam Peckinpah e acabou se apaixonando pela ousadia típica, também, de filmes B, ignorados, considerados à margem do grande circuito, tido por muitos como sem importância. Para uma geração que cada vez mais começa a reconhecer a importância de diretores e filmes postos de lado durante muitos anos, a chegada de "Cemitério Perdidos dos Filmes B" (Editora Multifoco, 294 pgs, nas livrarias a partir de 03/02) preenche uma lacuna no mercado editorial brasileiro. A gente conversou com César sobre a importância desses filmes ignorados e o impacto de diretores e filmes em suas épocas.

PS: O livro já está à venda online. Acesse o blog http://bmovieblues.blogspot.com/om/ para mais informações.

Entrevista: Fábio Rockenbach

Como surgiu essa paixão pelos filmes B?
CA: Tudo começou quando assisti pela primeira vez “Meu ódio será sua herança”, de Sam Peckinpah. Nunca um filme mexera tanto comigo. Tentei procurar no cinema americano aquela ousadia, aquela excitação genial de Peckinpah, mas não encontrei. Foi aí que eu descobri o Spaghetti Western, as obras de Sergio Corbucci e Sergio Leone, entre outros. O Spaghetti serviu como porta de entrada para todo o cinema B europeu. Eu fiquei fascinado por aquele universo diferente, ilimitado. Uma coisa levou a outra e, quando vi, estava completamente conquistado pelos filmes B.

E como pintou essa oportunidade de transformar os escritos do BLOG em um livro?
CA: O mercado brasileiro de livros sobre cinema é extremamente pobre. Sobre filmes B então, é praticamente inexistente. Resolvi transformar as resenhas do blog em livro inspirado por publicações estrangeiras como o “The Big Book of Biker Flicks” e a coleção “Western All’Italiana”. Estas duas publicações são livros de resenhas, como o meu, mas de gêneros específicos. Como não há nada parecido no Brasil, procurei fazer um apanhado geral dos vários estilos que compõe o mundo dos filmes B. Depois de pronto, ofereci o livro para algumas editoras e a Multifoco, do Rio de Janeiro, topou o projeto.

O que faz um filme ser "B"? Se a gente tomar, por exemplo, Jacques Torneur, o francês é hoje reconhecido como gênio, mas em sua época era um autor de filmes "B", era chamado de "contrabandista", como definiu o Scorsese. O que define esse gênero?
CA: Os filmes B são produções de baixo orçamento e sem ligação com o grande sistema de estúdios de Hollywood. Filmes realizados com poucos recursos e por produtoras pequenas, ou independentes. Isso não significa que lhes falte qualidade, pelo contrário, geralmente os filmes desta vertente transbordam de criatividade e competência.
Muita gente confunde Filme B com Filme Trash, daí a surpresa quando alguém diz que um diretor como Torneur é um gênio. Sim, ele era um gênio e fazia filmes B. O Trash é algo bem diferente, uma produção sem nenhuma qualidade artística ou intelectual.

Mas o que explica, então, que alguns filmes, como os de Ed Wood, acabem se tornando cultuados - ou, como dizem algumas pessoas, “é tão ruim que chega a ser bom”?
CA: Mesmo sendo ruins, eles são capazes de divertir. Acho que o humor involuntário é o principal atrativo deste tipo de filme (o Trash). Mas, especificamente no caso do Ed Wood, eu tenho a visão um tanto romântica de que a paixão dele por fazer filmes transcende a tela e conquista o espectador, mesmo que a obra tenha sido realizada na maior pobreza técnica e artística.

Muita gente começou por esse meio. Posso citar Roger Corman, que foi mentor de muita gente boa - e hoje alguns filmes de Corman são revistos como obras de uma inventividade única, superior à precariedade de recursos. Aprender com a falta de recursos ajuda a lidar com o excesso depois?
CA: As limitações de recursos são sempre um poderoso incentivo para a criatividade. Stanley Kubrick, por exemplo, começou dirigindo obras B como “A morte passou por perto” e “O grande golpe”, para depois ser responsável por superproduções como “Spartacus” e “2001”. Não há dúvidas de que se aprendia muito no universo B. Era uma escola fantástica, da qual a maioria dos grandes cineastas surgidos a partir dos anos 1970 participou (Coppola, Demme, Lucas, Scorsese...).

Só que a maioria desses cineastas surgiram em um momento de transição que nem a indústria conseguia compreender direito, aquela coisa do “cinema de autor” que veio da Europa e deu liberdade a eles nos anos 70. Dá para esse fenômeno se repetir atualmente?
CA: O “cinema de autor” ainda existe, mas longe dos grandes circuitos. São bastante populares em festivais e encontram se público quando lançados em DVD. Mas como uma tendência, da forma que já aconteceu nos anos 70, acho muito difícil de repetir.
A internet é o maior meio propagador de idéias da atualidade, sem dúvida é uma excelente ferramenta para os novos autores de cinema. Ela está substituindo a famosa “publicidade boca a boca”, que fez o sucesso de tantos filmes em outros tempos.

George Romero talvez tenha feito o filme descaradamente "B" mais idolatrado da história do cinema em 1968, "A Noite dos Mortos Vivos". A idéia de criticar a sociedade em um filme de terror foi novidade, e o cara faz isso ainda hoje melhor do que ninguém. A durabilidade de um filme "B" depende dessa capacidade de se referir a temas que persistam? Ou ele sobrevive por si próprio?
CA: "A Noite dos Mortos Vivos" realmente foi um divisor de águas. Embora totalmente em sintonia com o clima político e social de 1968, o filme acabou tocando em temas atemporais, como o racismo e o individualismo da sociedade. Mas este é um caso à parte. A perenidade de uma obra cinematográfica depende de diferentes fatores. Acho que, em linhas gerais, os filmes B sobreviveram devido à sua aura rebelde, transgressora e irreverente.

E até que ponto essa persistência depende da capacidade do espectador ver o filme dentro do seu contexto, de sua época, de evitar comparações com outras produções?
CA: Não é possível comparar “A primeira espaçonave em Vênus” com “Avatar”. A época em que um filme foi feito, e os meios disponíveis naquele período sempre devem ser levados em conta. Caso contrário, até mesmo obras grandiosas antigas correm o risco de serem desqualificadas. Já ouvi gente falar que os efeitos especiais de “Os Dez Mandamentos” eram mal feitos!
Não dá para querer que o Drácula da Hammer, de 1957, tenha morcegos feitos por computação gráfica. Estes filmes persistem por que uma boa parcela de cinéfilos tem conhecimento de que os recursos tecnológicos estão sempre mudando, portanto não devem ser um fator de maior importância.

Se a idéia e os temas são o mais importante, o que define o surgimento dessas idéias, que parecem ter desaparecido? Dá para dizer que os anos 60 e 70 foram dos mais criativos nesse sentido, o de privilegiar uma idéia mais reflexiva, mesmo com baixo orçamento? (cito o exemplo das ficções B e A dos anos 70, que privilegiavam a discussão filosófica do futuro mais do que a tecnológica)
CA: Sim, infelizmente o público de hoje é bem menos crítico, mas a culpa não é dele. A prioridade do lucro sem risco dos grandes estúdios acabou por reeducar as platéias, que hoje já não espera outra coisa além do espetáculo visual. Para ilustrar essa afirmação dentro da Ficção Científica que você citou: sai “Corrida silenciosa”, um belo conto futurista com uma atualíssima discussão ecológica, e entra “Guerra nas estrelas”, com suas batalhas espaciais.
É possível fazer cinema de entretenimento com qualidade, profundidade, desde que os estúdios e produtores permitam isso. Tome como exemplo o Western italiano: era um produto de massa, cinema de cunho altamente popular. Mesmo assim, diretores como Sergio Sollima inseriam nas suas obras elementos políticos, filosóficos, questionamentos sociais...

O cinema de horror e fantástico italiano tem sido redescoberto por uma geração de críticos blogueiros recente, e nomes como Bava e Fulci começam a ser reconhecidos como mais do que simples "diretores gore" pela inventividade com que eles manipulavam a câmera e os sentidos do espectador. Dá para dizer que a ausência de um "controle" maior privilegia a experimentação nos filmes B? O dinheiro inibe?
CA: Não necessariamente o dinheiro, mas o meio. As grandes produções sempre tiveram uma maior visibilidade da mídia. Portanto, estavam mais suscetíveis a polêmicas. Em 1965, o filme “O homem do prego” (The pawnbroker), de Sidney Lumet, exibiu cenas com nudez feminina. Apesar do sucesso de crítica e das premiações, o filme foi um escândalo. Muitos anos antes disso, gente como Russ Meyer já mostrava cenas de nudez em seus filmes com toda liberdade para as audiências dos Drive-Ins e cinemas suburbanos, sem nenhuma controvérsia.
O mesmo acontecia no que se refere ao formato das produções. Até hoje Hollywood ousa muito pouco, ou quase nada, em termos de experimentação. Sempre com medo das críticas negativas e da falta de compreensão do público (o que é um grande preconceito, pois o público não é burro como eles pensam). Deste modo, os filmes realizados longe das pressões do meio Hollywoodiano, que como falei anteriormente, não se atreve a correr riscos, sempre proporcionarão mais liberdade aos criadores. Era assim na época de Bava e Fulci, é assim nos tempos atuais de Alex de La Iglesia e Guillermo del Toro (compare a obra de del Toro na Espanha com seus trabalhos americanos para ter um belo exemplo).

Há no livro desde filmes conhecidos como "Faster, Pussycat, Kill, Kill", "Hells Angels", "Emmanuelle", "A Ilha dos Homens Peixe" e "A Morta Viva" até ilustres desconhecidos do público de nomes tão assustadores quanto a aparente falta de recursos. Quais foram os critérios que você usou para fazer a seleção dos filmes do livro?
CA: Minha intenção foi de montar um panorama bem abrangente do cenário B dos quatro principais países produtores deste estilo: Estados Unidos, Espanha, Inglaterra e Itália. Procurei incluir obras significativas de vários gêneros e subgêneros do universo B, além de títulos bastante obscuros, para aguçar ainda mais a curiosidade do leitor. Por isso você encontrará no livro filmes que todo mundo conhece, como “Sem destino” (Easy rider), até pérolas escondidas como “O cérebro que não queria morrer”.

Amor sem Escalas (Jason Reitman, 2009)

2010-01-27T00:06:00.000-02:00

Ryan Bingham (George Clooney) não tem fotos de pessoas na sua carteira: tem cartões de hotéis, companhias aéreas e contatos. Apenas isso. Passou 43 “miseráveis dias” em casa no último ano – e sua casa é sem vida, tem cara de hotel, não tem bens pessoais, fotos, nada. Mal conhece sua família, a quem raramente vê, e não sabe como conversar com a própria irmã, mas consegue engatar um animado bate-papo com pessoas que ele nunca viu na vida. Não se prende a objetos e dá palestras profissionais usando uma mochila como metáfora dos pesos que as pessoas carregam na vida: assim, reduz pessoas e objetos pessoais a pesos para carregar - e ele não pode carregar pesos, afinal, está sempre em movimento, sempre com pressa, porque ele vive de aeroporto em aeroporto, trabalhando para uma empresa que faz o que chefes não têm coragem de fazer: ele é contratado especialmente para demitir pessoas.
“Amor sem escalas” tem nos seus melhores momentos a cara de Jason Reitman, um dos diretores com potencial mais cool dos últimos tempos - e entenda isso como quiser. Apesar de todo o auê da crítica, é provável que seu melhor filme ainda seja o menos conhecido do público, “Obrigado por Fumar”. “Juno”, lançado em 2007, fez estrondoso sucesso e foi indicado ao Oscar. Jason Reitman é legal porque seus filmes versam sobre temas aparentemente banais, embalados com um misto de sarcasmo, inteligência e ironia que prendem a atenção. E sarcasmo, ironia e humor são os elementos abundantes de uma das duas coisas excelentes em “Amor sem Escalas”: o seu argumento - mais até do que o seu roteiro - recheado de tiradas espertas, diálogos espirituosos e frases de duplo sentido que se completam no todo. A segunda coisa legal: um elenco inspirado e extremamente à vontade, algo que Reitman parece conseguir com naturalidade em seus filmes, principalmente de Anna Kendrick, que consegue não se espremer no meio de dois tubarões, uma cada vez mais notada Vera Farmiga e George Clooney sendo, bem... George Clooney.
Toda a vida de correria de Ryan Bingham pode ser resumida nos cortes rápidos e na trilha combinada que mostram o cara se preparando para suas viagens. Seus ambientes pessoais inodoros, incolores e impessoais, a aula de check-in que ele dá na novata Natalie - que chega à sua empresa com uma proposta inovadora que pode tirá-lo de sua vida controlada - e arelação construída com a única pessoa que pode entendê-lo e fazê-lo mudar, Alex, reforçam Bingham como um filho da geração "só tenho tempo para não me envolver".

"Nos melhores momentos de sua vida, você estava sozinho?" Bingham pergunta em um momento crucial do filme. A pergunta, na verdade, é uma espécie de flagelo pessoal. O cara defende seu emprego à moda antiga, pelo trato humano e pessoal em um momento delicado na vida das pessoas que demite mas não se dá conta de que as pessoas que o cercam ( “Isolado? Eu vivo cercado de pessoas!”) são tão frias quanto a tela de computador que ele critica. No fundo, “Amor sem escalas” é um filme sobre isolamento. Fala de contatos humano, da impessoalidade dos tempos eletrônicos.

Ironicamente, através de Alex, uma espécie de pseudônimo de calcinhas (Eu sou você, com uma vagina!!!) em todos os sentidos, inclusive na superficialidade da sua própria personalidade vendida entre aeroportos e cassinos, dos conselhos vindos de onde menos se espera e o reencontro forçado com a família, Bingham acaba revendo a própria vida, justamente configurando o momento em que Reitman acaba sendo diferente do Reitman que vinha sendo - entenda isso, também, como quiser.

Mas uma certa acomodação politicamente correta de Reitman pode ser balanceada pelo fato de que o cara talvez não queira ser politicamente incorreto a vida toda, mesmo que seus melhores momentos como diretor tenham vindo com esse comportamento. O lado bom é que, ao adotar o lado "bom" da lição de moral, ele o faz sem apelar para discursos óbvios e deixando que o público recupere momentos e frases do filme para entender o que acontece com Bingham. É meio óbvio, mas ainda há diretores que terminariam o filme de outra forma.
O irônico é que é justamente graças a esse choque, no fim das contas, que aquelas 10 milhões de milhas acumuladas e o conselho de uma novata acabam lhe dando um novo caminho. E às vezes é bom olhar para tantos destinos e não saber direito para onde ir. É a chance de tomar suas próprias decisões sem ser racional em excesso e dando espaço para o acaso.

Vício Frenético (Werner Herzog, 2009)

2010-01-25T10:17:00.000-02:00

Werner Herzog é um dos grandes diretores da história do cinema, e construiu seus maiores filmes com um tema central: a degradação ou obsessão de seus protagonistas. Foi assim em “Aguirre”, “Fitzcarralado” e “Nosferatu”. No século XXI, Herzog bebe do universo de Abel Ferrara para continuar usando essa linha mestra em sua filmografia. “Vício Frenético” é um Herzog ambientado no universo sujo e deformado de Abel Ferrara, que dirigiu um filme homônimo em 1992. Os dois conseguem se completar, apesar das diferenças e de Herzog ter afirmado desconhecer o original. Há uma proximidade de temas, apesar de haver uma diferença de tratamento. Não é uma refilmagem, é um novo olhar usando de bases semelhantes.
Aqui, a relação entre pessoas e personagens é mais importante do que qualquer pirotecnica, mas Herzog se admite fazer algumas bem engenhosas. Ele acompanha a trajetória do tenente McDonagh, condecorado no início do filme, em um universo completamente sujo, onde todos devem a todos, ninguém tem mãos limpas e tudo gira em torno de trocas de favores. É deprimente, mas essa viagem é conduzida por um Nicolas Cage que já há um bom tempo não conseguia um papel tão bom. Seu McDonagh é um viciado compulsivo, que rouba drogas dos usuários e faz uso de sua posição para manter seu vício. Atormentado por uma dor nas costas, tem uma moral tão torta quando sua postura desleixada e seu andar dolorido. Sua namorada é uma prostituta de luxo, seu pai é um ex-policial alcoólatra e sua madrasta é uma junkie depressiva. A obsessão de McDonagh por tomar caminhos tortos para tentar tapar os buracos onde se enfia acaba tornando sua história uma bola de neve às avessas, que derrete rolando em direção ao inferno.
Com uma trilha sonora exemplar de Mark Isham, que dialoga com o espectador em suas notas de sax, ao invés de gritar com ele – como aconteceu em Sherlock Holmes – Herzog faz uso de um virtuosismo técnico sem soar gratuito. Em determinado momento, acompanhamos sem cortes o tenente McDonagh invadir uma casa para entrar no vizinho e prender um traficante. No meio do caminho, ele rouba um pacote de maconha dos donos da casa. Momentos assim se repetem outras vezes e colocam a câmera constantemente seguindo Cage sem interrupções, ou encarando-o como em seus delírios psicóticos. Mistura humor negro com situações que seriam patéticas se não fossem um espelho desse mundo torto. Em cortes bem feitos, avança a trama sem perder tempo com palavras, adiantando ações e deixando que o espectador dialogue com a narrativa visual. Respeita a inteligência do público.
Claro que, em determinado momento, tudo o que McDonagh faz começa a cobrar seu preço – aquela bola de neve inevitavelmente alcança o inferno já derretida. Para sobreviver, o personagem de Cage precisa torcer todos de acordo com sua ética torta, mesmo no fundo do poço, mas o pior é que nesse mundo sempre há uma saída, porque ele é tão distorcido quanto seus personagens. Tanto para Ferrara como para Herzog, não importam lições de moral, mas a trajetória de seus personagens. “Vício Frenético” provavelmente será tão amado quanto odiado. Faz parte do currículo de obras e cineastas que percorrem caminhos usualmente ignorados.

Contatos de 4º Grau (Olatunde Osunsanmi , 2010)

2010-01-21T19:27:00.000-02:00

A moda é tentar subverter as barreiras entre o real e a ficção, e que se lixe o cinema. De certa forma, a afirmação destrói a campanha de marketing da Universal para “Contatos de 4º Grau”, que chega aos cinemas, mas a própria Universal já havia feito isso quando tentou transformar os fatos narrados no filme em uma realidade inexistente. É compreensível, já que a mistura de ficção e suspense do nigeriano Olatunde Osunsanmi só tem razão de ser no momento em que se assimila minimamente a trama que supostamente mistura cenas fictícias com gravações reais de um caso de abdução alienígena acontecido em Nome, no Alasca.

Desde o início, Osunsanmi define o tom de sua narrativa como uma mistura de documentário com dramatização. As cenas vividas por Milla Jovovich se fundem com supostas gravações das sessões da psicóloga Abigail Tyler com os pacientes de Nome, dezenas deles atormentados por distúrbios do sono, e todos tendo a mesma visão inexplicável que depois se revela um fenômeno alienígena que se repete há anos. Para trazer ainda mais autenticidade à trama, Osunsanmi não esquece de transformar os supostos “personagens reais” que surgem nas gravações “caseiras” em pessoas comuns, sem maquiagem, feias - comparar as duas Dr. Abigail é covardia. Não bastasse isso, os atores “reais” têm reações mais convincentes, outra forma de tentar fazer o público acreditar nas gravações.

Toda a questão envolvendo “Contatos de 4º Grau” é que o filme explicitamente abraça uma só saída, a de que o público precisaria acreditar que aquilo é real, e pouco resta de verdadeiro cinema - assim como já acontecia em “Atividade Paranormal”, “Cloverfield” e “A Bruxa de Blair”. A diferença básica é que esses três filmes convenciam no quesito “provocar reações”, seja tensão ou medo em algumas de suas cenas, dependendo seu público. “Contatos de 4º Grau” nem isso consegue, apesar de boa construção de clima em muitos momentos.

Osunsanmi até se apóia em uma ideia legal, que poderia sobreviver como um filme de ficção real, assumido e bem produzido, quando usa teorias de Erich Von Danniken, famosas desde os anos 70 quando publicou “Eram os Deuses Astronautas” (Osunsanmi faz uma ponta no filme como o pesquisador que supostamente entrevista a “verdadeira” Abigail Tyler). Em determinado momento, porém, uma trama de seres extraterrestres se converte em uma mistura de gêneros, e é difícil não pensar em exorcismo e demônios quando certos fatos acontecem, mais pro final - um samba do crioulo doido que engole, surpreendentemente, ótimas performances de um elenco de peso: Mila Jovovich, no meio disso tudo, tem uma de suas melhores atuações, e Will Patton e Elias Koteas conferem peso e força ao filme com suas presenças, como um contraponto na realidade a todas as idéias de fenômenos inexplicados que acontecem na cidade.

Algumas boas soluções de filmes como “Cloverfield” são bem usadas - estática e ruídos encobrindo acontecimentos nas gravações que surgem em conta-gotas - mas faltou força para o filme se sustentar mais pela sua história, e menos por sua tentativa de querer parecer real. Não que tudo aqui seja um fracasso: o clima é bem construído, e muitas pessoas invadiram a net atrás de informações dos verdadeiros personagens. A Universal fez campanha viral com isso, mas acabou tendo que se desculpar por disseminar sites e notícias falsas para sustentar a trama. Melhor seria se desculpar por um filme que valesse mais o esforço. As vezes a ficção é melhor que a “realidade”.

A Loja da Esquina (Ernst Lubitsch, 1940)

2010-01-14T16:44:00.000-02:00

O mais delicioso em “A Loja da Esquina” é a ingenuidade e a simplicidade transbordante das comédias românticas da metade do século, particularmente aquelas recheadas com a ironia, o humor inteligente e a comédia de costumes de diretores como Ernst Lubitsch. É essa ingenuidade asfixiante que transforma um filme como esse em uma sessão de sorriso constante – aquela sensação que a gente tem quando vê uma criança brincando e se entrega a esquecer dos problemas e apenas sorrir com a ingenuidade dela. E aí, perdoa-se tudo e falar de problemas é arriscar a parecer um ranzinza.

“A Loja da Esquina” é um filme irregular, mas tem um brilhantismo único no seu argumento. A irregularidade é a partir do momento em que dedica tal atenção aos seus coadjuvantes que chegamos a passar um bom tempo deslocados da trama central, apenas para sermos arrastados para ele como que se o filme nos lembrasse “ei, é desses dois aqui que estamos falando, ok?” E, convenhamos, a química entre James Stewart e Margareth Sullivan não funciona muito bem, o próprio Stewart, monstro de ator, não consegue passar a mesma carga de emoção que Tom Hanks passou na refilmagem em tempos de email ao lado de Meg Ryan, “Mensagem para Você”.

Dane-se tudo isso: é um filme que voa e te faz esquecer das mazelas. Stewart é o funcionário zeloso, Sullivan é a vendedora que pede emprego na loja onde ele trabalha às vésperas do natal. Os dois se aturam, se tratam a indiretas, acham que se odeiam, mas sem saber trocam correspondência e se apaixonam pela pessoa do outro lado da carta sem imaginar que ela está todo o dia ao seu lado. É aquela brilhante idéia de “você não conhece a pessoa ao seu lado”, é Sullivan dizendo que Stewart jamais seria metade do homem com quem ela se corresponde, é a confusão habitual causada por suposições erradas, idas e vindas em um rol de coadjuvantes delicioso de se ver em ação -e Lubitsch preferiu sair do território ianque, transportando a ação para Budapeste. Ainda que falte justamente aquela empatia romântica que seria seu principal trunfo, o filme de Lubitsch exala glamour e um charme como não se fazem mais.

Guerra ao Terror (Kathryn Bigelow, 2009)

2010-01-12T13:51:00.000-02:00

Não considero "The Hurt Locker" uma obra-prima, nem o colocaria no gosto pessoal como um dos favoritos ao oscar, mas é inegavelmente um grande filme, um dos grandes de 2009 - e o mais irônico é que se não houvesse todo o auê e a valorização lá fora, eu provavelmente nunca locaria o filme, principalmente partindo de seu título nacional "ação classe B para locadoras".

É interessante a escolha de Bigelow na forma como abordar a guerra no Iraque. Para um conflito onde não existe, propriamente, a mesma noção de conflito que havia até 20 anos atrás, o que menos importa é esse conflito armado propriamente dito, mas a forma como seus participantes encaram uma nova forma de guerra. No Iraque, é um conflito de guerrilha. Como um soldado vindo de uma nação tecnologicamente tão superior, e tecnologicamente tão melhor equipado, encara a vida em um inferno escaldante onde todos olham para ele como o invasor que realmente é, e onde cada esquina pode guardar uma armadilha, onde cada mão pode apertar o botão que aciona uma bomba escondida?

E quem Bigelow escolhe como eixo condutor da sua narrativa? Justamente um perito em desarmar bombas, a grande forma de terror moderno que se espalha do oriente para o ocidente, a única forma dos atrasados inimigos do oriente médio encararem os invasores americanos. O máximo do confronto entre dois mundos, o homem que para em frente a um dispositivo capaz de arrasar um quarteirão, olha de frente para ele e dizr: “então tá, agora é entre eu e você.” E nesse momento, basta alguém apertar um botão para toda a tensão daquele “encontro” ser reduzida a nada. É como se a vida desse protagonista estivesse sempre longe do seu alcance, das suas decisões. É como se a qualquer momento, por uma decisão que não pertence a ele, tudo pudesse acabar em uma fração violenta de segundos – e mesmo assim, ele se sinta o senhor da situação. Esse é o protagonista de Bigelow em “Guerra ao Terror”. E para confundir ainda mais nossa cabeça, o cara está ali porque ama fazer aquilo, se despe de toda a segurança e mistura ao trabalho uma boa dose de loucura. Que tipo de homem é esse, afinal?

Outro grande trunfo de “Guerra ao Terror” é o de realmente nos colocar em um ambiente sufocante, pelo olhar em primeira pessoa de alguém escondido atrás da máscara, pelo inferno quente que brota da areia, pelas horas de espera na mira de um rifle sob o sol do deserto pelo medo de que um inimigo aparentemente morto se mova e puxe um gatilho. É sufocante em alguns momentos, mas é mais direto do que parece em suas idéias: Bigelow apenas insere um homem deslocado em seu mundo, mas que se encontra na guerra. Capaz de abdicar de uma família em crise para o único momento em que se sente absolutamente senhor de sua vida: quando as decisões dele podem afetar unicamente a ele, e onde ele é, então, senhor de si mesmo. O protagonista de Bigelow se sente melhor no universo sufocante da guerra do que no universo sufocante de um lar banal, onde suas escolhas parecem, para ele, ser mais difíceis e comprometedoras. Não é um filme inovador – “Jarhead” também falava menos do conflito em si e mais dos seus protagonistas - mas é mais direto em sua proposta e menos “viajandão” do que o filme de Mendes ou mesmo do que “3 Reis”. A guerra em si é um coadjuvante de luxo: é na relação de um homem com ela e com sua própria vida que está a base do filme. A dureza do que ele considera sua vida perfeita vem como cortesia de um filme que como poucos – ou como nenhum até agora – conseguiu mostrar a depressiva vida na “guerra moderna”, sem deixar de meter o pé na ambição americana de controlar o mundo ( mas que no fundo não consegue controlar nem seu próprio reduto, onde soldados fogem em busca de puteiros e camelôs vendem DVDs de filmes hollywoodianos aos soldados por 5 dólares ).

Sherlock Holmes (Guy Ritchie, 2010)

2010-01-10T20:30:00.000-02:00

Não posso negar que a versão 2010 de Sherlock Holmes – mais o dos quadrinhos do que o da literatura, mais o de Guy Ritchie do que qualquer um alocado na memória coletiva – não me capturou, mas também não posso negar que o dedo de Ritchie ajuda o filme a ser um pouco melhor do que um simples filme de ação regado a milhões de dólares. Sou conservador, gosto de uma certa defesa ao espírito básico de alguns personagens - há uma diferença entre renovação e reinvenção, eu entendo o segundo e defendo o primeiro, dependendo do personagem. O filme de Ritchie é uma diversão escapista bem feita, principalmente na metade final, mas está longe de ser um grande filme.

A decisão de filmar o Holmes das HQs vem de encontro à tentativa de dialogar com a geração 2000, mais afeita ao ritmo incessante e à recriação em CGI da Londres do século XIX - particularmente da London Bridge em construção, palco do climático confronto final - mas Ritchie, se reconstrói o personagem para as novas gerações, mantém pequenos pontos de identificação para que a ruptura não seja total: sua investigação gira em torno de um tema supostamente fantástico e sobrenatural, está lá o violino nas horas de raciocínio, o indefectível charuto, a paixão pelo boxe – não aquele acadêmico que se imagina no personagem, mas sujo, sangrento, suado e violento. Quando insere nessa reconstrução o magnífico cerebral que todos conhecemos – e o público “lê” sua mente antes de algumas de suas ações físicas para entender esse caráter racional - Ritchie está criando uma espécie de super-herói. Para compensá-lo, ele atribui a ele falhas de caráter que o rebaixam sensivelmente ao nível "humano". É um grande lutador, repleto de conhecimento, de raciocínio lógico invejável, astuto, sempre um passo à frente, ágil e atlético. Teria que ter defeitos, ou se tornaria insuportável: que seja, então, desleixado, dessarrumado, pedante e mal resolvido ( até sexualmente, como o próprio Downey Jr deixou explícito nas entrevistas de divulgação e o roteiro não faz questão de esconder, mas deixa implícito várias vezes ). Aliás, toda a brincadeira em torno do caráter homossexual do personagem me parece mais uma tiração de sarro e uma brincadeira do que propriamente algo sério.

Há alguns problemas no Sherlock Holmes de Ritchie: talvez eu seja o único, mas não consegui aturar a trilha de Hans Zimmer nos momentos de ação, onde o violino arranhado torturante chega às raias da irritação - se a intenção era "imitar" Holmes e seu hábito de tocar (mal) violino, parabéns: conseguiu. Há problemas de ritmo, principalmente na primeira metade, há na trama uma tentativa de torná-la mais complicada apenas para deixar o público à mercê da inteligência de Holmes – e falta uma grande atriz no lugar de Rachel MacAdams, que pudesse agarrar o papel e fazê-lo realmente importante como o roteiro sugere que ele deve ser (inclusive na química com o próprio Downey Jr., que é capenga).

Outro detalhe: a dedução de Holmes está muito à frente da dedução do público pelas poucas pistas espalhadas pelo roteiro, propositalmente jogadas em tomadas de 1s ou 2s utilizadas na montagem final rápida que mostra as deduções de Holmes. A intenção é maravilhar o público, para que ele fique estupefato com a capacidade do detetive de juntar as peças e resolver o enigma. O problema é que a estupefação do público fica presa a um minúsculo fio conectando o interesse do público com a história. É como se, alijado de entender as peças daquele quebra-cabeça com mais profundidade, o público deixe de se sentir parte daquela história para se tornar apenas um observador distante. Esse distanciamento afasta o personagem daquilo que havia de mais intrigante nas histórias literárias, que era a possibilidade de desvendar o mistério junto com o personagem, e não apenas vê-lo fazer isso. A maior prova é o momento "Scooby-Doo" de explicações, para que a platéia saia do cinema devidamente satisfeita com sua própria inteligência, ainda que o filme não forneça subsídios para toda a teia de enigmas ser resolvida por quem assiste. É frustrante, por mais que tudo venha em uma embalagem recheada de montagens rápidas, efeitos digitais e fotografia maravilhosa em um clímax final que espertamente encerra a odisséia de Holmes em um nível elevado de adrenalina. O público esquece que na primeira metade daquela história foi levado ao tédio. Elevado pela descarga final de adrenalina, esquece dos problemas de ritmo, tudo é festa, o filme acaba em alto estilo, é do que a platéia lembra.

Eu, sinceramente, prefiro o Guy Ritchie realmente original de "Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes", mas no fundo, se for para dar ao cineasta a chance de voltar ao time de cima, que seja: use o personagem mas não abuse dele. Entre mortos e feridos, o número de quedas foi igual dos dois lados: nem tanto ao céu, nem ao inferno. Nem uma tragédia, nem algo inesquecível. Sherlock Holmes ficou no meio do caminho, como um enigma solucionado, mas não devidamente explicado. Se as novas gerações sabem pouco do personagem, é mais fácil entregar a elas algo que possam absorver retornando em lucro. No futuro breve, o Holmes de Ritchie será apenas mais um filme de ação que custou caro estocado nas estantes das locadoras.

Elementar meu caro: o Holmes das novas gerações veio para ser, acima de tudo, diversão. E isso implica pensar menos e simplesmente entrar na montanha russa. Ou locar "O Enigma da Pirâmide" e assistir, aí sim, à melhor versão "assistível" do detetive para as novas gerações. Eu prefiro o genial pensador ao depressivo lutador de cabelo desgrenhado.

Onde vivem os monstros (Spike Jonze, 2009)

2010-01-06T15:51:00.000-02:00

À noite, Max usou sua roupa de lobo e fez travessuras de um tipo e de outro
sua mãe o chamou de “MONSTRO” e Max disse “EU VOU DEVORAR VOCÊ!
então ele foi mandado para a cama sem comer nada.

(Tradução livre da introdução de “Onde Vivem Os Monstros”, de Maurice Sendak)

Eu ainda lembro algumas passagens da minha infância, a aurora da vida. Tinha brinquedos até (Comandos em Ação e Forte Apache serão eternamente queridos), mas usar a imaginação era muito mais divertido. Em poucos segundos lá estava eu, no meio do espaço sideral tentando chegar a um planeta desconhecido. Também me via no meio de uma floresta cheia de animais e plantas perigosas, ou então a bordo de um navio cruzando os sete mares pelo mundo. Resumindo, era possível visitar os lugares mais legais do universo pelo simples fato de ser uma criança, voando pelas asas da fantasia. Bons tempos que não voltam mais.

Max é assim também, passa o dia inteiro brincando. É um garoto arteiro, imperativo, que não para um minuto. Quando não corre para cima e para baixo atrás do cachorro, está montando iglus e um arsenal de bolinhas na neve. Mimado, bagunçou e sujou todo o quarto da irmã, simplesmente por ela não ter brincado com ele. Bastou ver a mãe dividir a atenção com um namorado para armar um escândalo antes da janta, trajando sua inseparável fantasia de lobo. Depois de tomar um baita sermão da sua progenitora, Max sai correndo de casa e acaba embarcando para outro mundo...

O mais incrível de Onde Vivem Os Monstros é saber que a obra original é praticamente ilustrativa e contém apenas dez sentenças. Isso mesmo, o livro de Maurice Sendak possui dez frases, exatas 338 palavras distribuídas em 40 páginas. O talentoso Spike Jonze (Adaptação, Quero Ser John Malkovic) contou com a ajuda de Dave Eggers e do próprio Sendak para criar um roteiro a partir dela. O resultado foi melhor que a encomenda, Spike aperfeiçoou a história e criou uma fábula sensível e cativante sobre saudade, amor, amizade, companheirismo e, principalmente sobre a inerente imaginação de uma criança.

Antes de tudo, é importante saber a importância do original, um clássico da literatura infantil norte-americana. Foi vencedor da Caldecott Medal em 1964 (o maior prêmio para livros ilustrados), um ano após seu lançamento. No Brasil, chegou oficialmente apenas em outubro de 2009, com mais de quatro décadas de atraso (um abraço para as editoras), impulsionado pela adaptação cinematográfica e o jogo para PC e consoles.

De fato, a obra é muito famosa nos Estados Unidos. Uma rápida procurada no YouTube e milhares de trabalhos escolares e acadêmicos irão aparecer. É possível encontrar até um vídeo com Barack Obama, o atual todo-poderoso presidente americano, lendo-o para crianças e declarando ser um de seus preferidos. Vai ver ele esqueceu que os pequeninos ainda não votam, mas valeu a intenção.

Outra oportuna curiosidade: Onde vivem os monstros foi o tema do primeiro teste misturando a animação tradicional com computação gráfica, dirigido por John Lasseter. Legal, mas e quem foi esse cara? Somente um dos fundadores da mais bem sucedida fábrica de sonhos de Hollywood e atual sinônimo de animação, a Pixar Animation Studios. Confira este vídeo logo abaixo:

Esclarecida a magnitude do livro, voltemos ao filme. Depois de navegar por agitados mares, Max chega numa ilha habitada por monstros. Apesar da envergadura e dos dentes afiados, os anfitriãs aparentam um semblante simpático. Após tentarem devorar Max, eles se impressionam com o poder de lábia do baixinho e o declaram como novo rei do lugar.

Mesmo sendo “apenas” vozes, Jonze contou com um elenco de peso para dublar os monstros. James Gandolfini (Os Sopranos), Forest Withaker (O Último Rei da Escócia), Paul Dano (Sangue Negro) e Chris Cooper (que trabalhou com o diretor em Adaptação) são os nomes de peso. A mãe de Max é interpretada por Catherine Keener (O Virgem de 40 Anos).

A parte musical ficou a cargo de Karen O., vocalista do Yeah Yeah Yeahs. Juntou várias crianças nos backing vocals e formou a Karen O. and the Kids, banda encarregada da excelente trilha sonora. Mesclando diálogos com melodias divertidas e entusiasmantes (pelo menos na maioria) as faixas dão um toque especial nas sequências. Logo dará uma vontade de ouvi-la excessivamente, principalmente 'Rumpus', 'All Is Love', 'Heads Up' e 'Food Is Still Hot', as melhores músicas do álbum. A faixa do trailer, Wake Up do Arcade Fire, infelizmente ficou de fora da trilha. Uma pena, pois sua letra combinava perfeitamente com a idéia do filme.

Apesar das turbulências e dúvidas que estariam à vista, o foco é na bela amizade entre Max e Carol (voz de Gandolfini), um dos bichos. É bonito ver a relação entre os dois. É tudo simples, verdadeiro e ao mesmo tempo ingênuo, tão cheio de amor. Sim, amor, pois antes de significar romance, paixão ou sexo, essa palavra é a expressão do sentimento que induz a conservar a pessoa ou a coisa (ou monstro) pela qual se sente afeição. Até no dicionário vem antes. O exemplo de companheirismo é deveras emocionante e irá fazer muito marmanjo sair chorando do cinema.

Quem merece uma menção especial é Max Records, o ator mirim que interpreta seu xará. Seu personagem é a alma do filme, é o motivo de tudo. Na verdade nem parece uma atuação, de tão natural que é. Para o garoto, ou melhor, para qualquer um preservar as amizades é tão instintivo quanto à curiosidade, o desejo de desbravar o desconhecido. Se não fosse por isso, ainda estaríamos impressionados com o descobrimento da roda e do fogo. Não adianta, guri tem de ser arteiro mesmo, ele quer mais é sair descobrindo o mundo por si próprio. É da nossa natureza, no fundo todos somos monstros selvagens. Talvez seja essa a lição mais contundente da história.

Convenhamos, não seria tão bom ser eternamente uma criança? Tenho certeza que Jonze concordaria comigo. Mas o relógio biológico não tarda e entramos na adolescência, depois ingressamos na idade adulta e assim por diante. É a lei que rege os humanos. Uma pena não poder ficar com nove anos para sempre. Aliás, esse é o segredo para ver Onde Vivem Os Monstros: tire todo o gelo e a amargura que os anos de vivência incutiram no seu coração e veja o filme com os olhos de uma criança. Não é difícil, basta usar sua imaginação.

Superman 2 - The Richard Donner Cut (Richard Donner, 1980)

2010-01-04T19:58:00.000-02:00

Não é à toa que, logo depois que a Warner lançou esta versão diferente de Superman II, em 2006, vários fãs começaram a lançar na rede as suas próprias edições da continuação do filme de 1978. A primeira impressão que fica é, justamente, de que poderia se juntar o melhor de dois mundos para fazer um grande filme, em vez de, agora, termos dois filmes quase empatando no quesito qualidade. Como a grande maioria sabe, Richard Donner, diretor de Superman (1978) foi demitido logo após o filme ser lançado, independente do sucesso estrondoso alcançado nas bilheterias. O problema é que Donner já havia filmado quase todo o material da continuação junto com o primeiro filme – foi talvez o primeiro a usar o estratagema para poupar custos. A Warner contratou Richard Lester para substituí-lo, Lester gravou cenas adicionais e mudou o tom do filme. Boa parte do filme que conhecemos pertence a Donner, mas o tom cômico de algumas seqüências – especialmente no duelo contra os supervilões em Nova Iorque – e algumas soluções esdrúxulas no clímax do filme, na Fortaleza Solitária ( símbolos de plástico grudentos, Superman aparecendo e desaparecendo!!!! ) foram cortesia de Lester.
A constatação básica: com Richard Donner, o filme teria mais sentido, seria propriamente uma continuação, principalmente em espírito, direta dos eventos do primeiro filme. A mais importante das alterações é que, no plano inicial, Superman não faria o tempo retroceder no final do primeiro filme: este era para ser o final do SEGUNDO filme ( e assim ele faria Lois esquecer que descobriu sua identidade, em vez de lhe dar um beijo (!!) para conseguir isso, como é na versão que conhecemos ).

A segunda conseqüência: os supervilões de Krypton não foram libertos da Zona Fantasma pela bomba nuclear da Torre Eiffel. Eles foram libertos pelo míssil que Superman mandou para o espaço no final do primeiro filme.
Isso acaba retirando desse segundo filme uma de suas seqüências mais legais, justamente a seqüência em Paris. O ritmo de aventura, também, cai com a exclusão dessa cena. Mas em um todo, “Superman II – The Richard Donner Cut” é um filme mais sóbrio. Lois Lane não descobre que Clark Kent é o Superman em Niágara. Ela se dá conta disso vendo uma foto no jornal do superherói e comparando ele com o colega de trabalho ( algo óbvio ), o que faz com que ela acabe quase se suicidando para provar seu ponto de vista. E, em Niágara, ela desmascara o herói atirando (!!) em Clark Kent ( para compor a cena, os produtores usaram testes de elenco feitos por Reev e Kider justamente desta cena ).
A edição de “Superman 2 – The Richard Donner Cut” abrevia boa parte das ações dos supervilões, deixa mais longa e violenta a invasão na Casa Branca, tira o exagero humorístico na luta em Nova Iorque e acrescenta uma importante cena de Luthor aprendendo sobre seu inimigo com Jor-El, na Fortaleza da Solidão ( e felizmente joga fora a participação de Susannah York, que comprometia a coerência do filme ). Também mostra o Superman destruindo a Fortaleza da Solidão e, finalmente, justifica uma das frases mais impactantes da série que havia ficado solta: O pai torna-se o filho, e o filho torna-se o pai.

Deprimente a intromissão de Lester e dos produtores às idéias originais de Donner. Ainda que o filme lançado aqui misture ambas as versões e não seja, propriamente, uma versão unicamente de Donner, este Superman é mais sóbrio, correto e coerente do que aquele que todos conhecemos de trás para frente. Aquela versão é difícil de ser esquecida, mas esta aqui merece, sim, ser chamada de uma “continuação”.

Termômetro 2010...

2009-12-29T21:31:00.000-02:00

... ou o grande post ds estréias de 2010. O Doutor mede a temperatura dos filmes que estão estreando a partir de janeiro de 2010, e a medição segue unicamente a expectativa do Dr. , o que não significa que os mais esperados sejam, necessariamente, aqueles candidatos a melhores do ano. Como vocês sabem, o doutor gosta de clássicos, gosta de filmes B, assiste todos os gêneros, se alterna entre arte e blockbuster e gosta de se divertir sem compromisso tanto quanto se emocionar, rir ou pensar profundamente na frente da telona. Sem se preocupar, como tem feito já há um bom tempo, e só amando assistir filmes, aí vai a receita básica do que o Dr. ( um deles, ao menos ) espera dos pacientes para o próximo ano!!!

JANEIRO

Sherlock Holmes [Reino Unido/EUA, 2009], de Guy Ritchie (Warner).
Elenco: Robert Downey Jr., Rachel McAdams, Jude Law.
Sinopse: O detetive Sherlock Holmes e seu parceiro Dr. Watson tentam encontrar um bandido cujo plano ameaça toda a Inglaterra.

Nine [EUA, 2009], de Rob Marshall (Sony).
Elenco: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz.
Sinopse: O cineasta Guido Contini luta para ter harmonia em sua vida pessoal e profissional, às voltas com sua esposa, sua amante e sua mãe. Baseado no musical Nine, por sua vez inspirado no filme 8½, de Federico Fellini.

Daybreakers [EUA, 2010] de Peter e Michael Spierig
Elenco: Ethan Hawke, Willem Dafoe, Claudia Karvan, Michael Dorman, Sam Neill, Vince Colosimo, Isabel Lucas.
Sinopse: O mundo é dominado por Vampiros, que “cultivam” seres humanos para sempre terem sangue à disposição, até surgir uma possibilidade de cura e a intervenção de um grupo de sobreviventes que vive escondido.

Onde vivem os monstros [Where the Wild Things Are, EUA, 2009], de Spike Jonze (Warner).
Elenco: Catherine Keener, Angus Sampson.
Sinopse: Max, um menino mimado, tem seu próprio mundo imaginário: uma floresta onde ele é o rei. Com vozes de Forest Whitaker, Michelle Williams e Catherine O’Hara.

Um olhar do paraíso [The Lovely Bones, EUA/Reino Unido/Nova Zelândia, 2009], de Peter Jackson (Paramount).
Elenco: Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon.
Sinopse: Após ser brutalmente estuprada e assassinada, menina assiste os efeitos de sua morte se abaterem sobre sua família: enquanto sua irmã começa a se tornar a mulher que ela nunca será, seu pai fica obcecado com a idéia de vingança.

Invictus [EUA, 2009], de Clint Eastwood (Warner).
Elenco: Morgan Freeman, Matt Damon.
Sinopse: A vida de Nelson Mandela em 1995, após o fim do Apartheid, quando era presidente da África do Sul. Duração: a definir. Classificação: a definir.

Astro Boy [EUA/Hong Kong/Japão, 2009], de David Bowers (Paris).
Vozes: Freddie Highmore, Nicolas Cage, Donald Sutherland.
Sinopse: Na futurística Metro City, cientista cria um menino robô chamado Astro Boy para substituir seu filho perdido. Rejeitado por seu criador por não conseguir suprir sua carência, o robô parte numa jornada por aceitação.
Comentário: Não tenho a mínima vontade de ver isso!!!!

Preciosa [Precious: Basde on the Book “Push” by Sapphire, EUA, 2009] de Lee Daniels (PlayArte).
Elenco: Gabourey Sidibe, Mo'nique, Paula Patton, Mariah Carey Sinopse: Claireece Jones Sinopse: Precious sofre privações inimagináveis em sua juventude. Abusada pela mãe, violentada por seu pai, ela cresce pobre, analfabeta, gorda, sem amor e geralmente passa despercebida por todos.

O fim da escuridão [Edge of Darkness, EUA, 2009], de Martin Campbell (Imagem).
Elenco: Mel Gibson, Danny Huston, Ray Winston.
Sinopse: Detetive investiga a morte de sua própria filha e descobre que ela tinha uma vida secreta.
Comentário: Gosto do Gibsão nesse tipo de filme. Não deve ser melhor do que foi "Ramsom", mas a cara de psicótico desligado que ele tem fecha todas.

FEVEREIRO

Amor sem escalas [Up in the Air, EUA, 2009], de Jason Reitman (Paramount).
Elenco: George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga.
Sinopse: Conselheiro profissional tem dois projetos de vida: acumular um milhão de pontos em milhas aéreas e arranjar um emprego numa misteriosa agência.
Comentário: Jason Reitman é o cara.

Brilho de uma paixão [Bright Star, Reino Unido, Austrália, França, 2009], de Jane Campion (PlayArte).
Elenco: Abbie Cornish, Thomas Sangster, Paul Schneider.
Sinopse: Em 1819, o poeta John Keats inicia um romance com Fanny Brawne.
Comentário: Começou com uma bilheteria ridícula e cresceu bastante lá fora no boca a boca. Torço para que a Campion acerte de novo.

A estrada [The Road, EUA, 2009], de John Hillcoat (Paris).
Elenco: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron.
Sinopse: Num mundo pós-apocalíptico, um homem e seu filho tentam sobreviver a qualquer custo. Baseado no romance de Cormac McCarthy.
Comentário: Fracasso lá fora, mas curioso pra ver o que fizeram com mais um texto do McCarthy.

O lobisomem [The Wolfman, EUA, 2008], de Mark Romanek (Universal).
Elenco: Anthony Hopkins, Benicio Del Toro.
Sinopse: Um homem, em viagem ao país de origem de sua família, é mordido e conseqüentemente contaminado por um lobisomem.

Entre irmãos [Brothers, EUA, 2009], de Jim Sheridan (Imagem).
Elenco: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire.
Sinopse: Homem cuida da família de seu irmão mais velho, que desapareceu no Afeganistão. Refilmagem do longa dinamarquês de 2004.

Homens que encaravam cabras [The Men Who Stare At Goats, EUA, 2009], de Grant Heslov (Sony).
Elenco: George Clooney, Ewan McGregor, Kevin Spacey.
Sinopse: A história do primeiro batalhão do exército norte-americano, uma unidade que foi criada para a pesquisa de poderes paranormais.
Comentário: O trailer já foi mais engraçado do que todas as comédias que vi em 2009.

Um homem sério [A Serious Man, EUA, 2009], de Joel e Ethan Coen (Universal).
Elenco: Michael Stuhlbarg, Sari Lennick, Aaron Wolff.
Sinopse: Em 1967, um professor vê sua vida desmoronar quando sua mulher ameaça deixa-lo porque seu irmão se recusa a ir embora de sua casa.

Legião [Legion, EUA, 2010], de Scott Charles Stewart (Sony).
Elenco: Doug Jones, Willa Holland, Paul Bettany.
Sinopse: Depois que o apocalipse atinge o planeta, grupo descobre que a salvação pode estar numa garçonete grávida do novo messias.
Comentário: Babando pra ver esse aqui.

Pandorum [EUA/Alemanha, 2009], de Christian Alvart (Imagem).
Elenco: Ben Foster, Dennis Quaid, Cam Gigandet.
Sinopse: Grupo acorda numa espaçonave sem saber quem é ou qual é sua missão.
Comentário: A premissa é interessante, mas a impressão é que vai ser mais um que vai ser perder no meio do caminho...

MARÇO

Ilha do medo [Shutter Island, EUA, 2009], de Martin Scorsese (Paramount).
Elenco: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Bem Kingsley.
Sinopse: Em 1954, o detetive Teddy Daniels investiga o desaparecimento de uma assassina, que fugiu de um hospital psiquiátrico e está supostamente foragida na remota Ilha Shutter.

O livro de Eli [The Book of Eli, EUA, 2010], de Albert e Allen Hughes (Sony).
Elenco: Denzel Washington, Mila Kunis, Gary Oldman.
Sinopse: Num fututo pós-apocalítico, um homem solitário atravessa os EUA para proteger um livro que guarda os segredos da salvação da humanidade.

Amelia [EUA, 2009], de Mira Nair (Fox).
Elenco: Hilary Swank, Richard Gere, Ewan McGregor.
Sinopse: Biografia de Amelia Eckheart, lendária piloto de avião americana que desapareceu no Oceano Pacífico quando tentava dar a volta ao mundo.

Season of the Witch [EUA, 2010], de Dominic Sena (Imagem).
Elenco: Nicolas Cage, Ron Perlman.
Sinopse: No século XIV, cavaleiros transportam uma feiticeira a um monastério, onde os monges descobrem que seus poderes podem ser responsáveis pela peste negra.
Comentário: Adoro esse tipo de trama e essa época história, da Idade Média. Torço para que o Cage reencontre o caminho, e que ele assuma de vez a careca, porque a cada filme que passa o penteado fica pior.

Creation [Reino Unido, 2009], de Jon Amiel (Imagem).
Elenco: Jennifer Connely, Paul Bettany
Sinopse: O naturalista Charles Darwin luta para encontrar um equilíbrio entre suas teorias revolucionárias sobre a evolução e seu relacionamento com sua esposa religiosa, cuja fé entra em conflito com o seu trabalho.

Tudo pode dar certo [Whatever Works, EUA, 2009], de Woody Allen (Califórnia).
Elenco: Evan Rachel Wood, Larry David, Patrícia Clarkson.
Sinopse: Boris, um velho rabugento e antipático que vive insultando as pessoas, é abordado por Melodie, uma moça simplória.

ABRIL

Alice no país das maravilhas [Alice in Wonderland, EUA, 2010], de Tim Burton (Disney).
Elenco: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway.
Sinopse: As aventuras da jovem Alice, que cai em um mundo mágico, cheio de personagens estranhos e obscuros. Baseado na obra de Lewis Carroll. Com exibição em 3D.

Fúria de titãs [Clash of the Titans, EUA, 2010], de Louis Leterrier (Warner).
Elenco: Sam Worthington.
Sinopse: A mito de Perseu e sua batalha contra Medusa e o monstro Kraken para salvar a princesa Andrômeda. Refilmagem de Fúria de titãs (1981).
Comentário: AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHH

Sede de sangue [Bakjwi/Thirst, Coréia do Sul, 2009], de Park Chan-wook (Paris).
Elenco: Song Kang-ho, Ok-bin Kim.
Sinopse: Um popular e querido padre de uma pequena cidade se torna voluntário de uma experiência que o transforma em vampiro.

[REC] 2 [Espanha, 2009], de Jaume Balagueró e Paco Plaza (PlayArte).
Elenco: Leticia Dolera, Pep Molina, Juli Fàbregas.
Sinopse: a definir. Continuação de [REC] (2007).

Takers [EUA, 2010], de John Luessenhop (Sony).
Elenco: Hayden Christensen, Paul Walker, Zoe Saldana.
Sinopse: Grupo de ladrões de banco vê seus planos de um assalto de US$ 20 milhões serem atrapalhados por um detetive.

Vidas que se cruzam [The Burning Plain, EUA/Argentina, 2008], de Guillermo Arriaga (Paris).
Elenco: Charlize Theron, Kim Basinger, Jennifer Lawrence.
Sinopse: As histórias de uma mãe e uma filha tentando recriar seus laços familiares. Duração: 111 min. Classificação: a definir.

The Bounty Hunter [EUA, 2009], de Andy Tennant (Sony).
Elenco: Gerard Butler, Jennifer Aniston.
Sinopse: Caçador de recompensas tem como próximo alvo sua ex-esposa.

Zona verde [Green Zone, EUA, 2010], de Paul Greengrass (Universal).
Elenco: Matt Damon, Jason Isaacs, Brendan Gleeson, Greg Kinnear.
Sinopse: Dois agentes da CIA procuram por armas de destruição em massa em Bagdá.

Homem de Ferro 2 [Iron Man 2, EUA, 2010], de Jon Favreau (Paramount).
Elenco: Robert Downey Jr, Mickey Rourke, Scarlett Johansson.

Dupla explosiva [From Paris With Love, França, 2009], de Pierre Morel (PlayArte).
Elenco: John Travolta, Jonathan Rhys Meyers.
Sinopse: Um agente do governo norte-americano trabalha com seu novo parceiro em Paris, em uma missão antiterrorista.

A batalha dos três reinos [Red Cliff, 2008], de John Woo (Europa).
Elenco: Takeshi Kaneshiro, Tony Leung Chiu Wai, Chen Chang
Sinopse: Nos séculos II e III, dinastias entram em guerra e definem o futuro da China..

MAIO

O imaginário do Dr. Parnassus [The Imaginarium of Dr. Parnassus, EUA, 2009], de Terry Gillian (Sony).
Elenco: Heath Ledger, Johnny Depp.
Sinopse: Dr. Parnassus é o dono de uma companhia de teatro itinerante que oferece ao público a chance de transcender a realidade e entrar em um universo através um espelho mágico.

A hora do pesadelo [A Nightmare on Elm Street, EUA, 2010], de Samuel Bayer (Warner).
Elenco: Jackie Earl Haley, Rooney Mara, Kyle Gallner.
Sinopse: Jovens são aterrorizados em seus sonhos pelo assassino Freddy Krueger. Refilmagem do clássico do terror A hora do pesadelo (1984), de Wes Craven.

Wall Street 2: Money Never Sleeps [EUA, 2010], de Oliver Stone (Fox).
Elenco: Michael Douglas, Shia LaBeouf, Josh Brolin.
Sinopse: Jovem economista tem de juntar forças com Gordon Gekko, veterano de Wall Street. Continuação de Wall Street (1987).
Comentário: Voto de confiança no Oliver e no elenco

Robin Hood [EUA/Reino Unido, 2009], de Ridley Scott (Universal).
Elenco: Russel Crowe, Cate Blanchett, Vanessa Redgrave.
Sinopse: Um triângulo amoroso se forma entre o justiceiro Robin Hood, sua amada Marian e o xerife de Nottingham.

Príncipe da Pérsia: As areias do tempo [Prince of Persia: The Sands of Time, EUA, 2010], de Mike Newell (Disney).
Elenco: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley.
Sinopse: Príncipe se alia a princesa de um reino rival para impedir que um tirano maléfico lance uma tempestade de areia capaz de destruir o mundo. Baseado no jogo de viodegame.

Sex and the City 2 [EUA, 2010], de Michael Patrick King (Warner).
Elenco: Sarah Jessica Parker, Kim Catrall, Cynthia Nixon, Kristin Davis.

JUNHO

Eu te amo, Phillip Morris [I Love You Phillip Morris, EUA, 2009], de Glenn Ficarra e John Requa (Imagem).
Elenco: Jim Carrey, Ewan McGregor, Rodrigo Santoro.

Eclipse [EUA, 2010], de David Slade (Paris).
Elenco: Kirsten Stewart, Robert Pattinson, Joshua Lautner.
Sinopse: No terceiro capítulo da saga Crepúsculo, lobisomens e vampiros devem trabalhar juntos para expulsar um grupo de vampiros maus das redondezas.

Toy Story 3 [EUA, 2010], de Lee Unkrich (Disney).
Vozes: Tom Hanks, Tim Allen, Don Rickles.
Sinopse: Woody, Buzz e o resto dos brinquedos são deixados num depósito quando seu dono, Andy, vai para a faculdade. Com exibição em 3D.

JULHO

Shrek para sempre [Shrek Forever After, EUA, 2010], de Mike Mitchell (Paramount/DreamWorks).
Vozes: Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy.
Sinopse: Quarta aventura do ogro Shrek, agora em 3D.

The Karate Kid [EUA, 2010], de Harald Zwart (Sony).
Elenco: Jackie Chan, Jaden Smith.
Sinopse: Refilmagem de Karatê Kid (1984).

Predators [EUA, 2010], de Nimród Antal (Fox).
Elenco: Laurence Fishbourne,
Sinopse: Novo filme da série Predador.
Comentário: eterna esperança de recuperarem a série. Pelo menos o ator principal já está acertado...

Salt [EUA, 2010], de Philip Noyce (Sony).
Elenco: Angelina Jolie, Liev Schreiber, Chiwetel Ejiofor.
Sinopse: Agente da CIA tem de escapar da Rússia quando é descoberta como espiã.

Knight & Day [EUA, 2010], de James Mangold (Fox).
Elenco: Tom Cruise, Cameron Diaz.
Sinopse: Agente secreto disfarçado conhece moça que nunca teve sorte com os homens.
Comentário: hummmmmm!!!! Sei não... mas não consigo ver o Cruise se envolvendo em um projeto tão comum sem que tenha algo de muito bom no roteiro

O último mestre do ar [The Last Airbender, EUA, 2010], de M. Night Shyamalan (Paramount).
Elenco: a definir.
Sinopse: Baseado na série animada. .
Comentário: Sou eterno fã do Shy.

AGOSTO

Os Mercenários [ Expendables, EUA, 2010] de Sylvester Stallone, com Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Randy Couture, Steve Austin, David Zayas, Giselle Itié, Terry Crews, Mickey Rourke, Arnold Schwarzenegger, Brittany Murphy, Charisma Carpenter, Liam Hemsworth, Gary Daniels.
Sinopse: Time de mercenários tem a missão de depor um ditador em um país da América do Sul
Comentário: Mazaaaaa!!!! Ação oitentista cheirando a esteróides!!!

Survival of the Dead [EUA, 2010] de George Romero, com Alan Van Sprang, Kenneth Welsh, Kathleen Munroe, Devon Bostick, Richard Fitzpatrick, Stefano Colacitti, Athena Karkanis.
Sinopse: Moradores de uma ilha isolada, em um mundo atacado por zumbis, não querem exterminar seus entes queridos contaminados, na esperança de encontrar uma cura. Um deles é banido por matar os zumbis, e encontra em terra firme um grupo de sobreviventes que busca um lugar isolado e seguro para criar um refúgio.
Comentário: Romero! Sem comentários extras...

A origem [Inception, EUA/Reino Unido, 2010], de Christopher Nolan (Warner).
Elenco: Leonardo DiCaprio

SETEMBRO

Salomão Kane [Solomon Kane, EUA, 2010] de Michael Basset. Elenco: James Purefoy, Max von Sydow, Pete Postlethwaite, Rachel Hurd-Wood, Alice Krige, Mackenzie Crook.
Sinopse: Adaptação do herói das HQs que enfrenta poderes das trevas, criado por Robert E. Howard, criador de Conan e Kull.

Little Fockers [EUA, 2010], de Paul Weitz (Paramount).
Elenco: Robert De Niro, Jessica Alba, Ben Stiller.
Sinopse: Terceiro filme da série Entrando numa fria.
Comentário: Ainda acho Robert DeNiro o melhor comediante da atualidade nessa série.

Resident Evil: Afterlife [EUA, 2010], de Paul W.S. Anderson (Sony).
Elenco: Milla Jovovich.
Sinopse: Quarto capítulo da série de horror, com exibição em 3D.

Jonah Hex [EUA, 2010], de Jimmy Hayward (Warner).
Elenco: Josh Brolin, John Malkovich.
Sinopse: No velho oeste, um caçador de recompensas esconde seu bom coração por trás de seu rosto deformado e sua personalidade forte.

OUTUBRO

Morning Glory [EUA, 2010], de Roger Michell (Paramount).
Elenco: Harrison Ford, Rachel McAdams, Jeff Goldblum.
Sinopse: Depois de pedir demissão do jornal onde trabalhava, âncora de tv é abordado por um produtor famoso a fim de reviver um antigo programa matinal.
Comentário: Prefiro o Ford com chapéu e chicote.

NOVEMBRO

Priest [EUA, 2010], de Scott Charles Stewart (Sony).
Elenco: Paul Bettany.
Sinopse: Padre desobedece as regras da Igreja e sai à caça do vampiro que sequestrou sua sobrinha. Duração: a definir.

Unstoppable [EUA, 2010], de Tony Scott (Fox).
Elenco: Denzel Washington, Chris Pine.
Sinopse: Companhia de trem faz de tudo para parar um trem descarrilhado que carrega combustível e gás venenoso.
Comentário: Trem desgovernado... tudo me lembra Velocidade Máxima e Expresso para o Inferno, do Konchalovsky. Prefiro acreditar que a dupla aí acima não vai entregar duas bombas seguidas - e eles já fizeram coisa boa, como "Maré Vermelha"

Harry Potter and The Deathly Hallows – Part 1 [EUA, 2010], de David Yates (Warner).
Elenco: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint.
Sinopse: Primeir parte da última aventura do bruxo Harry Potter.

DEZEMBRO

The Chronicles of Narnia: The Voyage of The Dawn Treader [Reino Unido, 2010], de Michael Apted (Fox).
Elenco: Ben Barnes, Eddie Izzard, Peter Dinklage.
Sinopse: Lucie e Edmund reencontram o Príncipe Caspian numa viagem no navio The Dawn Treader. Terceira parte da série inspirada pelos livros de C.S. Lewis.

The Green Hornet [EUA, 2010], Direção Michel Gondry
Elenco: Seth Rogen, Cameron Diaz, Jay Chou, Edward James Olmos, David Harbour, Tom Wilkinson, Christoph Waltz.
Sinopse: Adaptação das aventuras do super-herói dos quadrinhos Besouro Verde e seu ajudante Kato.

Tron Legacy [EUA, 2010], de Joseph Kosinski (Disney).
Gênero: aventura. Elenco: Jeff Bridges, John Hurt.
Sinopse: Nova versão da aventura clássica de Tron – Uma Odisséia Eletrônica, sucesso dos anos 80.

Gulliver’s Travels [EUA, 2010], de Rob Letterman (Fox).
Elenco: Jack Black, Jason Segel, Amanda Peet.
Sinopse: Versão cômica do clássico As viagens de Gulliver, de Jonathan Swift, em que o escritor Lemuel Gulliver sai em missão às Bermudas e acaba na ilha de Liliput, habitada por uma raça de seres minúsculos.
Comentário: Sim, eu acho que o Black nesse papel pode dar muito certo

Melhores de 2009 e Promessas para 2010

2009-12-29T14:50:00.000-02:00

TOP 2009

PROMESSAS PARA 2010

O Melhor e o Pior de 2009

2009-12-27T21:52:00.000-02:00

OS MELHORES DE 2009

PIORES DE 2009

Avatar (James Cameron, 2009)

2009-12-18T11:17:00.000-02:00

Lamentem seguidores da corrente que prega “Star Wars” como o anti-cristo do cinema moderno – aqueles mesmos que pregavam que o cinema havia morrido em 1977 – ou que não conseguem aturar o cinema como entretenimento, como criador de novas realidades, de novos mundos, como um meio de êxtase individual imaginativo ( é, criei esse termo, me parece bem coerente ) porque, pelas mãos de James Cameron, o cinema morreu de novo em 2009. E a comparação de “Avatar” com “Star Wars” não se resume a impacto, mas tem tudo a ver com mitologias. Até hoje, “Star Wars” era a única mitologia essencialmente cinematográfica que se tinha notícia – todas as outras derivavam da literatura, como é o caso da mais complexa de todas, a da Terra Média.

Em “Avatar”, James Cameron mostra ter aprendido a lição de George Lucas, que na metade dos anos 70 sentou uma tarde frente a frente com Joseph Campbell, maior especialista sobre mitologias, e perguntou “É isso? Entendi certo? Estou fazendo correto?” O autor de “O Poder do Mito” deu seu aval para a fábula criada por Lucas. Já falecido, onde quer que esteja, Campbell deve estar sorrindo, porque Cameron entendeu melhor do que qualquer outra pessoa tudo o que ele e Lucas pregaram nos anos 70, para desespero de muita gente. Cameron recriou os mesmos princípios que George Lucas reinterpretou dos escritos de Campbell. Está quase tudo aqui, em nova roupagem, mas mesmo espírito: o bem e o mal definidos, o aprendiz, o mestre, a traição - no caso, de sua própria raça - e o elemento místico, que para George Lucas era a “Força”. Para Cameron, esse elemento essencial é “Eywa”.

Não dá para deixar de lado toda a revolução digital de “Avatar”, que alguns críticos até teimam em diminuir, dizendo “esperar mais” depois de todo o auê. O filme é, simplesmente, uma recriação digital de um mundo inteiro, em todas as suas nuances. A água que cai das folhas, insetos que voam do chão, o farfalhar de grama, pequenas calosidades nas árvores, a luz do sol entrando na floresta, a textura na pele dos animais – e uma feliz crítica norte-americana chegou a escrever que “achava que Cameron tinha inventado novas cores”. É fantástico – e num cinema 3D essa imersão deve ser ainda mais completa. Cameron deu uma de Deus e disse “Faça-se a luz” para criar Pandora, e deve ter deixado gente como Robert Zemeckis de queixo caído: sua tecnologia de captura de movimento é anos-luz à frente do que Zemeckis está fazendo em seus últimos filmes. É covardia ( basta atentar a perfeição da interpretação de Zoë Saldana como Neytiri).
Mas Avatar é mais do que uma revolução na técnica afetando os sentidos. O cineasta não precisa abordar temas complexos para criar uma boa história – vide “Titanic” e, mesmo agora, a base do que é “Avatar”. Aqui, ele mistura conceitos: há um pouco da idéia de viver em um outro “corpo” como em “Matrix”, o que já deriva da idéia de “avatar” do mundo virtual atual, onde todos temos um segundo correspondente em fóruns, games, chats e afins.

Também há um MUITO de “Dança com Lobos” e “O Pequeno Grande Homem” – a inserção em um meio nativo, a redescoberta de si próprio, o conflito entre o moderno e o “atrasado”. Mas a base, mesmo, são as relações, e mesmo em meio a fuzileiros e cientistas, mesmo com duas raças diferentes, ele cria uma relação de amor mais palpável que 80% dos filmes sobre romance lançados nos últimos anos ( e uma cena perto do final do filme é a prova maior disso ).
Na soma das partes, tudo o que James Cameron fez, até agora, parece ter sido um ensaio, um laboratório de testes para chegar a Avatar, e isso não é pouco para o cineasta de “Aliens”, “Terminator 1 e 2” e “Titanic”. Aqui estão as naves de “Terminator”, remodeladas, mas iguais em sua essência. Aqui está a empilhadeira controlado por um homem dentro dele, que surgiu no final de “Aliens”, transformado em um robô-soldado. A personagem feminina forte e o ambiente militar ressurgem da mesma forma que em seus melhores filmes anteriores.

E, mais uma vez, Cameron prova que usa os efeitos e revoluciona sem se deixar engolir pela técnica. Ele a domina para contar uma história, e por mais que essa história tenha momentos que você sabe que vai ter, Cameron consegue surpreender no destino de alguns personagens, quebra a expectativa em outros momentos e consegue, até, inserir o famoso “discurso pré-batalha” sem soar forçado. Mesmo os clichês mais usuais e esperados, no desenvolvimento de Avatar, surgem ao natural, porque o filme, em suas quase 3 horas, transcorre de forma natural. O tempo passa sem que se sinta, principalmente para alguém, como eu, que sempre se sentiu atraído por sagas como as já citadas aqui, por sentar na poltrona de uma sala de cinema, ser transportado para outro universo e esquecer da vida.
Para apresentar um universo que ele criou e alimentou durante anos, Cameron ainda usa de um artifício muito esperto: o público conhece seu universo, suas criaturas, sua fauna, a língua, as peculiaridades e a cultura junto com o protagonista, o que faz com que tudo soe ainda mais natural.

Ambas as mitologias citadas, a de Star Wars e a de O Senhor dos Anéis, tinham mundos inteiros envolvendo sua concepção: alfabetos, mundos, uma história dividida por eras, veículos, criaturas. Com “Avatar”, James Cameron criou a sua própria mitologia, e não se assuste se em breve começarem a surgir obras oportunistas ou oficiais como “O Guia da Fauna e da Flora de Pandora”, “Alfabeto Na’vi para Humanos”, “As Criaturas de Pandora” ou alguma “História das Civilizações de Pandora”. Se Cameron quiser, pode escrever seu “Sillmarilion” do mundo criado por ele e será um sucesso. Chorem os detratores de “Star Wars”, “Senhor dos Anéis” e outras mitologias que, no cinema, visam a imersão em novos mundos, o entretenimento e o deslumbramento: em 2009, o cinema morreu de novo, e renasceu através de Eywa.

Um papo com Guillermo Arriaga

2009-12-16T08:14:00.000-02:00

Quem vive nos grandes centro talvez não tenha a noção do que significa para quem mora no interior desse Brasil travar contato com algum grande nome das artes. Do cinema, então, nem se fala. E o que dizer quando o cara atravessa a América, desde o México, para descer ao interior do Rio Grande do Sul trazendo uma indicação ao Oscar, um prêmio em Cannes e várias outras comendas nas costas?

Guillermo Arriaga esteve no final de outubro em Passo Fundo, como conferencista da Jornada Nacional de Literatura, o maior evento literário do Brasil, que acontece há 26 anos, a cada biênio. Arriaga, mais conhecido como roteirista premiado de filmes como “Amores Brutos”, “21 Gramas”, “Babel” e “Três Enterros de Melquíades Estrada” veio na condição de romancista também consagrado, mas não faz muita questão do termo “roteirista” acompanhando seu nome. Para ele, em qualquer instância, é um escritor, seja escrevendo roteiros ou livros. “O que eu faço é literatura” afirma, com voz calma. Gosta de praticar o portunhol, gosta de tentar entender, por si só, as perguntas, tudo que lhe é dirigido. Pergunta, em meio à entrevista concedida no final da manhã da quarta, como se diz determinadas palavras em português. Deixa clara sua admiração pelo Brasil, país que já visitou quase uma dezena de vezes. Elogia Paulo Lins e Marçal Aquino, escritores de quem se diz fã. Pergunta, de forma sincera, sobre a Jornada de Passo Fundo: “Na Europa, falo com 200, 300 pessoas. Já se deram conta do tamanho dos seus festivais literários? Cinco mil pessoas, reunindo-se em torno da cultura para debater? Só aqui.”

Arriaga tem uma elogiada carreira como romancista de obras como “Um Doce Aroma de Morte”, “O Búfalo da Noite” e “Esquadrão Guilhotina”, seu primeiro livro, sobre o qual faz uma confissão.
- É uma espécie de vingança contra alguns historiadores. Nunca houve uma guilhotina durante a Revolução Mexicana, mas alguns historiadores, agora, acham que houve – afirma, sorrindo ironicamente.

Ficar de frente com o cara e descobrir tanta simpatia e simplicidade na forma de se expressar é um choque para quem apenas via as imagens do mexicano, de uma expressão que parece ter sempre uma verdade a dizer. Tanto que chegava a intimidar. Bastou alguns segundos para desmontar tudo.

“Gosto de ouvir vocês falarem em português, mas vou responder em espanhol, ok? Ainda estou aprendendo essa língua linda.”

Durante a coletiva, se levanta. Não gosta de ficar sentado, caminha entre os repórteres, joga um livro que pediu emprestado ( “Um objeto perfeito”) por sobre os repórteres, para mostrar como ele é real e palpável. Fiz 4 perguntas a ele. Quis saber da experiência de escrever o roteiro para um filme dirigido por ele, pela primeira vez. Quis saber dessa dificuldade de adaptação – que estragou a “carreira” de O Búfalo da Noite ( o livro, porque o filme é ruim ). Quis saber da questão que mais me atormentava: sua tendência a criticar a banalização da violência. Como tratar da violência então, no cinema, para que ela chegue, como discurso, até todos, sem ser diminuída? O que esperar de Arriaga quando estréia como diretor, com "The Burning Plain", que chega ao Brasil em abril do ano que vem (veja aqui )?

Recostou-se na parede de fórmica da sala de imprensa na minha frente, como se tivesse me encontrado na rua e se encostado em um muro pra bater um papo. Responde olhando no olho, olha para os lados quando busca palavras. Arriaga é sincero. “Minhas histórias nascem da minha vida” afirma, poético, no final da entrevista. A vida de Arriaga, no fim das contas, tem dado uma história e tanto...

Confira o papo com o cara...

Fale um pouco para a gente da questão da linguagem... das diferenças entre cinema e literatura como narrativas.
Guillermo Arriaga: Creio que o que faço é literatura, não importa se é livro ou cinema. Creio que o ato de fazer cinema é um ato de sedução. A melhor forma de seduzir é com a obra escrita. É atrair um espectador ou leitor a um mundo. Busco fundamentalmente contar histórias. Digo aos meus alunos que se dediquem a contrar uma história. Se eles são profundos, a história será profunda. Caso contrário, não. A única coisa que faço, humildemente, é só tratar de contar uma história.

Esse processo de contar história no cinema é muito visual, tem a visão do diretor. O que isso interfere no momento de escrever para o cinema? E para você, que dirigiu o primeiro filme, escrever um roteiro para o cinema sabendo que é você que vai dirigir esse roteiro, muda alguma coisa?
Arriaga: Bem. Primeiro, há literaturas que são muito visuais. Pense em Homero, pense em Heródoto, pense na Bíblia. Quando a Bíblia conta que o Rei David guerreia, é muito visual. Sempre houve literaturas refletindo mundos através de visões. Quando escrevo para cinema, obviamente escrevo pensando que será interpretado, como o teatro, ou como a música. Será interpretado através de ações, e de como essas ações interagem com a paisagem, com o meio. Não importa se eu dirijo ou não, as relações de mundo, que são em terceira pessoa – e o cinema é em terceira pessoa – se encontra naquilo que eu escrevo. Insisto: há uma tradição literária muito visual, e muito antiga.

Sobre essa interação: já li comentários de pessoas que leram “O Búfalo da Noite” e, depois de se decepcionarem com o filme, disseram que, se tivessem visto o filme antes, talvez não tivesse vontade de ler o livro. Nesse caso, essa interação entre literatura e cinema pode ser um entrave à própria obra, não é?
Arriaga: No caso de “O Búfalo da Noite”, em particular, o livro é melhor que o filme. ( risos ). Eu sempre tenho apostado em diretores iniciantes. Sempre. Escrevi o primeiro filme de Alejandro Gonzáles ( Iñarratu, diretor de “Amores Brutos”, “21 Gramas” e “Babel” ), escrevi o primeiro filme dirigido por Tommy Lee Jones ( Três Enterros ), escrevi o primeiro filme de Jorge Hernandez Aldana ( O Búfalo da Noite ) e escrevi o primeiro filme que eu mesmo dirigi. Então sempre tenho apostado em diretores iniciantes. Isso nem sempre funciona. Descobri que meus livros são muito difíceis de adaptar para o cinema. Inicialmente, parecem livros fáceis de serem adaptados, mas não, são livros que são ltieratura pura, que não pode ser interpretada em outro meio. Porque? Porque a maior parte da ação de “O Búfalo da Noite”, por exemplo, acontece na cabeça dos personagens, não em seus atos. Por isso é tão difícil adaptar.

O que você escreveu para “Babel" pode ser, também, uma crítica aos Estados Unidos?
Arriaga: Não considero “Babel” uma crítica aos Estados Unidos, mas uma crítica ao estado do mundo. Creio que a globalização atraiu coisas boas e ruins. Entre as coisas boas, nos darmos conta de que nós, seres humanos, temos muito mais em comum do que pensamos. É mais uma crítica aos processos de comunicação defeituosos que há entre nós, seres humanos, do que uma crítica aos Estados Unidos.

Você critica a banalização da violência. Mas como tratar da violência, que é tão presente no Brasil, no México e em todo o mundo, de forma a atingir todos os públicos do cinema sem banalizar ela para que ela se torne acessível?
Arriaga: (pensando) Nós que vivemos em países onde a violência é tão real, não achamos graça nela. Qualquer um que teve um amigo, ou um amigo dos seus filhos, assassinado... bom, a violência deixa de ter graça. (pausa) Tudo que eu quero é fazer sentir que a violência tem conseqüências, que a violência não tem nenhum sentido. Não é simpática. Quentin Tarantino afirma que se diverte muito vendo a violência no cinema, porque é de mentira, mas é uma ação que está contemplando a violência como algo natural. Isso me preocupa. Não é fortuito que jovens nos Estados Unidos entrem em suas salas de aula e matem seus colegas. Quando a violência é banalizada, a condição de sujeito dos seres humanos se perde, e se converte em um mero objeto. No México, a moda agora é seqüestrar meninos e rapazes, adolescentes, de 12 a 14 anos. E por alguma razão, os seqüestradores os torturam. Por que? Porque são cabras, cachorros, não são seres humanos para eles. São objetos. Então, quero fazer sentir que, quando há violência, quando alguém é torturado, quando há um acidente, quando alguém perde uma perda... isso dói. Dói muito.

O cinema ou o livro seriam formas de mudar essa realidade?
Arriaga: Eu acho que a arte não pode dar respostas, mas pode gerar perguntas. A arte te posiciona perante o mundo, te faz ver o mundo de uma perspectiva diferente.

E quanto à diferença entre cinema e literatura. A literatura não permite maior liberdade ao leitor do que o cinema, que mostra a visão de uma pessoa, no caso o diretor?
Arriaga: O livro tem mais permanência. O ritmo do livro, quem decide, é o leitor. O ritmo do filme é o diretor. É diferente ver um filme aos pedaços, todos os dias. O livro, você pode ler em partes. Em um cinema, se você se distrai, você perde algo importante. Se você se distrai lendo um livro, pode voltar a página e ler de novo. O livro é um objeto quase perfeito. (risos)

TOP - TERROR

2009-12-15T14:22:00.000-02:00

O DrFrame alerta: TOPs fazem bem para o cinéfilo, mesmo que sempre existam aqueles que digam que "rotular filmes e colocar eles em listas é estupidez. Como a gente já parou de se preocupar com esse tipo de coisa e resolveu só amar cinema, a gente começa a brincadeira de fazer nossos tops aleatoriamente de acordo com o que der na telha e quando isso acontecer.

Depois de algumas semanas enchendo a paciência do Marcão pra ele mandar sua relação taí: abrimos a brincadeira com o TOP FILMES DE TERROR.

Aí, algumas diferenças, como sempre há. Tem quem coloque Alien como terror, ou Halloween e Sexta-Feira 13. Eu coloco como o primeiro como uma das 10 maiores ficções para mim, e Halloween ( e Psicose, entre outros ) como Suspense. Vai de cada um, e só interessa, no fundo, a cada um. Então, dentro de suas idéias sobre o que é um filme de TERROR ( eu prefiro chamar de HORROR ) aqui vão as prescrições do Doutor Frame para quem não gosta do gênero curar a besteira de achar que filmes de terror são menores e menos importantes que outros. Para a gente, eles são essenciais.

MARCUS VINÍCIUS FREITAS

1 – O Exorcista ( William Friedkin, 1973 )
Talvez nenhum outro filme do gênero tenha causado tanto espanto e frenesi quanto a obra de Friedkin. Além de um exemplo de terror, criou-se toda uma mitologia ao redor do filme (a atriz ficou meio que ‘azarada’, marcada para futuras produções, coisas desse gênero). Clássico absoluto.

2 – O Iluminado ( Stanley Kubrick, 1980 )
O mestre perfeccionista fez filmes inesquecíveis em todos os gêneros, no terror não poderia ser diferente. Jack Nicholson em uma das atuações mais espetaculares de sua carreira. “All work and no play makes Jack boy a dull”.

3 – Poltergeist, O Fenômeno (Tobe Hopper, 1982)
Palhaços malvados, coisas em baixo da cama, portais dimensionais que trazem monstros por tudo que é lado. Medo, muito medo que do nada se abra um portal destruindo tudo pela frente e te puxe para uma outra dimensão.

4 – A Noite dos Mortos Vivos (George A. Romero, 1968)
Romero era estudante de cinema e seu trabalho de conclusão de curso foi esse filme. Ele apenas criou a mitologia dos mortos-vivos em Noite dos Mortos Vivos, facinho isso.

5 – Halloween (John Carpenter, 1978)
Se não fosse por Halloween, não existiram “Pânico” e “Eu sei o que vocês fizeram no verão passado” e similares. Ok, por esse lado até que não seria ruim, mas isso só comprova a importância do filme. O dia das bruxas nunca foi contado com tanta maestria como aqui.

6 – Suspiria (Dario Argento, 1977)
Marcando principalmente pelas cores e a fotografia, Argento fez em Suspíria um de seus filmes mais atordoantes. Bruxas e rituais demoníacos são o plano de fundo para ele brincar com os elementos visuais das cenas. A seqüência final é algo f... pra c....

7 – O Enigma de Outro Mundo (John Carpenter, 1982)
Aliens que se transformam em humanos, gosmas, sangue e pedaços explodindo, “Enigma” é um dos filmes que deram um novo fôlego ao chamado “terror alienígena”, junto com “Alien – O Oitavo Passageiro”.

8 - A Morte do Demônio (Sam Raimi, 1983)
Clássico de Raimi, Evil Dead é um dos filmes mais cultuados do horror. A história não foge muito do comum, adolescentes estúpidos que se afastam da civilização para fazer uma sacanagem. Mas depois de um tempinho, a sacanagem vira um p... terror, com direito a muito sangue e coisas gosmentas.

9 - Mártires (Pascal Laugier, 2008)
É o representante mais significativo da nova safra de horror. Sanguinolento, aterrorizante e com uma trama que faz o espectador sofrer junto com os protagonistas. Terror totalmente psicológico, Mártires é um daqueles filmes que ficam dias e dias batendo na cabeça.

10 – O Príncipe da Escuridão (John Carpenter, 1987)
Mais um filme de um dos grandes mestres do terror. O capeta é o principal personagem dessa obra que fixa um paralelo entre ficção e realidade, tudo isso misturado com a questão religiosa.

FÁBIO LUIS ROCKENBACH

Antes de qualquer coisa, coloco a lista na concepção do que eu considero melhor como CINEMA e não do que me dá mais MEDO, ou os minutos finais de [REC] estariam no topo da lista. É uma coisa meio complicada, se pensa que pra fazer um top terror tem que se escolher os filmes que mais dão medo. Vejo a coisa por outro lado, até porque meu TOP 1 não dá medo, a inserção dele no gênero é mais pelo caráter expresso pelo personagem em suas incursões anteriores no cinema e pelo próprio livro.
Também optei por deixar "Halloween" e "Psicose" como SUSPENSE e "Alien" como FICÇÃO.
No fim, foi F... fazer essa lista e deixar tanta coisa para trás. Os puristas irão reclamar das ausências de "O Iluminado", "O Bebê de Rosemary" e outros - e eu sinto não conseguir colocar "A Máscara do Demônio" do Bava, "Desafio do Além" do Wise, o "Nosferatu" do Herzog, de 1979, "A Espinha do Diabo", do Del Toro, ou mesmo o "The Thing" do Carpenter, sem falar em filmes mais artísticos, como "Onibaba" e "Kwaidan".
Que seja... a lista é para agradar a quem a faz, e discordâncias são essenciais até.

1 - Drácula de Bram Stocker (1992)
Coppola re-interpretou a obra original e criou um misto de horror e romance. Considero o filme uma pequena jóia, um dos grandes filmes dos anos 90 e uma das maiores homenagens que o cinema já prestou a si próprio. Não é um filme que amedronta, ele fascina. Visualmente, é arrebatador, dos efeitos artesanais aos truques de imagem, o cenário e o figurino gótico. Para completar, a trilha sonora de Wojciech Killar é uma das melhores que eu já ouvi na história do cinema. Talvez devesse estar num top de “romance” para dar lugar a algum Kubrick ou Bava, mas o personagem pertence ao gênero, e o filme transcende minhas noções do que me seduz no cinema.

2 - Os Inocentes (Jack Clayton, 1961)
Delirante abecedário do gênero assombração. Jack Clayton cria uma obra fundamentada em sombras, jogos de luz, delírio e sugestão que inclui até um apelo sexual entre uma mulher e uma criança em plenos anos 60. "Os Inocentes" é maravilhoso do primeiro som entoando "Oh Willow Wally" até o último olhar apavorado de Deborah Kerr, incluindo todas as nuances de sombras e castiçais soprando ao vento de uma casa assombrada.

3 - O Exorcista (William Friedkin, 1973)
O supra-sumo dos filmes de terror para 9 entre 10 pessoas que resolvem citar grandes filmes do gênero, "O Exorcista" chocou o mundo pela crueza com que mostrou as atrocidades cometidas contra - e por - uma jovem e o seu corpo. Possessão demoníaca é algo assustador. "O Exorcista" é mais do que cabeças viradas e vômitos verdes. É a sugestão de que aquilo possa ser real e que não há defesa contra o mal absoluto que elevam o filme a um patamar superior.

4 - A Profecia (The Omen, 1976)
Caras... "Ave Satani" é uma música tão assustadora que quando penso em "A Profecia" logo me vem à mente o coro de vozes dessa música demoníaca. Mas tem outras imagens que surgem de cara: os cães selvagens atacando no cemitério abandonado, a cabeça degolada pelo vidro, uma governanta de olhar sêco ao lado de um cão negro. É a personificação do mal absoluto e onipresente.

5 - A Morte do Demônio (Sam Raimi, 1983)
Escatologia extrema, inovação técnica, falta de vergonha na cara em abusar de tudo o que há de mais nojento e sanguinolento. Sam Raimi ficou proibido durante anos na Inglaterra, e em alguns países, continua proibido. "A Morte do Demônio" não assusta como assustava em sua época, mas ainda é um p... filme para ficar em qualquer TOP 10 desse gênero.

6 - O Despertar dos Mortos (George A. Romero)
Escolhi o segundo filme da trilogia clássica do Romero para representar o mestre porque "O Despertar..." se provoca menos medo do que o clássico e mesmo do que "O Dia dos Mortos", é um filme com mais a dizer. Acho que o grande pavor não foram os ataques dos zumbis descoordenados, mas a visão deles se batendo feito bestas nas vitrines de vidro de um shopping, subindo e descendo escadas rolantes, agindo como se estivessem vivendo um dia banal de compras. Se ver na pele deles e perceber como a gente leva nossas vidas no automático é o grande horror.

7 - Um Lobisomem Americano em Londres (John Landis, 1981)
Landis inventou o "Terrir". Dá para rir em "Um Lobisomem Americano em Londres", mas as cenas antológicas do filme são mesmo a transformação e os ataques noturnos do lobisomem em Londres. É um filme curto, mas que responde bem em sua duração. As cenas mais angustiantes são as ambientadas no interior da Inglaterra, cenário desolados, uma mescla de deserto e frio fora da taverna - e dentro dela, mistério e medo. Depois, aquele final deveria ser mais analisado: tudo acontece com tamanha pressa que as pessoas não se dão conta de como landis é cruel e forte no pânico coletivo provocado pelo lobisomem à solta no centro de Londres: cabeças decapitadas picando sobre carros, pessoas amassadas, pisoteadas, membros decepados... Vejo e revejo sempre com prazer.

8 - VIY - O Espírito do Mal (Georgy Kropachyov e Konstantin Yershov, 1967)
Lembrei de cara dos quadros do alemão Bosch enquanto assistia VIY. É uma espécie de quadro surreal, gótico, mescla de fantástico com ingênuo. Aquele inferno liberado na Igreja do interior, na terceira noite de vigília ao corpo de uma bruxa, teria saído da mente de Bosch se ele contasse a história. A história, aliás, é de Gogol, conto de terror popular na Rússia. Mas a quantidade de criaturas infernais saindo pelas paredes, escorregando pelo teto, mãos se movendo do chão... "VIY", eu já escrei na crítica ao filme, não assusta, mas fascina. Parece um conto de fadas contado às avessas.

9. Carrie, a Estranha (Brian DePalma, 1976)
Magnífica declaração de amor do DePalma ao cinema, tem uma virtuose única na construção de um caminho irremediável, aquele que descamba no baile. Tudo é sutil até lá, tudo é marcado por um estilo muito único, por elementos separados que se interagem em um soco – a trilha é composta basicamente, nos principais momentos, de um “grito” seco que anuncia elementos importantes nessa história de horror paranormal. Mas nada se compara à cena do baile. DePalma eleva tanto sua importância que divide a tela para mostrá-la melhor, e aqueles olhos claros envoltos por sangue demonstram tanta ausência de vida que marcam na memória.

10 - Poltergeist, o Fenômeno (Tobe Hooper, 1982)
Depois daquele palhaço, escondi os brinquedos do quarto quando era criança. Todo aquele clima de melancolia e tranqüilidade de uma pequena cidade do interior norte-americano no começo dos anos 80, marcado pelas citações do cinema daquela época presentes no quarto de Robbie, a trilha angelical de ninar e, de uma virada, espíritos descendo escadas, cadeiras empilhando-se, gélidos ventos demoníacos, uma médium tão assustadora quando os fantasmas que vivem na casa. “Poltergeist” marcou a infância e continua marcando hoje.

Só para complementar
11 - O Iluminado (Stanley Kuybrick, 1980)
12 - A Máscara do Demônio (Mario Bava, 1960)
13 - O Enigma de Outro Mundo (John Carpenter,1982)
14 – Nosferatu, o Vampiro da Noite (Werner Herzog, 1979)
15 – Os Outros ( Amenábar, 2001)

Código de Conduta (F. Gary Gray, 2009)

2009-12-09T19:41:00.000-02:00

Existe algo no cinema chamado "suspensão da descrença". Significa que o público se despe de toda a descrença no que acontece no filme e aceita até o que há de mais espetacular, em uma espécie de “pacto informal” estabelecido de forma natural entre o objeto fílmico e o público. Quando esse pacto acontece naturalmente, quando o público “compra” aquilo que acontece na tela, o primeiro passo para que o filme funcione já foi dado. Em “2012” nós compramos a idéia de que neutrinos estão elevando a temperatura do centro da Terra e o planeta está para ser “destruído”. Se isso não funcionasse, todo o resto iria por água abaixo. Nem toda a suspensão da descrença, no entanto, é capaz de justificar o que acontece em "Código de Conduta". O filme de F. Gary Gray começa bem, muito bem, mas se perde quando se apequena em suas idéias e nivela tudo por baixo – e tenta se resolver jogando elementos do nada que, justamente, atentam contra esse “pacto”. Pior: ele realmente acha que está discorrendo sobre um assunto que vá gerar um bate boca entre as pessoas.
Butler e Foxx conduzem o filme de forma desigual – Foxx meio desinteressado em um personagem que é tensão constante, e Butler relaxado em um personagem que é desinteresse aparente. Butler sai ganhando longe – ele é o homem que vê esposa e filha serem assassinadas, vê o assassino sair livre e dez anos depois promove um auê do cão para punir os envolvidos, em um plano misterioso que inclui entregar-se às autoridades e ser preso. Seu objetivo: punir o sistema e quem faz o sistema, mostrar que ele é falho, não funciona, é um tiro no pé.
Esse papo de que "o filme nos faz pensar" é balela. Primeiro por que a situação exposta não é novidade - e quantas vezes se comentou sobre até que ponto a justiça é, enfim, justa? Depois, porque o roteiro de Kurt Wimmer extrapola a tal ponto as ações de seu protagonista que o transforma no vilão da história, e nem a lembrança da esposa e filha conseguem tornar seus atos justificáveis. No máximo, a presença de Butler no papel pode fazer com que a platéia simpatize com seus gestos. Fosse um ator menos carismático, seria um vilão com atenuantes, no máximo. Mas o perfil do personagem muda de uma hora para outra - um simples engenheiro pai de família repentinamente se torna um gênio, onipresente. A sutileza dá adeus, a necessidade da pirotecnia e do clímax explosivo suplantam as boas intenções e o minimamente aceitável dentro da realidade vai pelos ares.
“Código de Conduta” tenta mostrar uma situação em que não há posições aparentemente corretas e erradas. Acaba por defender que o pai justiceiro possa ter razão e justificar seus atos com o "olho por olho, dente por dente". No início, até funciona, a platéia compra o seu lado da história e vibra, mas quando ele passa a apontar seus olhos para "todo o sistema, para todo mundo" se torna um louco que, enfim, não tem mais nada a perder (afinal, já perdeu tudo). Deixa de ser justificável - e o roteiro, então, premia o lado correto da história em seu desfecho.
O melhor filme de Gray ainda é "A Negociação". Lá, as nuances do roteiro contribuíram para que o filme se tornasse uma pequena jóia. Aqui, elas deixam clara que as intenções foram maiores do que as preocupações com a verossimilhança. Agrada quem busca um bom entretenimento, mas não sobrevive em suas idéias a uma análise isenta de emoções.
No fim, falta empatia aos dois personagens, e sobra desinteresse. Não é isso que se buscava. Mas se tudo o que acontece no filme for suficiente para que um pai ausente possa, enfim, assistir ao recital da sua filha, então tanta morte terá valido para alguma coisa, afinal (sim, é ironia).

500 Dias com Ela (Marc Webb, 2009)

2009-11-29T09:20:00.000-02:00

A grande merda do amor é que ninguém nesse egoísta mundo está imune a tal. Pode ser num café, ônibus, numa livraria ou até mesmo em uma zona, apenas uma fração de segundo e você pode ser infectado por essa doença crônica. Para alguns é apenas sorte ou coincidência, já para outros é um ato de algo muito maior por trás. Achar a alma gêmea seria um acontecimento regido pelas mãos do destino.

Tom Hansen acredita na segunda opção. Extremamente influenciado pela música pop britânica e por uma má interpretação de A Primeira Noite de um Homem, ele acredita que seria somente feliz quando encontrasse a mulher de sua vida, aquela que mudasse seu coração para valer. No extremo oposto disso está Summer Finn, uma apaixonante morena de olhos azuis perfeitos que simplesmente não crê no amor eterno. Seu desejo é aproveitar a vida sem se prender a algum namorado ou algo similar. Tom e Summer irão se encontrar, mas você deve saber que esta não é uma história de amor...

Indo na contramão do senso comum sobre romances, Marc Webb estréia na direção de longa-metragens em 500 Dias Com Ela. Seu trabalho aparenta ser apenas uma comédia romântica descompromissada, um filme normal do gênero. Longe disso. Mesmo com momentos engraçados, o filme é uma ode ao ato de amar. Não, não é aquela coisa feliz, certinha, uma história de amor recíproco, bem pelo contrário. Ok, você irá rir em alguns momentos, mas na maioria vai se segurar e encher os olhos.

Detalhe da camiseta: Love, love will tear us apart, again...

A narrativa é meio deslinear, meio porque apesar de seguir uma linha do tempo (se conhecem, primeiro beijo, começam a sair juntos, etc.), a história já começa pelo final. Summer dá um pé na bunda digno de medalha e Tom entra na fossa pós-término de relação. Um marcador situa o espectador entre os quinhentos que ele passa com Summer. Para se ter uma idéia, o filme começa no 290º dia, logo após ela falar “acho que devemos parar de nos ver”. A trama é praticamente uma revisitação do relacionamento.

E quem vive intensamente e insanamente esse relacionamento é Tom, interpretado Joseph Gordon-Levitt. Desde que começam a ficar juntos, Summer (a linda Zooey Deschanel) deixa claro que não quer namorar, não quer se prender a alguém em um compromisso. Ela adora sua liberdade e quer somente algo casual. Mesmo assim ele aceita, pois já estava enfeitiçado há tempos e dá um show a parte na atuação.

Outro ponto interessante de 500 Dias com Ela é a trilha sonora. Combinando perfeitamente nas cenas, a trilha varia entre The Smiths e Wolfmother até Carla Bruni, Feist e Simon and Garfunkel. Aliás, a tetéia da Zooey Deschanel faz um cover da “Please, please, please, let me get what i want”. Para quem não sabe, a atriz e o produtor M. Ward mantém um dueto indie chamado She & Him. Além dos vocais, ela demonstra seus talentos no piano e banjo nas agradáveis músicas da dupla.

Um bom exemplo de como a música casa direitinho com o que se passa no filme é a seqüência em que Tom vai até o apartamento de Summer meses depois de terminarem. Um dos ápices e ponto de virada do plot, a tela é dividida duas, mostrando as expectativas de Tom com o encontro e o que acontece na realidade. Ao fundo somente o piano e a voz de Regina Spektor, com o refrão “i’m the hero of the story, don’t need to be saved”, até o mundo literalmente se apagar. Nada mais coerente, depois de uma situação dessas a vontade é de sumir do mundo, passar uma borracha em cima de tudo e todos. Uma cena simples, mas com um resultado belissimamente avassalador.

São várias as cenas e momentos memoráveis: a engraçada homenagem a clássicos como “Acossado” e “O Sétimo Selo”, a bebedeira no Karaokê, brincando de casal feliz na loja de móveis, a seqüência da dança logo após a primeira noite juntos (muito bem bolada, diga-se de passagem), o reencontro no trem (o poder da trilha sonora novamente), todas dignas de destaque.

Mas o fim chega e você foi avisado, lá no começo de tudo, que essa não seria uma história de amor e sim sobre amor. A arte normalmente imita a vida, com a diferença que nela as coisas nem sempre saem conforme o esperado. Misturando humor e sensibilidade com várias referências pop, 500 Dias Com Ela é um dos destaques do ano. Mas no fim de tudo é um filme comovente, até porque todo mundo já teve seus dias de Tom.

A vida é como as estações do ano. Passando bons ou maus bocados, amores e desamores, dores e felicidades, enfim, não importa o que aconteça, depois do verão sempre têm o outono. Tudo passa, seja por culpa do destino ou da coincidência.

PS: o autor promete para si próprio ficará meses sem assistir romances, por enquanto chega desse gênero ingrato. Além disso, pretende começar uma maratona Stallone-Schwarzenegger-Bronson regada a torresmo e cerveja.

Bastardos Inglórios (Quentin Tarantino, 2009)

2009-11-23T19:49:00.000-02:00

Da mistura entre o western spaghetti e os clássicos de John Ford, dos filmes “B” dos anos 70 com clássicos do cinema mudo mais uma pitada de auto-referências, citações diretas a filmes sobre missões de guerra com um pouco de metalinguagem e uma porção generosa de brilhantismo, tudo batido no liquidificador, surgiu a matéria prima de “Bastardos Inglórios”.
Em seu conto de guerra particular, Tarantino está fazendo o que sempre fez: uma salada de frutas monumental de citações e elementos distintos desfilando pela tela em uma tour de force que não se prende a gêneros, a convenções nem à realidade. E, sobretudo, Tarantino está mostrando que entende como poucos de algo chamado “cinema”.
A história de vingança protagonizada por um grupo de soldados judeus atuando no interior da França, de uma judia francesa e de um nazista caçador de judeus é um background de luxo, uma desculpa para Tarantino homenagear mestres do cinema – e o próprio cinema – e dar uma aula de construção de sentidos. Desde a primeira cena, o diretor desfila seu estilo baseado nos diálogos e no controle do espaço em situações tensas. A genialidade de Tarantino também é entender que é preciso fisgar o espectador tirando de seus protagonistas a infalibilidade. O público sente isso antes de o filme chegar em seu clímax apoteótico, o que reforça as emoções de quem está sentado nas cadeiras: logo se aprende que ninguém ali está livre de ser limado do filme de uma hora para outra, nem mesmo seus personagens principais. Isso amplia a tensão em momentos chave - praticamente todos aqueles em que aparece a figura do coronel Hans Landa de Cristoph Waltz (um oscar, por favor?), ameaçador em sua calma controlada.

Essa construção de sentidos é realçada pelo uso magistral da trilha sonora, um dos diferenciais de todos os filmes de Tarantino. Aqui, a trilha amplia a imersão do público em seu universo particular, surge ensurdecedora, antevê momentos chave e, quando necessário, cessa de forma abrupta. Trabalha a antecipação e suga ao máximo a atenção do público, sem pressa. Quando tudo explode, explode em alto e bom som. Para “Bastardos...”, ele quis Morricone, mas o italiano não pôde trabalhar no filme. Apelou então para outras pérolas... abre o filme com a trilha de Tiomkim para “O Álamo”, de 1960... amplia essa imagética com a trilha de "O Dólar Furado" e ecos de westerns "B" italianos. São pontas da principal inspiração do diretor, os western spaghetti, que surgem a todo momento na tela. Escalpos, botas se arrastando pelo chão, até mesmo um saloon travestido em uma taverna, a trilha melódica, o assovio arrastado, o solo de cordas - e a obsessão do diretor por pés. E Brad Pitt, então, parece um dos cowboys saídos dos westerns de John Ford, uma versão exagerada do sotaque de John Wayne. Todo o caldeirão de referências está ali, à disposição para as brincadeiras e ao mesmo tempo para as reverências ao cinema em si. A mescla de Tarantino se dá entre essa vertente marginal do maior dos gêneros americanos e a vertente dos filmes de missões de guerra, que tem "Os Doze Condenados" e "Canhões de Navarone" como exemplares máximos.
Tarantino faz sua declaração de amor ao cinema explicitamente. "O Corvo" de Clouzot é retirado de cartaz no cinema de Paris para dar lugar a "O Triunfo da Vontade" de Riefenstahl. Há citações a "O Garoto" e "King Kong", a Max Linder e Emil Jannings, ao genial GW Pabst, diretor de "A Caixa de Pandora". Há referências visuais a “Rastros de Ódio” na cena inicial, em que Shosanna foge e é vista através da porta, e citações explícitas a “O Homem que Sabia Demais”. Em suma, cinéfilos têm um deleite assistindo “Bastardos Inglórios”, se reconhecerem essas citações.

E a partir do momento em que um cara como Tarantino escreve “Era uma vez...” prepare-se: você verá a história como esse cara acha que ela deveria ter sido escrita – e Eli Roth, ele próprio um judeu, intérprete do bastardo Donny, deve ter sentido um prazer sádico em filmar a cena final de seu personagem em um camarote de cinema em Paris. Boa parte do público levou a sério demais o novo filme, que é uma brincadeira divertida e sem compromissos de um mestre, uma sátira feita com prazer em seu discurso do primeiro ao último minuto. Poucos filmes podem ser resumidos tão bem pela primeira e pela derradeira frases: “Era uma vez...” e “... acho que esta é minha obra-prima”. Um viva à paixão de Tarantino pelo próprio cinema, e à sua obra-prima.

Distrito 9 (Neil Bloomkamp, 2009)

2009-11-16T23:39:00.000-02:00

Boa parte do "auê" em torno do filme de estréia de Neill Bloomkamp gira em torno da mistura entre uma certa quebra de convenções de seu filme e a busca do pela sensação de realismo. Mas a câmera tremida, o visual documental, nada disso é novidade no cinema em si, só ele é usado, em “Distrito 9”, para conferir uma autenticidade suja ao projeto, que não se esgueira pelos caminhos da ficção tradicional. A maior prova disso é que o pontapé inicial do grande tema do filme, a chegada de uma nave extraterrestre à Terra, não acontece em Washington, Nova Iorque ou Los Angeles mas na povoada Johannesburgo, capital da África do Sul.
Meses depois de uma espaçonave estacionar nos céus sobre Johannesburgo, e nada acontecer, os humanos decidem invadir a estrutura e encontram, lá dentro, extraterrestres à beira da inanição, muitos mortos. Eles são levados para o planeta e concentrados em um bairro denominado Distrito 9. Vinte anos se passam, e a presença de extraterrestres – apelidados de “camarões” – já se tornou um mal na sociedade de Johannesburgo. O distrito 9 se tornou uma grande favela, e os aliens são uma espécie pária, culpada pelos problemas sociais na cidade. E aí o discurso se afina naquele papo de segregação racial, do tipo “Aliens dêem o fora daqui” que se nivela com várias demonstrações do tipo mundo afora. Bloomkamp então alterna seu roteiro para uma situação que expõe o seguinte: e quando você, de repente, passa a fazer parte do grupo segregado?
Bloomkamp cria um discurso acerca de preconceito e discriminação racial englobando todas as raças em uma só. Os alienígenas representam todas as raças discriminadas do mundo, e o tapa na cara não é dado nos Estados Unidos, como alguns defendem, mas na própria África do Sul, que durante anos praticou a segregação racial pelo Apartheid. Bloomkamp cresceu nesse meio e os reflexos surgem no filme.
Os 30 milhões de dólares do orçamento foram sustentados pelo aval de Peter Jackson, diretor de “O Senhor dos Anéis”, que apostou no estreante Bloomkamp. Se deu bem. O público se dividiu na recepção ao filme e suas explicações picadas, tom de documentário disfarçado, imagens amadoras, o implacável “breaking news” rompendo na tela. É a reinvenção dos filmes que fazem uso da estética “amador falsificado” para ampliar emoções, sem novidades reais, mas reunindo elementos comuns ao gênero inseridos em um contexto que o faz fugir do lugar comum. Só isso já seria mérito suficiente para reconhecer o filme como um sopro de criatividade em 2009.

A Morta Viva (Jacques Torneur, 1943)

2009-11-08T18:03:00.000-02:00

Martin Scorsese já chamou cineastas como Jacques Torneur de “Contrabandistas”. Se especializaram por criar tensão e medo mais pela sugestão do que pelo visual – a sequência da piscina, em “Sangue de Pantera”, do próprio Torneur, é um bom exemplo. Spielberg fez uso da lição duas décadas depois com “Tubarão”: como o tubarão mecânico do filme tinha sérios problemas, Spielberg contornou tudo usando mais a sugestão do que mostrando o bichão, que só aparece lá depois de uma hora de filme. Funcionou bem demais. No caso de Torneur, a falta de recursos fazia parte da cartilha, mas é do próprio diretor trabalhar a sugestão, as sombras, a sensação do que está lá, e não a visão. E, pqp, Torneur filmou o preto e branco como poucos conseguiram fazer nesses pouco mais de 100 anos de cinema.
“A Morta Viva” tem um título nacional simplório demais, prefiro o original (“I Walked with a Zombie”, que é também a primeira fala do filme) – e uma duração idem, apenas 68 minutos. Mas são 68 minutos de uma lição preciosa na criação de clima, na condução de personagens por caminhos dúbios, principalmente na arte de filmar contrastes, sombra e luz, preto e branco, sombras que se movem, vultos que surgem do nada. A tensão não vem do medo em “A Morta Viva”, mas de todo o ambiente e dúvida entre o que é real e o que é imaginação, entre ter fé ou aceitar a falta dela. Da mistura do tétrico e do belo. A cena do canavial é uma das coisas mais lindas e tétricas de sempre do cinema, a enfermeira puxando pela mão uma zumbi (o termo nos anos 50 é encarado de forma diferente do que seria a partir de Romero em 1968) por um canavial, rumando a um centro de vodu, e encarando os olhos arregalados e sem vida de Carrefour, uma sombra de dois metros de altura contra a lua. Há um “quê” de falta de realidade em toda a história ambientada nas Índias Ocidentais, uma terra domindada pela superstição, pela bruxaria, pela tragédia meio grega de uma família desregulada. Torneur falha muito na construção dos personagens, já que as relações deles são tão superficiais que chega a constranger – as relações de amor, ódio e conflitos são muito rasos – mas tudo se desenvolve por meio de uma aula de direção e fotografia. Os tambores que ecoam ao longo do filme permanecem batendo um bom tempo na cabeça. O que fica dessa aula do Torneur é mesmo sua precisão técnica. Poucos filmaram como esse francês...

Um Certo Capitão Lockhart (Anthony Mann, 1955)

2009-11-07T11:03:00.000-02:00

A mais bonita das cenas deste “The Man From Laramie” não faz uso de outros elementos abundantes usados por Mann neste filmaço – o uso absurdo da tela larga, os movimentos de câmera que acompanham os personagens como se fosse um observador constante e invisível – e é de uma simplicidade atroz: Bill Lockhart enxerga o homem que matou suas mulas e queimou suas carroças chegando à cidade. Parte decidido em direção à ele, e a câmera inicia um movimento que o acompanha, enquanto ele cruza a cidade. Ela parece fugir dele, mas ele aos poucos se aproxima dela, enquanto o resto da cidade fica petrificada, observando. Os trejeitos, o modo de andar, a trilha sonora, a composição e o próprio movimento são uma lembrança de outra cena icônica do western, quando John Wayne faz o mesmo movimento para encontrar seu filho adotivo, a quem jurou vingança, em “Rio Vermelho”. Mann homenageia Ford usando Stewart que homenageia Wayne. Maravilhoso.
O que faz de “Um Certo Capitão Lockhart” o melhor western de Anthony Mann, e um dos grandes westerns do cinema, é a maturidade narrativa e de idéias somadas à uma realização brilhante tecnicamente. Mann transporta "Rei Lear" para o oeste com um discurso invejável de sobriedade. Poucos westerns dão tamanha atenção aos dois lados de sua narrativa com tamanha segurança – mesmo dividindo as atenções com seus coadjuvantes, Stewart segue sendo o elo básico do filme, mas ao público, o diretor dá o direito de conhecer intimamente o modo de pensar de protagonistas e supostos vilões em sua intimidade e seu dia a dia. Isso permite conhecer a forma de pensar de Alec, dono do rancho Barb, seu filho de sangue e seu “filho” adotivo, que travam um duelo implícito pelo direito de herdar o rancho. Lockhart, o estrangeiro que chega à cidade buscando homens que venderam armas aos Apaches da região – os mesmos que chacinaram uma patrulha onde o jovem irmão de Lockhart estava – é o palito de fósforo que pode acender e explodir o barril de pólvora.
Não é um filme feito para o formato 3:4 redutor da televisão – nem imagino como um filme assim pudesse ser exibido sem seu formato original – porque Mann usa o canto de sua tela para jogar seus personagens e, nos 90% restantes dela, desnudar a paisagem, elemento tão importante quanto eles em suas narrativas. Também é genial como os apaches rondam toda a narrativa e marcam presença forte na construção do clima sem surgirem na tela em quase todo o filme. Aqui, as justificativas se cruzam, de cada lado, para a construção de uma tragédia shakespeariana e momentos de suspense digno de Hitchcok, quando o encontro com os Apaches finalmente se aproxima. A crueza no tratamento da história também chocou algumas platéias da época, como o tiro dado à queima roupa na mão do herói, mas é somente um elemento a mais. “Um Certo Capitão Lockhart” é belíssimo e forte em conteúdo. Assim como chegou, sem aviso, o herói de Stewart parte deixando assuntos incompletos, uma constante nos heróis dos westerns de Anthony Mann. Nenhum deles, porém, chegou ao nível desta obra-prima.

PS: Será que o responsável pela tradução do título, na época, pensou em “Um Certo Capitão Rodrigo”, de Veríssimo?

Fuga do Século 23 (Michael Anderson, 1976)

2009-11-06T21:18:00.000-02:00

A idéia geral que move “Logan’s Run” é mais poderosa do que a canastrice dos efeitos, principalmente o confronto com o robô no gelo assim que ocorre a fuga da cidade. Michael Bay bebeu litros e litros do barril mal conservado deste filme para filmar “A Ilha”, mas se a madeira é velha e mal conservada, o líquido é saboroso. Ele pode resistir a qualquer efeito especial tosco, a qualquer representação datada ou teatralidade se for analisado pelo seu conteúdo, e não pela forma.

O filme de Anderson é elogiável por entender que quando se fala de um futuro pós-apocalíptico, a presença de ícones facilmente identificáveis facilita, e muito, a absorção da platéia no interesse do filme. E vemos Washington tomada de mato e ruínas, o capitólio destruído e a Biblioteca do Congresso ser, num misto de ironia e esperança, a residência do velho sobrevivente: em meio a livros, quadros, fotografias e toda a sabedoria do “velho mundo”, reside a única esperança de que alguém um dia se lembre disso. Na sociedade do futuro, todos vivem somente 30 anos, até passarem por um processo de “renovação” em uma cerimônia conhecida como “carrossel”. Mas alguns sabem que por trás disso existe uma outra realidade. A fuga dessa sociedade não é permitida, e para impedir isso existem os patrulheiros, como Logan. Logan, que descobre que tudo é uma farsa, a renovação é a morte e existem sobreviventes fora dos muros hermeticamente fechados da sociedade inodora onde vive.

É saboroso caminhar pela Washington devastada e ouvir o velho sobrevivente afirmar que “vivíamos nessas casas, em grupos, várias pessoas, mas acho que elas se tornaram pequenas demais para nós.” É a idéia de “Fuga do Século 23” que sobrevive e voa mais alto do que a precariedade da produção e deve ser sempre lembrada.

Razão e Sensibilidade (Ang Lee, 1995)

2009-11-06T09:18:00.000-02:00

É ótimo ver que todo o frescor da adaptação dos sempre sisudos romances de Jane Austen não tenha sido apenas saboroso de assistir em seu lançamento, mas parece ter ficado ainda melhor depois de mais de 10 anos. É quase absurdo como o filme de Ang Lee, na verdade, é uma espécie de novela, um dramalhão onde tudo se concentra em ditos e não ditos, em fofocas, pessoas que se intrometem na vida alheia, o rigor e a supervisão de uma sociedade fuxiqueira intervindo na vida das pessoas. Absurdo porque é delicioso de se assistir, e tão simples que chega a irritar a forma como Ang Lee desfila esse rosário de pequenas histórias e personagens de forma tão natural.
O mais genial em “Razão e Sensibilidade” é como o filme se sustenta em uma espinha dorsal chamada Emma Thompson ( autora do roteiro oscarizado ) e nela se apóia um elenco brilhante. Ela é a mais velha de 3 irmãs, que junto com a mãe é obrigada a abandonar a propriedade onde moram quando o pai e esposo morre. O filho do primeiro casamento herda a propriedade e influenciado pela esposa não tem intenção de ajudar sua meia-família. Em uma sociedade que sobrevivia graças à aparência e ao dinheiro, 4 mulheres pobres não constituem um panorama muito otimista. Os floreios dos homens que surgem na vida delas, as tramóias sociais envolvendo aparências e a busca pelo casamento e o amor movem toda a narrativa, como um típico drama da época folhetinesco, mas contado ao mesmo tempo com uma sinceridade comovente aos costumes opressores de uma sociedade material ao mesmo tempo que injeta uma visão moderna de ver as relações. O melhor é a forma como Elinor, a personagem de Thompson, estabelece um diálogo de austeridade com a platéia: a emoção reprimida, as aparências, a doação e a entrega, sempre seus sentimentos em último lugar, sempre as verdadeiras emoções represadas, escondidas. Toda essa construção explode de forma climática no soluço de emoção contida mais genial da história do cinema – e quem diria que o ponto alto de qualquer carreira poderia ser um soluço de emoção reprimido? Lee represa tanto as emoções ao longo de seu filme que quando essa manifestação acontece, o nó na garganta se estende à platéia de imediato. De longe, é o melhor filme baseado na obra de Austen e uma das grandes obras dos anos 90.

PS: Não me repreendo por dar tantas notas máximas a tantos filmes – o rigor de análise às vezes obscurece o mais notável no cinema, que é justamente nos absorver para dentro da tela, e tenho visto muitos filmes assim. Aliás, parei de me preocupar e passei a amar o cinema já há muito tempo.

Cinzas no Paraíso (Terrence Malick, 1978)

2009-11-03T19:51:00.000-02:00

Terrence Malick conversa com o pôr-do-sol, qualquer um que surja, para traçar um pacto de admiração mútua: o contraste das cores quentes do sol gostam dos significados que Malick busca, e Malick gosta de tudo aquilo que os contrastes de silhuetas e o sol podem dizer. Afirmar que "Cinzas do Paraíso" é um filme que faz o estilo "a fotografia é o filme", como vi um blogueiro comentar reduzindo a obra-prima de Malick, é admitir que não viu nada que o recluso diretor - o mais singular da geração dos anos 70 nos Estados Unidos - fala ao longo do filme.

"Cinzas do Paraíso" é absurdamente bonito - mas por trás da beleza ainda há todo o discurso de Mallick sobre a pequenez do homem frente a si próprio e principalmente, frente à natureza. Ele já havia usado parte desse discurso em "Terra de Ninguém", recuperou ele em "Além da Linha da Vermelha", reciclou em "O Novo Mundo", mas em "Cinzas do Paraíso" ele atinge o grau absurdo do ápice de sua carreira. Maick permaneceu 15 anos recluso depois desse filme. Eu ficaria também, pensando em de que outra forma discursaria sobre qualquer tema de forma tão simples e tão apaixonada. Uma visão moderna sobre a marcha constante de quem não tem nada em uma América que gosta de prometer tudo mas não honra sua palavra, "Cinzas do Paraíso" bebe de parte do sentimento que Steinbeck impregnou cada página de "As Vinhas da Ira", mas com uma dose maior de amargura. Malick não vê muitas possibilidades de redenção e sucesso para o homem, sempre pequeno - seja na sociedade industrial, suja, barulhenta e poluída das grandes cidades, seja na vastidão dos campos, onde ele ( o homem ) literalmente desaparece.

Terrence Malick conta sua história em fragmentos de narrativa, dispersos, que às vezes parecem sem sentido. São partes de vidas comuns. Seus personagens são pessoas como quaisquer outras, e suas vidas não são uma história de cinema, apesar de parecer um dramalhão. São três personagens centrais, um triângulo amoroso improvável - um homem e uma mulher sem lar e sem trabalho fixo, que fingem ser irmãos, e o fazendeiro rico, tímido e solitário que se apaixona por ela. O amante, um trabalho contido e excelente de Richard Gere, empurra a jovem para os braços do fazendeiro. Ela se divide entre sua "família" errante e um homem amoroso e sensível. Conflitos surgem de todos os lados, e quem narra tudo é a menina que acompanha a dupla de refugiados.

É um conto de amor e (falta de) moral narrado pelas paisagens, pelo choque de valores, de posições sociais, pela falta de perspectivas de sucesso, que sempre parece longe, mesmo quando ele está ao alcance.Pela fotografia de Nestor Almendros e a trilha triste, depressiva e bela ( tudo ao mesmo tempo) de Ennio Morricone - que ganhou aqui a primeira indicação ao Oscar - "Cinzas do Paraíso" é um vértice muito pequeno onde afloram diversos sentimentos, mas onde poucos conseguem cruzar. Não explode de emoções... é uma corrente de sentimentos reprimidos do estilo que só Malick conseguia filmar. Seus protagonistas estão sempre buscando um rumo, e nunca o encontram. A grande casa da fazenda, imponente em uma paisagem sem marcos, parece uma fortaleza mas no fundo é um símbolo de fragilidade, de pura aparência. Seus moradores se tornam pequenos pontos nas paisagens e são sempre derrotados pelo meio.

Um filme para fazer sentido quando visto mais de uma vez, e cujos frames poderiam ser congelados e pendurados em uma parede: poucos conseguiram fazer tanto sentido com tanta beleza nesse discurso "homem x natureza x si próprios"...

Prelúdio para Matar (Dario Argento, 1975)

2009-11-03T10:33:00.000-02:00

Argento conversa diretamente com o público através das imagens, e evocado pelos ecos de significados de algumas passagens de “Prelúdio para Matar”. Não é acidental que toda a resolução da trama – e eu não incorro em erro nenhum afirmando isso, porque não estraga a resolução da trama a quem não viu – se esconda por trás da bidimensionalidade oferecida por um espelho – pela própria tela do cinema, também – que ofusca a percepção de seu protagonista. O jogo de subjetivismos, percepções, sensações jogadas de um lado a outro – ora como assassino, ora como observador, apenas visualizando um ambiente silencioso quando postos como vítima – fazem do espectador uma marionete. Fazer cinema, para Argento, é também jogar com essa bidimensionalidade que nós vivenciamos em cada filme, de enxergarmos o mundo através de um plano bidimensional, não percebermos a profundidade das coisas senão pelos artifícios da técnica, de sermos enganados – ou não – a cada frame somente pelos caprichos de quem responde pelo que acontece em frente à tela. Argento brinca conosco do início ao fim de “Prelúdio para Matar”, inclusive apresentando a falsa idéia de que ele pode estar apenas exercitando um genial domínio da forma. No fim, ele afirma que a forma é meio essencial para enclausurar conteúdo.
Há um outro momento em que ele conversa com o público, logo em seu início, quando o protagonista, Marcus, afirma que busca algo mais sujo, mais distorcido dos padrões, por mais que o reto, correto e bem feito seja magistral. Ele afirma, ali, que estará levando o público a uma viagem distorcida segundo os seus critérios. E os critérios de Argento são, visualmente, um delírio, expostos por ângulos inusitados, composições de cena intrincadas, jogos de espelhos, de reflexos, exploração da profundidade de campo...
Tulard afirmou que Argento filmava cenas intrincadas e sem sentido, e era um autor de novelões notáveis. A seu jeito, Tulard definiu bem o autor, com simplicidade. É fácil concordar com o francês quando se refere a alguns elementos que surgem meio despropositados, mas a mim fala mais alto a capacidade de Argento brincar de forma doentia com o poder do cinema de criar sensações. Faltou a Tulard afirmar que as cenas sem sentido de Argento se completam como um produto autoral igual a poucos surgidos nas últimas décadas – ignore se alguns elementos da narrativa surgem meio despropositados, ou se a coincidência é a mãe da resolução de aspectos importantes da trama. A Argento interessa apenas se alimentar de suas obsessões para transformá-las em composições primorosas e regurgitar tudo em cima do público. “Prelúdio para Matar” é um delírio visual.

Halloween (John Carpenter, 1978)

2009-11-01T20:36:00.000-02:00

Pode soar brega, mas achei que o 31 de outubro era uma boa data para rever, depois de muito (muito mesmo) tempo "Halloween", do mestre Carpenter. Especialmente porque eu queria confirmar algumas lembranças que eu tinha: lembrava da citação absurdamente direta de Carpenter a "O Monstro do Ártico", que passa na TV na madrugada de Halloween, e recebe generosa dose de atenção do roteiro ( ele o refilmaria no projeto seguinte a este ). Também lembrava que eu havia passado o filme inteiro procurando por aquela máscara branca em algum canto escuro da tela, aqueles olhos escuros, sem vida. A última lembrança era a imagem do vulto de Michael Myers parado em frente à casa do outro lado da rua. "Eu vi o bicho-papão, ele está lá fora" era o grito do moleque que a Jamie Lee Curtis cuidava naquela noite de Halloween. Foi uma forma de provar como o que é bem feito acaba marcando muito - mais do que o discurso comum que se seguiu após 1978. Carpenter não inventou o discurso, não criou o slasher-movie, bebeu na fonte dos italianos principalmente, mas fez o seu, particularmente, de uma forma tão apaixonada que "Halloween" permanece o rei do gênero. Essa revisão me fez manter o filme em um patamar alto demais para qualquer filme que reze a cartilha do "homem mascarado assassina jovens com facão". É porque a direção é assinada por Carpenter. Não é qualquer um.
Uma lembrança passou batida, e achei imperdoável: a música. O próprio Carpenter é responsável pela música, e não é exagero dizer que ela corresponde à metade do filme. Não há tons suaves, românticos, lentos, calmos: toda a trilha de "Halloween" é opressora. É como se em plena luz do dia, andando na calçada, algo estivesse prestes a acontecer. E essa construção do suspense pelo suspense, da inevitabilidade, torna o filme uma experiência angustiante. Carpenter transforma, a partir de determinado momento, qualquer frame, qualquer enquadramento de Halloween, um momento à parte, porque ele orienta o espectador a buscar, em algum canto, algum minúsculo raio de luz, em alguma brecha, a máscara branca e os olhos negros de Michael Myers. Tanto exercita a onipresença de Myers em diversas cenas, em algum ponto do enquadramento, observando, silencioso e imóvel, que a impressão é que a qualquer momento ele irá aparecer em uma cena que, no fundo, não há nada. Isso é criar uma expectativa, alimentar suspense, gerar tensão.
Não há uma busca de explicações para razões, não há busca por explicações aos "comos". Repare: em Halloween, alguém sempre observa alguém. E no mais das vezes, somos nós, o público, que observamos um lado ou outro. Somos colocados como os olhos de Myers, só para abandonarmos esse ponto de vista e sermos arremessados para o lado mais fraco, sem sabermos o que vai acontecer. É uma construção narrativa brilhante demais para o que muitos consideram um mero slasher-movie.
"Halloween" é f...

Criando Pixels

2009-10-31T21:00:00.000-02:00

De acordo com o dicionário, vanguarda significa um “agente, grupo ou movimento intelectual, artístico ou político que está ou procura estar à frente do seu tempo, relativamente a ações, idéias ou experiências”. Complementando, também significa quebrar o status quo, dar um passo que mais seria um enorme salto para a humanidade, enfim, revolucionar.

Na década de 80, a tecnologia evoluía cada vez mais, o computador começava a ficar pessoal, ônibus espaciais se tornariam rotina. Era inevitável, praticamente uma questão de tempo, que a computação gráfica passasse a ter um papel cativo na arte do cinema. No campo da animação, foi nessa década que começou um grupo vanguardista que iria mudar permanentemente a história do gênero: a Pixar Animation.

Três pessoas foram essenciais para a criação e o desenvolvimento do estúdio: Ed Catmull, cientista da computação; Steve Jobs, o visionário empresário da Apple; e John Lasseter, animador e diretor. Originalmente, John Lasseter era empregado da Disney, Steve Jobs já ia de vento em popa com sua pequena maça e Ed Catmull procurava especialistas para criar ferramentas para os filmes de George Lucas, na LucasFilm.

Acontece que Lasseter queria fazer o que ninguém queria dentro da Disney: inserir animação 3D nos desenhos animados. Ele via um potencial enorme nisso, sua idéia era explorar a interação entre as técnicas, como no filme Tron, por exemplo. Colocar um fundo movimentado pelo computador e personagens animados a mão era algo que ainda não existia, e ninguém queria tentar exceto Lasseter. Havia o medo de que os computadores substituíssem os animadores, que tirasse o emprego e a utilidade de várias pessoas.

Foi assim que a Disney demitiu o futuro diretor de Toy Story, e foi assim que Catmull o chamou para a LucasFilm. Da equipe de criação foi criada uma subdivisão, que trabalhava com a animação e com a produção de novas máquinas e softwares para aumentar o desempenho, expandir os horizontes e diminuir as limitações. O nome de batismo "Pixar" siginifica ‘criar pixels’ em espanhol e foi dado por causa de computador criado especialmente para animação, transformava imagens em alta resolução para o plano tridimensional.

O produto disso foram os premiados programas Renderman e Marionette. É possível vê-los “atuando” em filmes como Jurassic Park, Star Wars – A Ameaça Fantasma e dezenas de outros mais. Como todos os envolvidos são fãs da animação tradicional, investiram pesado e criaram o CAPS, que trouxe inovações para a animação 2D e pode ser conferida no clássico A Bela e a Fera. Mais tarde, fechariam novamente uma parceria com a Disney.

Mas se tem algo que melhor define o estúdio é a característica de contar histórias. Não são apenas desenhos ou animações bonitinhas que enchem os olhos pela beleza gráfica, são histórias que agradam igualmente tanto adultos como crianças. A cada filme um novo universo é criado, cada personagem tem sua história, tudo e todos são construídos com um cuidado enorme. E sejamos sinceros, quais são os filmes da Pixar que podem ser realmente chamados de ruins? Uma coisa é não gostar de animação (o que é algo bem difícil) e não considerar ela uma arte a altura do cinema convencional por vários motivos, outra coisa é não distinguir a visão, a qualidade e a importância desta. Até porque cinema, como qualquer outra forma de arte, é um modo de expressão, independente o meio por qual esta se propague.

De fato, em tempo de vacas magras nos cinemas, poucos filmes são garantias de diversão e entretenimento. Há tempos não se via uma regularidade tão grande, uma seqüência de filmes tão boa como às obras da Pixar, mais especificamente Ratatouille, Wall-E e Up – Altas Aventuras. Aliás, este último foi a primeira animação em 3D a abrir o festival de Cannes e é forte candidato a uma vaga para concorrer ao Oscar de Melhor Filme este ano, ainda mais com as mudanças nas regras da competição. Seria muito interessante pelo menos a indicação, por mais que a Pixar tenha empilhado estatuetas desde sua criação (vinte e duas exatamente, entre melhor animação, prêmios técnicos e especiais).

Nos próximos anos serão lançadas as seqüências de Monstros S.A., Toy Story, Os Incríveis e Carros, além dos inéditos Newt e The Bear and the Bow. É bem improvável que o nível de qualidade caia, muito pelo contrário, a cada filme as expectativas são superadas. Alguém duvida aonde esse bando de malucos podem chegar? Como diria Buzz Ligthwear: para o infinito e além!

Segue os comentários sobre alguns dos filmes:

Toy Story e Toy Story 2

A história de brinquedos que impulsionou tudo e encantou a todos. Os brinquedos de Andy, liderados por Woody, estavam com os nervos à flor da pele para saber qual seria o novo integrante da turma. Somos apresentados a um dos personagens mais carismáticos que existem: Buzz Lightwear. No segundo filme, um colecionador seqüestra Woody e Buzz vai atrás para salvá-lo. Prende por ser extremamente divertido e foi o primeiro longa de animação computadorizada a ser lançado.

Trailers: aqui e aqui

Procurando Nemo

Um pai desesperado procurando pelo filho no vasto e infinito oceano. Belíssima trama, uma fábula que é capaz de unir novamente uma família. Em termos de ambientalização de cenários, talvez tenha sido o trabalho mais cuidadoso nesse aspecto. Impossível não rir com as várias palhaçadas da Dory, especialmente falando “baleiês”.

Trailer: aqui

Ratatouille

Todo mundo pode cozinhar, era o que dizia o chef Gasteau. Qualquer um mesmo, inclusive um rato metido a gourmet. Além de lindas imagens, como a que ilustra o começo deste texto, também traz referências aos filmes do Sergio Leone: o começo com Remy pulando da janela, idêntico ao começo de Três Homens em Conflito e o momento que ele finalmente enxerga Paris remete muito a cena que Claudia Cardinale entra na cidade em Era Uma Vez no Oeste. E claro, um entretenimento de primeira.

Trailer: aqui

Wall-E

Não é qualquer filme que mistura gêneros como humor, ficção científica, aventura e romance de forma bem definida, que resulte em algo legal. O mundo vira um lixão, apenas Wall-E cuida da limpeza, até que surge Eva, uma sonda mandada ao planeta para detectar vida, por quem nosso pequeno amigo se apaixona instantaneamente. Bastante de Chaplin com um pouco de 2001: Uma Odisséia no Espaço, a trama se desenrola sem diálogos, apenas por expressões e sentimentos de coisas aparentemente sem vida. É de tirar o fôlego e encher os olhos.

Trailer: aqui

Up – Altas Aventuras

A história de Carl, um velinho rabugento que sonhava em conhecer a América do Sul. Como chegar até lá? Simples, amarrando milhares de balões na sua casa. Primeiro lançamento da empresa formatado para os Cinemas em 3D. Seu destaque é uma seqüência de 4 minutos, a passagem de tempo com Carl e sua esposa no começo do filme, que mostra toda a sensibilidade e a habilidade de mexer com os sentimentos do telespectador.

Trailer: aqui

Dead Snow (Tommy Wirkola, 2008)

2009-10-20T22:22:00.000-02:00

Na sinceridade: ninguém assiste a um filme como "Dead Snow" procurando mais do que um terror gore explícito, o que significa que o filme já nasce meio lesado: ele tem um público, e nada mais que isso. Mas tem o mérito de entregar a melhor desculpa de todas: meter uma bala na cabeça e explodir o cérebro de um zumbi já é moralmente NÃO-condenável. O supra-sumo dos atos de barbárie não condenáveis, então, é destroçar um zumbi nazista, benefício duplo para alguém que, por algum motivo, pudesse se sentir mal de arrebentar com algo que já está morto. Tão óbvio que é de surpreender que ninguém jamais tenha imaginado transformar um bando de nazistas fdp em zumbis.

É por essas e outras que os protagonistas de "Dead Snow", um bando de adolescentes num fim de semana de férias em uma cabana nas montanhas, buscando esquiar e transar para passar o tempo, transformam a tela num auê de sangue pra todo lado, com tacos, metralhadoras e moto-serras. Pra aumentar ainda mais a bagunça, tudo é na neve - e aquele mar de gelo branquinho pede pra ser tingido de vermelho - dos humanos ou dos nazistas mortos que vivem no lugar.

Não há méritos maiores em "Dead Snow" do que ver um show gore de primeira - com direito a uma garota com fetiches sexuais bem porcos e cabeças sendo rasgadas com as mãos até o cérebro cair no chão. Demais? O norueguês Tommy Wirkola delira em cima de opções que fazem a festa dos adoradores de um bom terror B trash com alguns recursos - e produz pelo menos uma cena para guardar na memória: a câmera subjetiva de uma garota sendo comida viva. O Fast-forward funcionou em alguns momentos, e o que era um suspense bem controlado descamba para o explícito e perde qualquer sentido de medo: se torna uma brincadeira sanguinolenta. Pelo menos, é honesto: um punhado de gente se divertiu à beça filmando "Dead Snow" e arrancando aplausos do público em festivais do gênero.. e ninguém se sentiu ofendido.

Madre Joana dos Anjos (Jerzy Kawalerowicz, 1961)

2009-10-19T20:18:00.000-02:00

Jerzy Kawalerowicz reconta à seu modo a história das monjas possuídas de Loudun, interior da França, na Idade Média. É uma história e tanto: Aldous Huxley também a recontou em "Os Demônios de Loudun" - e cria a dúvida se as visões da madre superiora não eram fruto de um fermento usado no pão. Para Kawalerowicz, um convento inteiro com freiras possuídas é interessante para trocar idéias sobre outros aspectos. Religião, fanatismo, submissão, especificamente. O único terror que "Madre Joana dos Anjos" provoca é o de se sentir impotente perante o lento processo de queda do padre Jozef, provocado mais pelo seu medo e pela constatação de que toda sua fé pode ser questionada, do que pelo tormento dos demônios que povoam o convento de freiras para onde ele é enviado, no século XVII, com a missão de realizar um exorcismo coletivo e livrar as religiosas, a região e principalmente a madre superiora, Joana. Kawalerowicz pontua o horror de sua temática no confronto entre a fé e a perda da fé, entre compactuar ou transgredir o moralmente correto, entre ser submisso ou contrariar, entre dogmas e vontades, religiões e doutrinas. As possessões a que o padre assiste não produzem efeitos, vômitos, levitações ou qualquer abecedário pós-1973 do gênero, com exceção de uma pequena cena em que a Madre se contorce de costas no meio da Igreja. Na verdade, uma pequena passagem, em que ela diz que "se não pode ser santa, prefere ser amaldiçoada" induz a pensar se os 8 demônios que ela diz possuírem seu corpo são, realmente, produtos da fé ou da imaginação.

Ela, afinal, é quem pergunta: "a fé serve, afinal, para que? Orar, sofrer e jejuar em nome do que?"É essa falta de fé e todo o ambiente que cerca o padre Jozef que o deixa, pouco a pouco, ao ponto de loucura. Uma conversa com um rabino não o ajuda em nada, quando lhe é perguntado "e se o mundo foi criado não por Deus, mas por Satanás?" É a melhor parte do filme, uma discussão teológica e filosófica com altos questionamentos - e é fantástico que o mesmo Mieczyslaw Voit interprete os dois personagens (e a frase "quantas vezes Caim tem matado Abel?" me vem sempre à memória). A tentação sexual, a perversão, a idéia de transgredir ou, mesmo, a idéia de não se preocupar em transgredir são inaceitáveis para o religioso. Ele sucumbe, também, para as próprias dúvidas, para o medo de estar errado. Kawalerowicz cria uma obra opressora, pesada como um menir, mas fluida, onde mesmo os acessórios da trama - como a trama paralela da freira que busca o flerte de um jovem conquistador - parecem ser pequenos elementos de um meio virado às avessas, para tornar impossível ao padre seguir com sua fé inabalável.

E o recurso da câmera subjetiva, usado inicialmente de forma metódica, acaba aumentando á medida que o filme evolui - e nós somos colocados cada vez mais nos olhos e na mente do padre ( o ponto alto dessa sensação é a visão do rosto de Joana e a queda de um barranco ). Kawalerowicz alterna essa subjetividade com primeiros planos opressores e uma profundidade de campo maravilhosa ( em alguns momentos, uma mesma cena, um mesmo frame, registra 2, 3 acontecimentos paralelos com algo a dizer à história ). O melhor filme de possessão da história do cinema? Provavelmente. O horror aqui não existe, ele é imaginado apenas na alma do religioso. Uma aula de deconstrução de sentidos - só para reconstruí-los novamente em um caminho tortuoso que vem da mente do padre para as nossas.

Carl Dreyer, talvez, pudesse percorrer os caminhos propostos pelo diretor discutindo o mesmo tema, mas com profundidade diferente, e provavelmente com um tom mais otimista. Kawalerowicz, um não-católico, não tem medo de apontar as feridas com o dedo.

E Lucyna Winnicka é uma atriz dos diabos, sem trocadilhos.

Deixa ela entrar (Tomas Alfredson, 2009)

2009-10-19T19:50:00.000-02:00

Provavelmente a mais bela história de amor, amizade, devoção, do que diabos queiram chamar a relação entre Oskar e Eli -um dos melhores filmes sobre vampiros do cinema, uma das mais tocantes histórias sobre crianças já feitos, um mar de citações ou misturebas... que seja, quaisquer desses adjetivos “mais isso” ou “mais aquilo”. Ou, resumam: "Deixa ela Entrar" é um dos filmes do ano. No filme de Tomas Alfredson, a inocência se traveste de falta de noção de perigo, de ausência de responsabilidade, do senso entre o certo e o errado. O diretor nos torna cúmplices de uma linha que tem de um lado o aspecto moral, e de outro o sentimental. Na trajetória de Oskar e Eli, um não pode conviver com o outro ( a moral e o sentimento). O mais incrível de tudo, é que não conseguimos optar entre o sentimento e a moralidade.

Nossos protagonistas são crianças – ou, pelo menos, têm a aparência de crianças. Oskar, o garoto de 12 anos com problema de bullying na escola, age como uma criança deslocada a ponto de jamais temer Eli, a vampira com aparência de 12 anos – e o cansaço de alguém muito mais velha – que se muda para o apartamento ao lado e acaba descobrindo em Oskar um novo sopro para continuar em frente.Oskar não sente medo de Eli, um sentimento típico de crianças, mas a dubiedade entre a real idade de Oskar e a verdadeira idade de Eli, presa em um corpo de criança, cria uma tensão sexual que nunca é forçada, sempre soa espontânea, verdadeira, tocante. Curiosamente, à medida que ele cresce, ela parece se tornar mais criança. Um completa o outro – e ambos dependem um do outro – à medida que o filme avança, até eles se tornarem uma espécie de personalidade única. Oskar ajudará Eli a lidar com a solidão, e Eli ensinará a Oskar preciosas lições para crescer e enfrentar seus demônios.

De ambos os lados, Alfredson aponta que, para poderem ir em frente, ambos precisam passar ou literalmente, destruir os muros à sua frente. A sobrevivência de ambos vai depender da destruição dos outros. Eli mata as suas vítimas, mas não se regojiza ou se culpa por isso: sugar o sangue das vítimas é apenas a sua sobrevivência - não há closes nos ataques de Eli, às vezes vistos de longe, como um ato de desespero. Apenas ficamos com os restos, os lábios cheios de sangue, os olhos verdes imensos contrastando com o vermelho que toma o rosto.

Moralmente, as conseqüências disso são pesadas – explicitamente até, como prova uma cena brilhante ambientada em uma piscina, um acerto de contas que, mesmo sangrento, ainda consegue soar glamouroso esteticamente. E esteticamente, o filme de Alfredson é um deleite, com planos sequência e planos estáticos que enfeitam a tela - e o vermelho do sangue contrasta com o branco da paisagem. O frio da estação contrasta com uma sensação de que esse mesmo frio aos poucos diminui conforme amplia-se a aproximaçao entre Oskar e Eli. De fato, ele aos poucos parece usar menos roupas, enquanto ela... bem, ela "esqueceu como é sentir frio", apesar de ser gelada. É notável como tantas camadas abordando temas já surrados na mitologia do vampiro no cinema conseguem ser abordadas de forma tão fresca e com tamanha falta de pudor, e ao mesmo tempo, criar um filme tão tocante, sentimental e emocionante.

Alfredson não discute moral e não fala de recompensas para quem segui-la, apenas parece dizer que maior do que a recompensa, há a dor que a acompanha - para superar a dor, é preciso que outros sofram. E que o amor, realmente, não escolhe idade ou protagonistas. Brilhante.